"Boceto de un apunte para un borroso intento de ensayo misceláneo"

sábado, 28 de septiembre de 2013

EXPOSICIÓN 2013

Como todos los Octubres estaremos presentando junto a varios amigos las pinturas que hicimos este año 2013, cuidándonos de no repetir ni tampoco de hacer nada que inicie una Revolución Socio Cultural.
La cita será como siempre frente a la Plaza de Devoto (Mercedes 4146 - Plaza Arenales) del 4 al 13 de Octubre, en los horarios de 10 a 13hs y de 16 a 20hs. Todos los días excepto -siempre hay una excepción- el lunes.
¡ENTRADA LIBRE Y GRATUITA SEÑORA!



Y ya que estamos les dejo lo expuesto por vuestro humilde servidor en Oktubre de 2012 (después del disco de los Redondos creo que ya se puede adoptar el Oktubre con b invertida, aunque todavía no la tengo en el teclado). La idea del año pasado era basarse más bien en algún concepto tanguero.
Los de este año 2013 creo que son una pequeña evolución de los del 2012 (con temática libre), aunque si éstos que siguen no convencen ni un poco les recomiendo no acercarse por la zona.

Treinta y Cuatro Puñaladas
¿Cuándo Sale?
Nico
Eche Amigo Nomás
La Última Verdulera
el Cuatro a Tres
Malestango
Melanconauta

Todo aquel que se anime me avisa y nos encontramos allá. A mí tampoco me queda cerca pero intentaremos estar presente todos los días.
Mientras tanto trataremos de que la Inspiración no cruce a mi lado justo cuando estoy atándome los cordones. 



sábado, 21 de septiembre de 2013

Diez Covers de Robert Johnson

Robert Johnson nació en 1911 en el Delta del Mississippi y murió 27 años después, encabezando lo que sería una larga lista de artistas que han abandonado este mundo a esa temprana edad y en circunstancias no muy bien aclaradas. 
¿Qué dejó? 
Una esposa muerta, otra abandonada, una leyenda gigante y un puñado de canciones mal grabadas (tan sólo 29,  no hay más que eso),  que apenas muestran su potencial como el mejor blusero de la época.
Su inimitable estilo vocal, salpicado de escalofriantes falsetes, su sentido de la libertad interpretativa y su manera de tocar la guitarra (se cree que fue el primero que incorporó un cuello de botella para frotarlo sobre las cuerdas al estilo slide, tal como lo hacían sus ascendientes, esclavos africanos) lo marcan como el principal referente de blues.
Hay tres constantes en las letras de Johnson: lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo incesante y los terrores irracionales. Se dice de él que vendió su alma en una encrucijada a cambio de interpretar el blues mejor que nadie.




Como me disgusta de sobremanera los covers que no aportan nada nuevo (ya sea porque son muy similares al original o porque es una nueva versión sin sentido), acá va una selección de los que yo considero mejores covers de temas de Johnson, aquellos que le dan nueva vida a sus canciones. Que ciertamente son temasos, tanto en el original como la nueva versión, por el hecho de  apropiarse del tema y llevarlo a su propio estilo, sin perder la esencia original (un viejo blues la piel me erizó –La Renga dixit-).



Rolling Stones – Love in Vain
Los Stones grabaron este cover oficial en el disco Let it Bleed de 1969, mucho más pausada que la original de Johnson (La otra igualmente famosa es “Stop Breaking Down”). Cuenta con el aporte de Ry Cooder en guitarra slide y solo de mandolina. En vivo tenemos la de Hyde Park, también está la de Altamont un poco más rápida, la de Stripped de 1995 la armónica y el teclado le dan un toque especial, y alguna más debe andar por ahí.
Pero particularmente me gusta más la que dejaron registrada en Get yer ya ya´s out me parece que el diablo se aparece por un momento bajo la forma de Keith Richards para pedirle a Mick Taylor el mejor solo de guitarra. La hicieron más tranquila, agregando punteos largos y vientos pausados, haciendo más patente la soledad que propone el tema. La letra va de un tipo que sigue a una mina hasta una estación de tren con una maleta en la mano y que, obviamente se toma el tren, dejándolo solo.  Si esto no es blusero, el Blues donde está.



Led Zeppelin – Traveling Riverside Blues
Esta versión es muy diferente a la original (Led Zeppelin la tenía bien clara) y es más un homenaje a Johnson que un cover. La letra no se respeta fielmente, incluso se le agrega algunas frases de otros temas de Johnson. Pero “Exprime mi limón hasta que el jugo caiga por mi pierna” no podía faltar.
Se la puede encontrar en el BBC Sessions, aquel disco de los 90 que recopilaba temas inéditos (esos que tanto nos gustan) de 1969 y 1971. También llevó un video promocional para el lanzamiento del DVD. Y de ahí rescatamos este temaso.



Cream – Crossroads
Este es uno de los covers que Cream hizo de Robert Johnson (en realidad él lo había titulado Cross Road Blues). El otro no tan famoso es “From four until late”. En sus nuevas versiones prefiero Crossroads ya que se transforma de un blues triste y solitario a una interpretación veloz y rockera que resalta al -quizás- primer power trío. La versión clásica de Cream es la registrada en vivo en 1968, y que fue incluida en el disco Wheels os Fire.
Eric Clapton además tiene un disco completo dedicado a Johnson llamado “Me and Mr. Johnson”, pero ninguna de sus canciones supera a la versión que hizo con Cream.
Y recordemos que su centro de rehabilitación de drogas lleva por nombre Crossroad Centre.
En 1986 se hizo la película sobre la vida de Johnson titulada justamente “Crossroads” pero esa es otra historia… 



Fleetwood Mac – Hellhound on my trail
Peter Green, el líder de la banda, tiene un par de discos dedicados a Johnson. De muy buena calidad, pero muy fieles en ritmo y acordes a los originales. El cover con Fleetwood fue el más famoso de esta canción y por eso merece este lugar.
El tema se refiere al modo de vida de los bluseros de la época, que vivían viajando de pueblo en pueblo, tocando en tugurios y durmiendo y comiendo donde podían. Trata de un viajero perseguido, pero a la vez tiene un tinte religioso, quizás influido por las iglesias del sur de EE.UU., también mezcla la mitología griega (cancerbero) con los cultos afroamericanos, de donde pudo haber nacido la leyenda de que vendió su alma al Diablo.
Sabuesos infernales en mi sendero, dice la letra, linda frase para un blues...



Blues Brothers – Sweet Home Chicago
Le imprimen un poco más de velocidad a este tema y ni hablar de los arreglos de vientos, teclados y los coros. Realmente convierten la depresión del tema original en algo un poco más festivo y en un himno para la ciudad de Chicago.
En la letra el narrador le pide a su chica que lo siga a California/Chicago. Esto dio lugar a controversias sobre si Johnson cometió un error geográfico, si ese lugar es una metáfora de libertad o ciudad imaginaria, o si tan solo describe un viaje por varias ciudades. Lo cierto es que metas la ciudad que te guste, el tema va a sonar bien (excepto San Petersburgo o Å).



Delaney & Bonnie & Friends – Come on my kitchen
Las interpretaciones acerca de esta canción disparan para muchos lugares diferentes, pero lo único cierto es que Johnson cantaba acerca de una mina a la que estaba ofreciendo refugio a en su cocina.
El cover que hizo Cassandra Wilson podría haber clasificado por el clima que propone, pero nos quedamos más bien con este por su vena rockera. En el disco de Delaney & Bonnie & Friends no se atribuye el tema a Johnson sino a “Payne”, apodo con el que se conocía a Robert en su época. 



The Gun Club – Preaching the Blues
La banda de California hace suyo este blues y lo pasan por la trituradora del punk convirtiéndolo en algo totalmente nervioso y acelerado. Hacia el final Jeffrey Lee Pierce grita en forma desquiciada y junto con el riff furioso de guitarra convierten el tema en algo hipnótico.
A esto me refiero con hacer propio un tema, así vale la pena hacer un cover. Así se le rinde culto a una leyenda como Robert Johnson. Así se le da vida a un cover.



Red Hot Chili Peppers – They´Re Red Hot
No hace falta que lo remarque, pero no es casualidad que los Red Hot hayan elegido hacer el cover Red Hot. Es una canción muy corta que Robert la grabó una sola vez (y que también la tituló Hot Tamales). A su vez la de los Red Hot se encontraba como bonus track en su gran disco “Blood Sugar Sex Magik” y dan una pequeña muestra de que adaptan muy bien canciones de otros palos a su estilo.



The White Stripes – Stop Breaking Down
Acá me voy a detener un poco para explicar por qué elijo esta versión y no otra. Se hicieron muchas versiones bluseras que aportan poca novedad. Si hablamos de rock, los Stones la grabaron en el excelente disco Exile on Main Street y también merecería estar en este top ten (la armónica, la slide, y los teclados la rompen) pero ya tuvieron su lugar con Love in Vain. ¿Cuáles quedan?...Los ZZTop le imprimieron peso, Jeff Healey velocidad y Clapton calidad. Pero ninguna de estas me convence tanto como la que hicieron los White Stripes. Con su minimalismo adaptan este blues de los treinta (las dos tomas que hizo Robert suenan diferentes) y le dan la bienvenida al siglo XXI y dejaron en claro cuál iba a ser el camino a transitar.  




Canned Heat – Dust my Broom
La particularidad de este tema es que parecen ser dos guitarristas tocando al mismo tiempo, pero es solamente la innovadora técnica que Johnson utilizaba para sus boogies. Y si decimos boogie, la versión que más me gusta es esta de Canned Heat, banda que se dedicó a reivindicar a los grandes bluseros de décadas anteriores y que siempre se destacaron por sus improvisaciones en vivo con el “Búho Ciego” y “El Oso” en voces. Esta versión la grabaron en su primer disco, en 1967.
La letra da para numerosísimas interpretaciones (“el polvo de la escoba” no significa lo mismo de una década a otra) y los diferentes artistas que hacen el tema la fueron variando.




Si algún día viene el Diablo a pedirme mi alma a cambio de algo, me verán por los caminos con la guitarra en la mano. 

domingo, 1 de septiembre de 2013

El Gran Capítulo LV de Moby Dick

Navegando las agitadas páginas de Moby Dick, me topé con un capítulo bastante especial. El autor critica los dibujos y cuadros realizados sobre ballenas hasta ese entonces (1851) por considerarlos alejados de la verdadera forma de este animal. ¡Y vaya que lo están!

Herman Melville basándose en la propia experiencia y en los relatos de marinos más que en un rigorismo científico (por ejemplo, lo clasifica como pez) hace una descripción casi mitológica de Su Ballena, escribe la leyenda literaria de La Ballena.
Es que la narración de la historia principal -la venganza de un capitán contra un cachalote blanco- se ve interrumpida a cada rato por tratados de cetología, técnicas de descuartizamiento, digresiones documentales, y demás teorías que van contrapunteando la novela. Reduciendo esta última aproximadamente al 30% del libro; todo aquel que emprenda esta aventura tendrá que tener mucha paciencia, o simplemente disfrutar de las islas en las que se hace escala.
Esto genera que se den numerosos tipos de lecturas. Es un  libro lleno de alegorías y representaciones simbólicas donde se da una perfecta distribución de acción, drama, humor, de personajes que van evolucionando a veces de manera inesperada y donde hasta la última página nos mantendrá en vilo.


A modo de muestra acá va una de las digresiones, el capítulo 55, apenas modificado y en el que voy a ir intercalando las imágenes correspondientes:



De los cuadros monstruosos de ballenas

De forma inmediata y tan bien como me sea posible representaré para ustedes, sin lienzo, algo semejante a la verdadera forma de la ballena, tal como aparece en la actualidad a los ojos de los balleneros, cuando la ballena, en su total y absoluta corporeidad, aparece amarrada a lo largo del buque ballenero, de tal suerte que puede fácilmente incluso andar sobre ella. Puede ser interesante, por ello, poner de relieve esos curiosos retratos que se han hecho hasta hoy de la ballena, y son ofrecidos a la credulidad del hombre de tierra. Ha llegado la hora de desengañar a la gente en este aspecto, demostrando que esas representaciones de la ballena son erróneas […]
El más antiguo retrato existente se encuentra en la famosa gruta-pagoda de Elefanta, en la India.
 La ballena a que nos referimos se halla en un aislado segmento de pared, y representa la encarnación de Visnú en forma de leviatán, conocida entre los eruditos con el nombre de Matse Avatar. 
Si bien esta escultura está compuesta mitad de hombre, mitad de ballena, de manera que tan sólo incluye la cola de esta última, sin embargo, esta pequeña parte del animal es ya totalmente errónea, y más se asemeja a la inquieta cola de la culebra de Ceilán que a la amplia palma, verdaderamente majestuosa, de la ballena.

 


Mas trasladaos ahora a las viejas galerías, y observad un retrato de este pez hecho por un gran pintor cristiano […] La pintura de Guido, en que aparece Perseo rescatando a Andrómeda del monstruo marino o ballena. ¿Dónde obtuvo el modelo de tan extraña criatura como aquélla?



No fue más afortunado Hogarth al pintar idéntica escena en su propio cuadro El descenso de Perseo […]



 Después tenemos las simbólicas ballenas del viejo escocés Sibbald, y la ballena de Jonás, como aparecen en las impresiones de las viejas biblias […] se trata en efecto de una criatura sumamente pintoresca, aunque fabulosa, imitada de figuras de vasos antiguos […]




En las viñetas y otros adornos de libros antiguos os encontraréis en ocasiones con esbozos muy curiosos de ballenas, en que toda suerte de surtidores, chorros fríos y calientes, surgen burbujeantes de sus inextinguibles cerebros.



Pero dejando de lado estos intentos de no profesionales, echemos una ojeada a todas esas pinturas de leviatanes reputadas como sobrias y científicas representaciones, por aquellos que conocen la materia. En la colección de viajes del viejo Harris hay algunas láminas de ballenas extraídas de un libro holandés de viajes, publicado en 1671 […] En una de esas láminas las ballenas, semejantes a balsas de niebla, son representadas echadas entre islas de hielo, mientras osos blancos recorren sus vivientes lomos. En otra lámina se comete el descomunal desatino de representar a las ballenas con colas perpendiculares.



Después hay un libro escrito por un cierto capitán Colnett […] En este libro hay un esbozo que pretende ser el retrato de una ballena espermática, dibujada a escala de un ejemplar muerto en la costa de México en 1793, y subida a cubierta. […] Para no mencionar más que un detalle mínimo, diré que la ballena tiene un ojo que, aplicado con arreglo a escala adjunta, a una ballena adulta normal, haría que el ojo de esa ballena pareciera un tragaluz de unos cinco pies de largo. ¡Ah, mi simpático capitán! ¿por qué no nos ofreció el espectáculo de Jonás mirando al exterior a través de ese ojo prodigioso?



Ni las más concienzudas compilaciones de Historia natural se ven libres de estos detestables errores. Echad un vistazo a esa obra de Goldsmith. En la edición de 1807 hay láminas de supuestas “ballenas” y “narvales” No deseo parecer inelegante, pero esa repulsiva ballena tiene todo el aspecto de una marrana que hubiera sido amputada […]

 


Después aún en 1825, Bernardo Germain un gran naturalista, publicó un libro científico y sistemático sobre ballenas, en el cual aparecen diferentes retratos […]




Pero el lugar más destacado en todo este resonante negocio corresponde al científico Frederick Cuvier, hermano del famoso barón. En 1836 publicó una Historia natural de las ballenas, en la cual ofrece una pintura de lo que él llama una ballena espermática. Antes de enseñar ese cuadro a un nantuckés creo que harías mejor preparaos de antemano la retirada de Nantucket. En una palabra, no es una ballena espermática sino una calabaza. Es cierto que este científico no tuvo jamás el beneficio de un viaje de pesca de ballenas –lo que pocos hombres alcanzan, en realidad-, mas ¿quién podría decir de qué modelo sacó ese cuadro? Quizás lo sacó de un dibujo chino, y qué imaginativos son éstos, lápiz en mano, lo sabemos a través de muchas copas, cacharros y objetos de arte que llegan hasta nosotros.



En cuanto a los pintores de ballenas que exponen sus cuadros en las tiendas de los traficantes de cuadros ¿qué podríamos decir? Generalmente se tratan de ballenas a lo Ricardo III, con jorobas de dromedario, y muy feroces, pues se desayunan con tartas de marineros, es decir lanchas balleneras llenas de tripulantes, mientras pasean sus deformidades por mares de sangre y pintura azul.
Pero estos múltiples errores al representar la ballena no son muy sorprendentes. ¡Considerad! La mayor parte de estos dibujos o pinturas están sacados del momento en que la ballena, muerta, reposa en la playa. ¿Cómo podrían representar al noble animal en la eclosión de toda su magnífica vitalidad? El leviatán viviente, mientras flota, no ha posado nunca enteramente para retratistas […]



Puede imaginarse que a base de los desnudos esqueletos de las ballenas llevadas a tierra podrían deducirse veraces elementos para la reconstrucción de su verdadera forma, pero esto no es así, en modo alguno. Porque una de las cosas más curiosas acerca de este leviatán es que su esqueleto procura escasas ideas acerca de su forma general. Del esqueleto de Jeremías Bentaham puede formarse la idea correcta de aquel vigoroso y viejo caballero utilitario, con las principales características de Jeremías. Sin embargo, nada de esta suerte podría inferirse de los huesos articulados del leviatán […]



Por todas estas razones, pues, y de cualquier manera que miréis el problema, necesitáis llegar a la conclusión que el gran leviatán es la única criatura en el mundo que debe permanecer hasta el final sin ser pintada. En verdad, una pintura podría acercarse algo más que otras, pero ninguna en absoluto podría contener un considerable grado de exactitud. Por tanto, no hay medio terrenal de expresar el aspecto de la ballena. Y el único tolerablemente viable es que os hagáis una idea de su viviente contorno es asistir a una pesquería de ballenas personalmente. Pero al hacerlo correríais grave riesgo de desaparecer, por lo tanto cual me parece que lo mejor sería que no insistierais demasiado en vuestra curiosidad relativa al leviatán.


Volveremos a navegar y navegar estas páginas...

viernes, 23 de agosto de 2013

El Humor de La Venganza II

Como ya lo habíamos hecho en El Humor de La Venganza I, volvemos con esta sección que podría titularse también “La Venganza es casi un programa de radio” o “Van a ver cuándo les falte”.
Hoy volvemos con otras 5 grandes noches de humor, de aquellas que no tienen desperdicio.

Ese humor que está presente durante todo el programa radial pero que, pasando la 1 de la madrugada deja de aparecer a pinceladas y tiene su propia sección, de aproximadamente 30 minutos. Se elige una monografía (que consta de algún recorte de revista, por lo general las dedicadas exclusivamente a la mujer) y de ahí se desprenden las desopilantes ideas humorísticas.

Los dos primeros “Ampollas en las patas” y “Me gusta comer como un chancho” de 2003 y 2004 respectivamente, cuentan con el mejor trío (a mi gusto) que tuvo La Venganza: Dolina-Stronati-Rolón. Provenientes de la época en que el programa se emitía desde el subsuelo del Café Tortoni, aquella bodega que lindaba con los estratos del Infierno.


“Se me quemó un electrodoméstico” cuenta con la presencia estelar de Gillespi (sumado al dúo Dolina y Rolón) un eventual participante de estos últimos años en La Venganza será terrible, que le da un tinte más alocado con sus comentarios surreales, y que tan bien le hacen a este segmento.


Tenemos también una sección que nos recomendó un amigo de la Casa: El Demiurgo de Hurlingham, quién estuvo presente en la Feria del libro en Hurlingham para ver al trío Dolina-Dorio-Barton, programa que se emitió el 15/06/2012. Del mismo selecciono la primer media hora, en la cual se tiñó todo de humor, delirando acerca de los "Medios de transportes ecológicos y sustentables en Hurlingham y en el Japón".


Y por último, “La viruta metafísica” es una pequeña sección donde el humor y una situación cotidiana se encuentran mezclados con una reflexión filosófica acerca de los efectos de las cosas, la inmortalidad y el amor.  Esta sección pertenece al año 2000 (o al menos eso nos han hecho creer por ahí).



Pronto volveré a caer en la desgracia de acercarles más segmentos de humor de La Venganza. Y para finalizar, solo dos palabras: ¡Gracias!

domingo, 4 de agosto de 2013

Fantasías Animadas del Rock II

Como ya lo habíamos hecho en Fantasías Animadasdel Rock I acá volvemos con una segunda parte. Por suerte gran cantidad de bandas han tomado el riesgo de realizar una animación artística e invertir gran cantidad de tiempo y dinero, sin tener asegurado el rédito (ni el éxito). Se sabe que, cuando la cosa sale mal, son considerados trucos de promoción desechables y olvidados al instante. 
Otros 5 videos con una animación sorprendente, que han perdurado (o lo harán) no sólo  por la música sino también por lo que dejaron grabado en nuestra retina.





A-Ha - Take on me


El video de “Take on me”  hizo subir las ventas y la popularidad de la banda noruega de pop A-Ha y que además les permitió conseguir premios y numerosas críticas positivas. Este clásico de 1985 (más inmerso en los ochenta imposible) fue dirigido por Steve Barron, y grabado en Kim's Café así como en un estudio de sonido en Londrés. Incorpora animación dibujada a lápiz junto con imágenes reales, una técnica conocida como rotoscopio, donde la imagen real es superpuesta, cuadro por cuadro. Aborda una relación romántica entre el personaje de una historieta y la chica que la está leyendo. Así, tanto el concepto como la técnica utilizada se corresponden, a través de la relación realidad-fantasía. Dicen que en total, se animaron con esta técnica aproximadamente 3000 cuadros, lo cual tomó cuatro meses en concretarse. Tan parodiado como las veces que se le rinde culto.




Molotov - Frijolero


El video “Frijolero” de Molotov es un trabajo de animación del año 2003 que simula la técnica del stencil (moldes para poder pintar con aerosol). Se usan transiciones rápidas donde predominan los colores primarios, resaltando muchas veces los de la bandera de México.
Pasarán por él George W. Bush, presidentes de México, el Tío Sam, alusiones a Mickey, a La Parca, y hasta la etiqueta de un producto ficticio denominado Refried Molotov.
"Frijolero" es el término despectivo utilizado en Estados Unidos para referirse en forma coloquial y despectiva a los mexicanos (beaner), mientras que “gringo” es la contraparte utilizada por los mexicanos para hablar de los estadounidenses. Por eso el tema alterna el español y el inglés y se refiere a la tensa situación de frontera entre ambos países. Los integrantes cantan toda la letra en español usando la “R” del inglés en lugar de la “R” y la “RR” del español (recordemos que la banda está formada por 3 mexicanos y un yanqui). En youtube se consigue censurado...lo que a mi parecer le da el plus de insolencia necesario. ¡Correctou!




Red Hot Chili Peppers - Californication

El tema “Californication” de los Red Hot trata el lado oscuro de Hollywood. Hace referencia a un deterioro de la sociedad occidental, habla de la pornografía, la cirugía plástica, y diversos elementos de la cultura pop a los cuales se parodia.
El video está basado en la animación de los videojuegos al estilo GTA. En el comienzo muestra una pantalla de selección de personajes: los cuatro integrantes de la banda. Se van alternando en diferentes escenarios virtuales, cada vez que alguno alcanza el logo de la banda se produce un salto de nivel o la pantalla se convierte en imágenes reales de la banda tocando. El video (juego) termina con todos los miembros transformándose de gráficos de 128 bits a seres humanos. Fue dirigido por Jonathan Dayton y Valerie Faris, y es un documento del máximo nivel de animación gráfica que se podía lograr en aquel entonces (año 1999).





Elvis Costello - Accidents Will Happen

El video de Elvis Costello son tres minutos de perfección pop. Como canta acerca de los accidentes que pueden ocurrir una y otra vez, el dinamismo constante de las imágenes y el ritmo musical sugieren una fiesta de peligros hogareños para los ojos y los oídos. 
La animación fragmentada de la banda durante el estribillo de la canción es algo así como el efecto que se consigue al dibujar a lápiz sobre papel cuadriculado apenas coloreado y luego, triturar las páginas. Se ve a la banda tocando, en rectángulos blancos y negros desperfectos junto con franjas horizontales de color pastel brillante que se escapan de las casillas acentuando la acción y el efecto “accidental”. Les puedo asegurar que después de verlo andarán (por un rato) con cuidado.
El diseño hace referencia a los cuadernillos de anotaciones, a las gráficas de los libros de física o de manual de instrucciones, y lo sorprendente es que utiliza la estética publicitada por MTV en los ochenta, pero fue realizado unos años antes de que se popularice el concepto “video musical”, en mayo de 1979 por Annabel Jankel y Rocky Morton.




Gorillaz - Clint Eastwood

Bueno, Gorillaz merecería un post aparte en cuanto al tema de la animación en la música, ya que es un grupo virtual: sus integrantes se muestran sólo en forma de caricatura animada, siendo precursores en la movida de la presentación en vivo como holograma.
Seleccionaremos su primer hit llamado “Clint Eastwood”, de 2001. El tema que es una mezcla de electrónica, rap, alternativo y hip-hop y una porción de la película El bueno, el malo y el feo.
El video se inicia con una pantalla negra y el logo de Gorillaz se escribe en grafiti con un mensaje que significa "Todo cuerpo muerto que no es exterminado, se levanta y mata. La gente que el cuerpo mata, se levanta y mata"Los integrantes se ven sorprendidos que el suelo se resquebraja y de él emergen unos gorilas zombies de color azul que les empiezan a perseguir. También aparecen torres, columnas y tumbas, el cielo se torna nublado y llueve. Una alucinación colectiva (incluso los gorilas bailan como en el vídeo de "Thriller") que los mantiene tocando de manera inconsciente. 
Al menos hasta ahora, detalle que se les pasó de largo para utilizarlo simbólicamente en un sentido y otro, a los peronistas y antiperonistas.



sábado, 13 de julio de 2013

Jaque al Cine I

En esta nueva sección nos proponemos encontrar los filmes que han tratado el tema del ajedrez y ver cuáles son verdaderos íconos del deporte y cuáles serán tan sólo películas para pasar un par de horas. La idea es encontrar las que alcanzan el título de Maestro, Gran Maestro y por qué no Campeón Mundial de filmes del juego.

En la partida de hoy encontramos a dos películas de principios de los noventa: Jaque al asesino de 1992 y En busca de Bobby Fischer de 1993. Las analizaremos por separado y luego veremos qué tienen en común o en qué aspecto una aventaja a la otra para saber cuál es la triunfadora de esta jornada.


Jaque al asesino (o Knight Moves) es más un thriller que una película sobre ajedrez. Protagonizada por un apenas expresivo Christopher Lambert (la cara del afiche la mantendrá todo el film y supongo que toda su vida). Fue dirigida por el suizo-alemán Carl Schenkel.
Peter Sanderson (Lambert) es un campeón internacional que por una serie de coincidencias es el principal sospechoso en una serie de asesinatos. Al mismo tiempo que compite en el torneo tiene que ir descifrando los movimientos de ajedrez que guían al asesino para cometer sus crímenes; vía telefónica y en presencia de policías.

Hay apenas un misterio rescatable en la forma en que se mueve el asesino, jugando una partida de ajedrez con sus víctimas. Y creo que lo mejor es que cerca del desenlace el director juega con el público su propia partida “lanzándonos” un jaque y poniéndonos a prueba en la resolución del caso.
Lástima que el final sea tan previsible y absurdo, sin ninguna relación con el juego de ajedrez. Digno de una película de Jackie Chan.


En busca de Bobby Fischer se centra en la vida del ajedrecista Josh Waitzkin, más bien en su niñez. Su familia descubre por casualidad que tiene un don para el ajedrez y buscan incentivarlo contratando a un estricto profesor y haciéndolo participar en cuanto torneo exista. Lo que nos plantea el film ya desde el título es esa búsqueda norteamericana del sustituto de Bobby Fischer. ¿Hace falta presentarlo?... bueno, lo haré brevemente: aquel excéntrico y controvertido Campeón Mundial lleno de supersticiones y caprichos tanto dentro como fuera del tablero. La película va intercalando imágenes reales de Fischer y las relaciona con la vida del protagonista.

La exaltación de lo “estadounidense” recubre la película pero al menos hace una autocrítica de cómo en cada prodigio que aparece creen haber encontrado al “Nuevo Fischer” e intentan inculcarle lo agresivo de su juego dejando de lado el desarrollo propio del niño, enseñándole a ganar a cualquier precio en lugar de desarrollar sus intereses en busca de la felicidad. Entre estas dos posturas se encuentran sus dos maestros, el académico estricto y el que le enseña a jugar en el parque a pura garra y corazonada.
Si bien se centra en el juego de ajedrez la moraleja que nos deja es aplicable a cualquier competición como ya lo hemos visto, por ejemplo, en películas yanquis de boxeo. ¡Córtame la Dama y seguiré!
El reparto está repleto de caras conocidas: Ben Kingsley, Laurence Fishburne, Joe Mantengna, Joan Allen, David Paymer... Su director es Steven Zaillian.
Muy floja la banda sonora, es muy predecible y nos marca infantilmente el ritmo de cuándo y cómo emocionarnos.


En común, ambas tratan la relación de los niños con el ajedrez y los problemas que la obsesión y presión (propia o de familiares) puede causar a su vida. Jaque al asesino abre la partida con un flashback en blanco y negro recreando un juego entre dos menores que marcará su vida futura. A mi juicio la mejor escena de la película...


Lo que ambas películas tienen de malo es que caen en algunos de los preceptos del cine comercial. Si bien recrea cierto suspenso e incertidumbre que podían convertir a Jaque al asesino en un excelente film, se siguen demasiadas situaciones "pochocleras" y convencionalismos y lugares comunes del género policial. Una historia muy desaprovechada. Así mismo En busca… también presenta algunas situaciones propias del cine comercial y creo que el personaje del contrincante niño malo y el vagabundo sabelotodo del parque son demasiado trillados y de resoluciones previsibles. Y contiene escenas terriblemente infantiles, como cuando en medio de la competición encierran a los adultos.

Creo que la ganadora es En busca..., no por destacarse sino por ser la que comete menos errores burdos y además es la que muestra más situaciones con jugadas de ajedrez. La jugada de la partida final, por ejemplo es una demostración de por qué es la ganadora de hoy. Así se definió (aquel que no la vio y le interesa que raje de acá...el primer minuto no hay movimiento, pueden pensar la jugada o poner pausa, y tomarse un tiempo mayor para resolverlo:juegan las amarillas).

Pero tampoco creo que sea una película que pueda competir a nivel internacional y mucho menos que llegue al rango de Maestra.

Así que si piensan ver ambas películas, que sea un sábado a la tarde con un buen balde de pochoclos.  Yo seguiré buscando a “La película de ajedrez” en una próxima partida. Mate.