La primera vez que Los Redondos tocaron en Montevideo fue el
22 de julio de 1989, en el Palacio Peñarol, estadio de básquet que de estar
repleto puede albergar unas 5000 personas. ¿Cuándo fue la segunda vez que
tocaron en Montevideo?... Al día siguiente en el pub Laskina, para unos 200 espectadores
privilegiados, que se encontraban tan sólo a un escalón de distancia de la
banda, acurrucada en un rincón del recinto.
Ese invernal 23 de julio fue una noche en donde se destacó
la disfonía que el Indio arrastraba de la noche anterior y hablará mucho para disculparse. Como dijo un amigo, por esa época el Indio tenía una posición mucho más relajada con respecto a su público. El show arranca con una guitarra podrida de Skay y, luego
los gritos del público al reconocer que se trataba de Un tal Briggite Bardotel inédito más conocido de la banda.
Y enseguida el Indio comienza a disculparse por su voz
“Bueno, a ver si cantamos todos, lo que sepan, algo”. Seguirá el clásico La Bestia Pop en donde se nota aún más
la voz rota ya que hace cantar los estribillos a la gente. Los acoples
responden a lo amuchados que estaban los músicos. Y otra vez “Bueno a ver si me
ayudan a cantar porque…”. Una versión veloz de Ella debe estar tan linda le
sacaría suspiros al Indio y precedía Aquella Solitaria Vaca Cubana donde la
rompe el solo de Dawi, incluso se puede escuchar los aplausos del público
mientras suena el saxo.
En Todo Preso es Político el Indio pedirá antes del
estribillo “A ver conmigo”, y al finalizar el tema “Gracias por la ayuda,
gracias por darle una ayuda al vejete que viene afónico”. Antes de un descanso Ñam fri frufi fali fru y luego se van a tomar un escabio. Esa noche Roto y Mal Parado no podía faltar. Y de ahí al
segundo inédito del show Nene nena. Es interesante el punteo de guitarra que
Skay mete por el medio del tema, creo que ese tema nunca sonó así.
Masacre en el Puticlub ya era un clásico del disco que
había salido dos años antes, como evidencian las palabras del Indio “No sé si
sabrán está canción, pero el que la sepa nos ayuda”. Y al finalizarlo “Bueno a
ver si movemos ese culito, un rockito vamos”: Divina TV Führer. “A ver un
poco de luz que se desconecta todo acá”.
Y ahora sí, uno de los grandes momentos que tuvo ese show.
Sube a tocar uno de los dueños del local, con él harán el clásico Maldición va
a ser un día hermoso pegado con Blues del noticiero un enganche de temas
común en esa época de la banda y de los cuales sólo el último quedaría inédito
(para ser más exactos aparecerá en el disco "En Directo", pero nunca en estudio).
Y el primero sería grabado ese mismo año en el disco “¡Bang! ¡Bang! Estás
liquidado” un disco que evidencia la energía que tenía la banda por entonces.
Ahí van los dos con un preaviso del Indio.
Para zapar en saxo Vamos las Bandas sube otro
invitado y se da un nuevo gran momento de improvisación, gritos, aplausos y
chiflidos, en donde hasta el Indio se tentará por momentos.
El escenario está repleto y los corazones del público piden
más. El Indio amagará “parece que nos vamos... pídanle a Waldo”. Y que mejor para seguir la noche que JiJiJi en su versión
ya afianzada como himno inamovible. “Cantamos todos”. Un nuevo amague “hacemos un tema más y después tomamos algo
todos juntos”.“Es una banda de vejetes, recuerden eso” (recordemos que estamos
en el 89, el Indio tendría unos cuarenta años ¿imaginaría que 3 décadas después
estaría aún arengando desde arriba de los escenarios?).
Patricio Super Show ya anunciaba el final de
los inéditos y de esa noche.
Pero cuando ya parecía que habían desconectado todos los equipos,
aún quedaba tiempo para dos temas “nadie”, Nadie es perfecto y Ya nadie va a
escuchar tu remera y así terminar la noche como Patricio Rey manda.
Ahora que abundan las series que duran catorce mil
temporadas y que cuentan con millones de dólares de presupuesto, sacamos del
baúl de los recuerdos una serie que fue atemporal con la época en
que vio la luz y que por eso se emitieron tan sólo seis episodios, completamente de
culto. Esta serie fue la antesala de lo que sería luego la trilogía de
películas de “La Pistola Desnuda” pero tuvo sus propias particularidades,
de las cuales fanatizo.
Police Squad! es de 1982 y fue protagonizada por un amigo de
la casa, Leslie Nielsen (y como dirán los créditos: también por Alan North), la duración de los
capítulos era de 25 minutos, por lo que en total se rodaron tan solo 150
minutos. El tipo de humor continúa de alguna manera el estilo en que había incursionado
Woody Allen y también los Monty Python. Los efímeros seis capítulos fueron
dirigidos por Jim Abrahams y los hermanos Zuker, aquel trío llamado ZAZ y que
son los responsables de este estilo de humor absurdo, con ¿Y dónde está el
piloto? y Top Secret como sus películas icónicas. Se parodiaba a las series policiales yanquis de los 50 y 60 y a su vez
luego influenciaría otras parodias (Rambo, Robin Hood, las Scary Movie) y
series animadas como Los Simpsons o Padre de Familia tomarían mucho de ella.
Se trata de gags visuales, juegos de palabras,
incongruencias, te dispara chistes todo el tiempo y desde distintos ángulos,
cosa que no te puedas cubrir y al menos cada 30 segundos alguno te entre, quizás con orificio de salida.
Ya desde la secuencia de apertura podemos advertir que era
una sátira de las tradicionales aperturas de las series policíacas: el
anacrónico “In color”, Abraham Lincoln (quien no aparecerá en la serie) respondiendo
a un disparo ¡con más disparos! y protagonizado por Rex Hamilton (quien tampoco
aparecerá en la serie). El locutor anuncia en off un título que no coincide con
el que se muestra en pantalla y que revela algo de la trama.
Una gran particularidad es que había en cada apertura una estrella invitada
especialmente a la que mostraban cómo le disparaban o la mataban en ese
instante. Sobre estas secuencias hubo un hecho que conmovió a los directores:
Para el quinto capítulo habían filmado una secuencia en que a John Belushi se
lo ataba a un bloque de cemento y se lo introducía bajo el agua, pero por esas
cosas del destino increíblemente a este actor se le ocurrió morir antes
de que el capítulo salga al aire y los directores, atónitos con lo sucedido y
para no herir susceptibilidades, tuvieron que reemplazarlo con la “muerte
escénica” de Florence Henderson. Aquella secuencia con Belushi permanece
inédita (incluso dicen que casi se ahoga al filmarla), si alguien la encuentra por favor me avisa.
Se dice que el nombre Frank Drebin con el que se bautizó al
personaje principal fue elegido al azar de la guía telefónica. Gran recurso
dadaísta. El personaje en la serie mantiene una actitud estoica, como si todo
lo que pasara fuera normal, así a su alrededor la gente se prenda fuego o se le
caiga el decorado encima y cada vez que lo nombran tiene nuevo cargo.
Otra secuencia que se repite a través de los capítulos
con algunas variaciones y que es quizás la mejor, es la del lustrabotas que ve y sabe todo, no
solo lo que ocurre en la calle sino TODO lo que ocurre en el Universo (los que
acuden a sus consejos suelen ser famosos del espectáculo). Son muy buenas
también las secuencias en que Drebin va en el auto o las del policía científico al que sorprenden siempre enseñándole algo zarpado a algún niño. Y como no las del ascensor, que en cada
piso que para, sube alguien que nos descoloca y cada vez que se abre la puerta
veremos un paisaje aún más descolocado. La serie está
llena de estas cosas, así que lo voy a dejar ahí para no revelar demasiado. Acá el link de los capítulos con los subtítulos incorporados.En castellano nos perdemos muchos chistes en donde se juega
con el idioma o se toman frases en forma literal, algunas zafan al traducirlo
y otros lamentablemente quedan en el camino. Recomiendo estar atentos.
Desde mi punto de vista lo mejor (y lo que más se hace esperar) son
los epílogos, esos falsos congelamientos de pantalla al momento de los
créditos, sátira a esos congelamientos típicos en las series de los 70. Podemos ver que iban
subiendo la apuesta conforme iban pasando los capítulos pero no saber hasta dónde habrían llegado de haber continuado
con la serie. Una verdadera lástima.
¿Por qué se anunció la cancelación de la serie luego de
haberse emitido cuatro de sus seis capítulos? Bueno, tanto los directores de ABC
y personalidades como Matt Groening consideran que fue una serie adelantada a su
tiempo, y me sumo a esta teoría, esa serie hoy sería un éxito rotundo. En ese momento la gente no estaba preparada para seguir el ritmo a la cantidad de
chistes por minuto y de índole variada, a los juegos de palabras mientras los detalles visuales transcurren por el fondo y ni hablar de la cantidad de parodias. Cuando se lanzó el primer VHS en 1985 en el inicio un crítico decía
“Todo el que alquiló esto puede reír, y luego llorar… de que ABC sea tan cruel
y lo haya cancelado”.
Algunos prefieren que haya sido así, ya que como la serie
mantenía siempre la misma estructura habría cansado al público, y
quizás nunca se habrían hecho las películas consecuentes. Sea como fuere la
serie es completamente de culto y sus 6 episodios tienen la duración de una película.
El tema musical de la serie se mantendría luego en las películas de La Pistola Desnuda, fue creado por Ira Newborn.
En 2006 salió un DVD que contiene escenas inéditas,
audios, bloopers y diferentes extras, de los que solo algunos andan dando
vuelta por la web y que intentaremos conseguir.
Ahora que tenemos el Mundial encima hablaremos de la relación entre la música y el balompié. Pequeños ejemplos veloces: el tango por momentos le ha dedicado temas al fútbol (el
mejor ejemplo es “El sueño del pibe”). En el plano internacional hubo varios
músicos jugadores de fútbol, quizás en este caso el mejor ejemplo es Rod
Steward de quien se dice que estuvo a prueba en el Barcelona o Bob Marley, que
sufrió la lesión en un potrero, lesión que lamentablemente luego lo llevaría a
la muerte. Los Die Toten Hosen han invertido guita para salvar a su equipo, el
Fortuna Dusseldorf. Y por ahí también anda Sabina, que cuando puede le dedica
unas líneas al fútbol.
En Argentina durante la década de los noventa se dio un
noviazgo entre el fútbol y el rock. Impulsadas por el efecto Maradona, muchas
bandas le dedicaron temas e hicieron menciones a él en sus letras y al mismo
tiempo al fútbol. Jugadores como el Mono Burgos o el Rifle Pandolfi han colgado
los botines para tocar una viola y otros como el Lobo Cordone solían saltar el alambrado del campo de juego a la tribuna de un show. Muchas bandas han
participado de programas de fútbol como “Hay equipo” e incluso han demostrado ser buenos. Las bengalas invadieron los
recitales y los trapos con logos y frases de rock, los partidos. Al mismo
tiempo en las tribunas de fútbol se cantan temas de música y en los shows
se alienta a las bandas con canciones de la cancha. Lo que se dice: el Aguante.
Hoy hablaremos de una banda de los noventa que fue una especie de padrino
de este noviazgo, Los Caballeros de la Quema.
Oriundos de Morón, la tierra del Gallito, su estilo proponía
la “futbolización” del rock. El líder de la banda, Iván Noble suele hacer
mención en sus letras al fútbol, tan intensa era la relación de la banda con la redonda que describían su estilo como “Rock Medina Bello” (¿cabe que aclarar quién es y sus
particularidades como jugador?). Desde el comienzo de la banda Iván escribió
letras con referencias futboleras, en uno de sus primeros temas dice que un
Domingo Muerto es aquel en el que “prendés la radio y Boca es un desastre, 2 a
2 con Mandiyú” y esto nos ubica en una época pretérita en que éste club de
Corrientes no solo existía sino que además podía amargar el fin de semana a los
equipos grandes. Como esta podemos encontrar al menos unas veinte canciones con
menciones al mejor deporte, en muchas hablará de “gambetear” o de “empatar”, y por ejemplo en el tema Casi Nadie dice que “mejor es callejear, poner un wing y apurar”, en
Huelga de Princesas dirá que habrá que “afilar el olfato de goleador”. En Macho
Chaparrón “Me mandaron al arco y no puedo volver”, en No hay “Tantos campeones
besando remeras prestadas” y en No me despaches así “solo frente al arco me
enredé de nuevo los pies”. En el tema Zapping (entre canal y canal): “aguanta
Diego, saca pecho y se calza la 10”.
En su primer video oficial, el del tema Carlito, se puede apreciar un poster de Diego en la sala de ensayo de la banda.
En el video de Avanti Morocha sobre el final se ve a unos pibitos jugando con una pelota y en Hasta estallar Iván anda con una casaca del Milan.
Pero vayamos a los más característicos, aquellos en que la
mención al fútbol es fundamental para la composición del tema. En Romulo y Remo el grito de
gol es el enganche para pasar al estribillo. Gol gol golgolgol gogol gol gogo go
gool ¡Goool!. El gran tema ¿Qué pasa en el barrio? hará mención a “Los domingos
de tuco y de cancha” y que siempre hay “un Maradona en algún potrero”. Malvenido
termina con la frase “siempre listos para cabecear y nunca nos cobran un puto
corner”.
En fin, en el video de Basta para mi se puede apreciar la
postura de la banda. Un trapo sobre la batería, la letra en que se le pide la
hora al referí, y el aguante futbolístico.
El tema que describe todo lo que venimos
hablando sobre el fútbol y la banda. Tema que desde el título ya nos pone en
una situación filosófico-futbolística de la vida. Ese "partido chivo que jugamos todos abajo y nuestro Dios... siempre en orsai".
Cada vez que Iván Noble presentaba a la banda sobre el escenario, la iba nombrando como a una formación de fútbol. El batero era el arquero de la banda, los guitarristas los wines, y demás.
En entrevistas,
presentaciones de disco, programas de radio o lo que sea, suele dejar un par de anécdotas de
fútbol, ya sea como jugador o como lector del juego. Entre las mejores
anécdotas se encuentra la de haberse ido a probar a Ferro en los 80 (con el consabido rechazo) y el gol servido que se erró en la bombonera repleta, en un partido
organizado por la Fundación Pupi Zanetti. Dice que todavía siente el uuhh de la tribuna y que es una oscura mancha que lo perseguirá
durante toda su vida.
Para no andar con muchas vueltas diremos que hay un claro
vencedor y film candidato a jugar la final del mundo contra alguna otra
película del género, esta es“El Séptimo Sello”de Ingmar Bergman.
La otra, “La Fiebre del Ajedrez” (el título original en
ruso es Shakhmatnaya Goryachka) no se queda atrás pero es tan solo un
cortometraje que sirvió de propaganda a la Unión Soviética. Es una película
muda de 1925 dirigida por Vsevolod Pudovkin, con guión de Nicolai
Shpikovsky. Una de las primeras filmaciones sobre el juego de ajedrez y para
analizarla hay que tener en cuenta la situación política y social rusa de
entonces. Luego de la Revolución y con la Unión Soviética afianzada, el Torneo
de Ajedrez en Moscú de 1925 (y este film) fueron un aparato de propaganda hacia el resto
del planeta, ya que a éste asistieron los mejores jugadores de la época del mundo: el cubano Capablanca, el mexicano Carlos Torres, el
yanqui Marshall, el austríaco Spielman, el checo Reti, el británico Yates; y no
sé si hubo metida de uña o no, pero el campeón fue nada más y nada menos que el
ruso Efim Bogoljubow, la mejor propaganda que el régimen bolchevique podían
tener. Todo un éxito.
En resumen, este cortometraje nos muestra la popularidad
del juego en ese país y la locura que desataba la celebración el torneo allí.
Si bien es sencillo se destaca el montaje perfecto para la época y sobretodo el humor
alocado sobre un tema que podía haber sido tomado muy en serio. Constantemente
se muestra la locura del pueblo ruso por este deporte, y cómo los jugadores
eran considerados estrellas, algo así como hoy pueden serlo jugadores de fútbol o
actores de cine.
En el medio de una situación sentimental en que su mujer
no soporta su obsesión por el juego, el personaje principal interpretado por
Vladimir Fogel, estará lleno de dramatismo, humor y desenfreno. Suele jugar
contra sí mismo, usa unas medias a cuadros negros y blancos, por momentos
tendrá intentos de suicidio, y por otros saltos de clavadista hacia la nieve
luego de ser expulsado de algún auto. El ajedrez es su vida, y en la calle lo
encuentra en todos lados, sobre un carro, en pañuelos, en los diarios o en las
baldosas de los edificios, hay una partida entre un policía y un ladrón e
incluso a los transeúntes les llueve tableros de ajedrez. La confusión de un
farmacéutico es casi el jaque de la película.
En cuanto a lo técnico tiene imágenes sorprendentes para
la época, tomas en contrapicada donde se muestra solo partes del tablero y el
movimiento de la pieza.
Aunque tiene un gran peor actor, el mismísimo Capablanca
que aún siendo cubano en la Rusia de ese momento era considerado como un Beatle
en EEUU en 1964. Capablanca tiene un papel sobre el final casi como un super
héroe que viene a salvar al mundo, pero mientras se desarrolla la escena llena
de dramatismo mirará a cámara casi como preguntándole al director si lo está haciendo bien (¿habrán repetido varias veces la escena o esta así como salió quedó?), lo que se dice: un genio.
Ahora si hablemos de “El Séptimo Sello”. Realizada en
1957 por Ingmar Bergman está basada en una obra teatral que el mismo director
había escrito y titulado “Pintura sobre Tabla”. Había sido representada varias
veces en teatros y en transmisiones radiales. Incluso había sido dirigida por
Beng Ekerot, quien en el film tendrá el gran papel de la Muerte. Por eso el
film está lleno de planeos y situaciones que parecieran remitir a una obra de
teatro.
Es un clásico del cine y ayudó a Bergman a establecerse
como uno de los directores más renombrados y contiene escenas icónicas y que
han sido parodiadas y homenajeadas innumerable cantidad de veces. En su
autobiografía Bergman habla sobre las dificultades con las que se topó para
poder filmarla, tanto de salud y estados de ánimo como las dificultades
económicas con las que se topó para producirla y por las cuales tuvo que
reescribir el guión varias veces. El título hace referencia a un pasaje bíblico
del Apocalipsis que se relatará al principio y al final del film.
Todas las escenas se filmaron en los interiores de un
estudio de grabación, a excepción de las escenas del comienzo y del final que
fueron filmadas en una pendiente rocosa de la playa de Escania. El blanco y
negro acentúa las escenas impactantes de contrastes de luz y sombra, que
recuerdan imágenes del expresionismo alemán, donde la sensibilidad de la Edad
Media se representa en su mayor crudeza. Como curiosidad hay que decir que
Bergman tuvo la idea del film a partir de pinturas medievales, en especial del
pintor de iglesias medievales Albertus Pictor (o Alberto el Pintor), que además
de aparecer en la película, vendría siendo una alegoría de lo que también
estaba haciendo en ese momento Bergman, ya que lo que se verá en las pinturas
aparecerá retratado en el film. Algo así como cuando Velazquez se pintó a si
mismo dentro de la escena de Las Meninas.
Y así es interesante analizar cómo el Ser Humano a lo largo de la Historia fue transitando diferentes miedos, en la era medieval se le temía
tanto a la idea de la peste como en la época de la filmación se le temía a la
idea de una guerra atómica, de la cual, para algunos, sólo Dios podía salvar al hombre.
La idea de Religión, Muerte, la Nada y el Amor cruzarán
la película en forma constante y por momentos la pantalla se teñirá con escenas
de humor negro muy interesantes para cortar con tanta seria erudición. Una
película existencialista, densa y con diálogos complejos y dignos de los
grandes teólogos o filósofos que se plantean el sentido de la vida, la
necesidad de certeza, la Nada, la Muerte y el por qué del silencio de Dios.
Está ambientada en la Europa medieval, en la época de las
cruzadas religiosas. Relata la historia de Antonius Block (Max Von Sydow) un
caballero cruzado que está volviendo junto con un escudero a su pueblo natal en
Suecia durante la época de la peste negra y que en su viaje de regreso es
perseguido por La Muerte, el caballero le propone jugar una partida de ajedrez
para así ganar tiempo y poder realizar algún acto que de sentido a su vida. En
el camino encuentran a un grupo de cómicos ambulantes que tienen como
principales actores justamente a una pareja llamados María y José. Éste último
sufre alucinaciones del tipo religioso y cree ver constantemente a la Virgen. En
el camino también encontrarán a una muchacha condenada a la hoguera por creerla
bruja y motivo de las pestes que azotan la región. El escéptico filósofo y
escudero, llamado Jöns (Gunnar Björnstrand) se verá inmiscuido en
varias situaciones por su descreimiento de la fiebre religiosa, y salvará a una
joven de una vejación, sumándola a la procesión que regresa a Suecia hacia un
castillo en donde estarán a salvo de la peste. Jöns encarna el escepticismo
crudo, vendría correspondiendo lo que Sancho Panza era para el Quijote, aunque
en este caso mucho más mordaz y tajante en su descreimiento. En el camino
también cruzarán una oscura y triste procesión de religiosos flagelándose y
sufriendo para que su Dios termine con la peste. Se les unirá también un
herrero que ha sido engañado por su esposa con uno de los cómicos. Este ecléctico
grupo continuará su viaje y serán estos los personajes que le den otro aire al
film, con algo de comedia, situaciones inocentes y más relajadas.
En todo el film La Partida de Ajedrez jugará un papel
tangencial (lamentablemente no se mostrarán jugadas ni se jugará demasiado) pero
importantísimo para la idea que completa el film, lo que dure el juego será la
prórroga que tendrá Antonius antes de que la Muerte se lo lleve. Se sabe que el juego viajó a Europa proveniente de las Cruzadas y que de allí provienen los nombres de las piezas (alfil es “elefante” en árabe) y de las jugadas. Pero los Cruzados no solo llevaban consigo un simple juego, sino una tradición religiosa, filosófica y que encierra grandes secretos. Y todo esto lo muestra Bergman en su film.
En todo este camino La Muerte aparecerá para terminar con la partida. Por más que Antonius intenta engañarla, como es de suponer ella logrará su cometido. Aunque el final es todo suyo, digo, del que no la haya visto y quiera verla, acá el resumen de apariciones del juego.
Sólo diremos que en su biografía Bergman, hablando de
los problemas económicos para filmarla, dice de la penúltima toma: “La imagen
de la Danza macabra bajo el cielo nublado se logró a un ritmo frenético ya que
la mayoría de los actores habían dado por terminado su día de labores.
Asistentes, electricistas, un encargado del maquillaje y alrededor de dos
pasantes de verano, los cuales ni siquiera sabían de que se trataba todo esto,
tuvieron que interpretar el papel de los condenados. Una cámara sin sonido
filmó la toma antes de que las nubes se disiparan".
El film Gran Maestro de esta oportunidad se encuentra completo en youtube incluso con excelente subtitulado castellano. JLO, un Amigo de la Casa, creador y mantenedor de Cuando el Arte Ataque ya lo había recomendado en un comentario en este blog. Síganle la corriente y veanla, no tiene desperdicio.
Hablaremos hoy del segundo disco de la mejor banda
brasilera. Fue titulado “Dois” no sólo por ser el segundo que editaron sino
también por la intención, descartada finalmente, de que sea un álbum doble que
iba a llamarse “Mitología e intuición”. A los copados de la discográfica no le
hizo mucha gracia que el disco tuviera gran cantidad de canciones -¡y menos que
fueran dos!- por lo que muchas quedaron fuera (algunas serían editadas en su
tercer álbum), dando como resultado este popular y exitoso disco de 12
canciones; y que, subiéndome al tren del éxito, es también mi preferido.
Con este disco la banda alcanza sus mayores ventas y a la
vez se afianza en cuanto a su sonido. Se alejan un poco del post punk de Londres que habían desarrollado en su primer álbum y comienzan a pisar el terreno de lo que será el sonido
típico de Legião Urbana de ahí en más, esa mezcla de rock and roll con ganchos
folk y una pizca de bossa y otra de blues. La banda estaba conformada por
Renato Russo en voz y guitarra rítmica, Dado Villa-Lobos en guitarra principal,
Marcelo Bonfá en batería y Renato Rocha en bajo, quién grabaría el tercer álbum
con la banda para luego abandonarla. La tapa nos muestra la misma austeridad
que el disco blanco de los Beatles (aquel que es disco doble), y se parece más a
una cubierta de libro.
El gran salto de este disco lo da Renato Russo como
poeta, a partir de acá sus letras van a ser las verdaderas protagonistas.
Dejará numerosas metáforas, alegorías y alusiones a hechos históricos, y claro,
como el nombre de la banda lo indica, por lo general se ocupará de temas
metropolitanos, de cuestiones que atañen a las grandes ciudades pero que, acompañadas
de este nuevo sonido hará de esta banda única en Brasil (recordemos que no es
el sonido característico del país a los ojos del resto del Mundo, para quienes
Brasil significa samba, bossanova o el estilo de rock de Paralamas).
El disco fue lanzado a mediados de 1986 y abre con una
radio mal sintonizada donde la música de Legião se mezcla con algunos pasajes
de la Internacional Socialista. Inmediatamente se da paso al primer tema del
disco “Daniel na cova dos leões”
(Daniel en la cueva de los leones). El tema hace
referencia a una relación sexual (y probablemente a la homosexualidad de Renato,
esa que a mediados de los ochenta era todavía difícil de aceptar y que debía
tratar en forma discreta). El tema trata sensaciones de afecto, complicidad,
incertidumbre, placeres y aceptaciones, y las relaciona con un pasaje bíblico
del Antiguo Testamento: “Daniel en la Fosa de los Leones”, aquel que, temeroso
de Dios y leal súbdito del Rey Darío es engañado y condenado por traición y por
ello, arrojado a la fosa de los leones. Entre Dios y estas bestias muertas de
hambre serán quienes definan su destino, comérselo vivo o no, algo así como una
ordalía (por más que insistan no les voy a contar el final). Más de uno notará
la pinta de pastor evangélico o de maestro divertido de catequesis que tenía Renato y no le
sorprenderá que se ocupe de temas bíblicos, pero las palabras que usa no bajan
línea directa, sus letras son siempre una metáfora, un poema de algo cotidiano.
En las propias palabras de Renato “el tema habla de
alguien que está acorralado y tiene que demostrar algo”, como tener que lidiar
con una sexualidad que no es aceptada. En las frases finales nos dirá que a
pesar de que hay un camino fácil muchas veces optamos por el difícil.
Hago nuestro tu secreto más sincero
y desafío el instinto disonante
La inseguridad no me ataca cuando me equivoco
Y tu momento se convierte en mi instante
y tu temor de tener miedo a tener miedo
No hace de mi boca una confusión
tu cuerpo es mi espejo y en ti navego
y sé que tu corriente no tiene dirección.
Pero tan cierto como el error de ser barco a motor
E insistir en usar los remos,
es el daño que el agua hace cuando uno se ahoga
y el salvavidas no está allá, porque no lo vemos.
El segundo tema es “Quase
Sem Querer” (Casi sin querer). Una canción que si se la escucha con atención Quase
no necesita traducción, tiene un estribillo simple “Ya no me preocupo si no se
por qué / a veces lo que veo casi nadie ve / y se que vos sabés / casi sin
querer / que veo lo mismo que vos ves” y por momentos tiene frases tan bien
construidas que lo hacen un tema muy interesante “Cuantas chances desperdicié /
cuando lo que más quería / era probarle a todo el mundo / que yo no necesitaba
/ probar nada a nadie”. El ritmo comandado por la variedad de guitarras será típico en la
banda a partir de este disco y de este tema. Este video no es oficial de la banda, está hecho por un fanático.
El tercero es un tema
que por el ritmo podía haber formado la lista de temas del primer álbum, el
bajo toma protagonismo como no lo hará en todo este disco aunque las texturas y
capas de diferentes guitarras aparecerán y desaparecerán a lo largo del tema. El
título en inglés “Acrilic on Canvas” (Acrílico sobre tela) da pie para un tema
que usa como alegoría el trabajo de hacer una pintura para referirse a una
relación amorosa. La canción está repleta de frases como “Te trabajé en luz y
sombra”, “hice pinceles con tus cabellos”, “Preparé mi tela con pedazos de
sábanas que no llegamos a ensuciar”, “el marco lo hice con madera de la ventana
de tu cuarto” o “con las lágrimas que no jugaron con vos destilé aceite de
lino”.
El
cuarto tema es “Eduardo e Mónica”. Sin muchos prolegómenos diré que es uno de
los temas más famosos de Legião. Relata la vida de una pareja común y corriente
a lo largo de los años, con el estilo bossa-folk que caracterizaba a Renato en
su etapa de trovador anterior a formar Legião. Es casi una improvisación, pero
luego de escucharlo varias veces es imposible modificarle alguna parte de la
letra, ¡hasta creo que puedo cantar en portugués!
E
os dois se encontravam todo dia
E a vontade crescia, como tinha de ser
Una empresa telefónica brasilera hizo un video para una publicidad con este tema conmemorando el aniversario 25 de la canción, y supieron aprovechar la letra e introducir el asunto de las comunicaciones telefónicas. Lo bueno es que tiene una excelente traducción al español, al mismo tiempo que la letra se ve fielmente reflejada en imágenes. Así que los dejo en buenas manos.
Antes de uno de los
grandes éxitos de la banda hay una pausa instrumental a modo de oasis dentro
del disco, titulada “Central do Brasil” que hace referencia a la estación
central ferroviaria de Rio de Janeiro. Y de ahí nomás tomamos carrera para
saltar con “Tempo Perdido”. El tema más rockero del disco, y que fue referencia
para un film que salió hace poco en Brasil sobre la vida de Renato Russo
(“Somos tan Jóvenes”). Es un clásico del rock brasilero, con frases para que la
cante cualquier torcida o para hacer pogo en cualquier parte del planeta. Tiene
un video oficial y por suerte está perfectamente traducido. El video nos
muestra una TV con rockeros y personajes famosos en plena juventud, el divino tesoro. Imiten el inicio y suban el volumen que este es, sin dudas,
el himno de la banda:
En "Metropole" nos
ponemos un poco más oscuros y punks. Tema que tratará la injusticia, la
violencia, represión, la locura de vivir en las ciudades donde las “órdenes son
órdenes”, la sangre no es mertiolate, los accidentes serán satisfechos por
televisión y es difícil andar sin documentos. No por casualidad el tema termina
con la guitarra distorsionada, el bajo a pleno y la batería el palo. Prosigue "Plantas
embaixo do Aquario" que es otro de los que podía haber formado parte del primer
álbum. Así como “Soldados” o el tema “O Reggae”, en el estribillo nos pide a
gritos que ¡no dejemos empezar la guerra!.
La improvisación de
Renato y todo el blues aparecen con "Musica Urbana 2". Otro de los que se
entiende perfecto y que parece una zapada, pero que hoy en día no se le puede
cambiar un verso de lugar. “No hay mentira ni verdades aquí, sólo hay Música
Urbana”. Casi como si la banda se definiría a sí misma, todo a cargo del
trovador, el señor Renato Russo y del fan que hizo este video.
La letra de "Andrea
Doria" retrata dos jóvenes que pierden la fe en cambiar algo, el mundo quizás.
Nos hablará del fracaso, de lo imposible de hacer milagros y de la tristeza de
aceptarlo o la terquedad de no aceptar algo. El tema habla también de la
falsedad, del mundo de la hipocresía y de que siempre se esconde algo pero que
a la vez siempre se tiene un dejo de esperanza. Pero lo más interesante y llamativo
para analizarlo es el título. Andrea Doria ¿Quién es o fue Andrea Doria? Bueno,
fue un navegante italiano del Siglo XVI. Si nos quedamos con eso pareciera no
haber conexión, pero hete aquí que también se bautizó así a un transatlántico
que se hundió frente a las costas de EEUU en la década del cincuenta y creo que
a este hundimiento hace referencia el tema. De todos los barcos italianos de la
época el Andrea Doria era el más caro, seguro y lujoso, era el orgullo del país
que intentaba recuperarse después de la Segunda Guerra Mundial. Al igual que el
Titanic se hundió por un error humano (chocó con un barco sueco) aunque en este
caso la gran mayoría de los pasajeros se salvaron, falleciendo 51 personas.
Entonces, tomando en cuenta el título en este sentido la canción nos estaría
hablando de un naufragio, de una ilusión que se viene a pique. Renato la canta
casi susurrando y sus propios coros son suaves, casi como dichos al oído, la
canción apenas se va sale de ese ritmo pero hacia sobre el final se irá hundiendo
muy de a poco... de a poco... poco. Cierra por todos lados.
El tema "Fábrica" es el
primero que escuché de Legião, gracias a la gran versión punkrock, mucho más
veloz y sin teclados que hizo Attaque 77 y que está traducida al español en
forma perfecta. La de Legião nos prepara para el final del disco. Trata del mundo
obrero en las ciudades modernas, de todos esos que tienen el cielo color ceniza y que sólo quieren justicia y trabajar en paz.
Tema para dedicar el 1ero de mayo, ¿hay algo más urbano que esto?.
"Indios" cierra este discazo. El tema, traducido o no, se deja entender. Colonización, barbarie, el
“quisiera al menos una vez” como frase que encabeza cada estrofa y un Dios que
queda triste al ritmo hipnótico de las guitarras (y con vendavales de fondo), la defensa de una
tierra Latinoamericana devastada que quedó sufriendo todo lo que pasó y que ocurre
desde hace cinco siglos. Acá va traducido.
Este fue "Dois", a mi entender, el mejor disco de la banda. Volveré pronto con la tercer entrega de esta Pasión llamada Legião Urbana, y que ninguna barrera idiomática podrá frenar.
Los Artic Monkeys le afanaron un tema a Nirvana sin saber
que estaban afanando a su vez a una banda de los suburbios del mundo. La canción Potion Approaching lanzada en el disco Humbug de
2009 tiene el riff y ciertos pasajes muy parecidos al tema que Nirvana sacó en el disco In
Utero de 1993 y que lo titularon Very Ape.
Acá va el de los Artic subtitulado al español.
Antes del abucheo general tengo que tranquilizar a mis amigos
fanáticos de Nirvana y aclarar que sin duda fue la banda de los noventa y hasta
la llegada del siglo XXI no tuvieron sombra, claramente fue la única que marcó
un antes y un después en la forma de sonar de todas las bandas de la época, a
pesar de su corta vida. Pero también fueron fieles a la moda de cada tanto “cambiar las
cosas de lugar sin pedir permiso”. Very ape es una canción de casi dos minutos, la séptima del disco In Utero
y se dice que fue la última que se escribió para este álbum (y éste es un detalle no menor).
Hay una segunda versión grabada en los studios BMG Ariola de
Río de Janeiro que es apenas diferente
Pero vayamos sobre el punto que nos interesa para ver de dónde nace la suspicacia. Nirvana tocó en el Estadio
Amalfitani (la cancha de Velez) el 30 de
octubre de 1992. No fue un buen show, en parte debido al mal comportamiento del
público local y en parte a la mala onda de Kurt. Es
que antes de Nirvana tocaron las Calamity Jane, las “ahijadas” de Courtney Love, y no sonaron muy bien o no era lo que la gente esperaba o simplemente por diversión una lluvia de
comida, pilas y encendedores caía sobre ellas en pleno show. Las teloneras no pudieron
seguir y Cobain en repudio por este hecho decidió no tocar el
mayor éxito de la banda y el que todo el mundo esperaba: “Smell like teen
spirit”. Amagó la intro un par de veces y cuando los fans empezaban a
emocionarse, cortaba y arrancaba otro tema. Esto lo explicó al día
siguiente en la única nota formal que dio para la prensa argentina, a Sergio
Marchi. El 2 de noviembre Nirvana abandonaba la ciudad pero, Kurt no se iría con las
manos vacías.
Aquella noche los teloneros locales que precedieron a las
Calamity fueron Los Brujos. La banda de Turdera se encontraba en auge y
revolucionaban con su alocada puesta en escena, en 1991 habían grabado su primer disco
llamado Fin de semana salvaje y tenían un gran éxito, ese que cuando niños imitábamos el ritmo de la batería golpeando de manera alternada las manos y el pupitre. Oh casualidad esa noche lo tocaron. Aquel tema llamado Kanishka hace referencia a un ignoto
rey de cachemira, de la dinastía Kushán que gobernó la parte de lo que hoy es
la India y las regiones de la actual Pakistán y Afganistán durante el Siglo II
d.C y tiene un riff que gana por knock out.
Algunos creen que Kurt escuchó el tema mientras los
teloneros actuaban (y puede haberle quedado el riff en la cabeza), pero también
se sabe que después del show, el bajista Lee Chi y uno de los cantantes de Los Brujos fueron
invitados a pasar al camarín de Cobain y Cía. Dicen que se encontraron en medio de una batalla
de carne, literalmente, con paredes llenas de sangre y las Calamity, Courtney,
Kurt y sus allegados se arrojaban bolas de carne ensangrentada. Una traductora dijo que a
Cobain le había gustado el show de los Brujos, estos le dejaron el disco Fin
de semana… y aquí puede estar el gancho para que Kurt lo haya escuchado un año
después, en 1993, antes de grabar In Utero.
Antes de grabarlo Kurt registró una versión acústica de un tema parecido, que todavía
tenía otro ritmo y otra letra.
Quizás después de escuchar a Los Brujos se le “ocurrió” cómo
cerrar el tema, quizás era el riff que faltaba. Los dejo con la única canción que sale airosa en todo este lío.
Antes de que una lluvia de comida, pilas y encendedores caiga sobre mi, les comento a mis amigos nirvaneros que de creerlo conveniente, a continuación tienen el libro de quejas a su disposición.
Este es el mejor momento… para hablar sobre el segmento
humorístico de La Venganza será Terrible.
Como ya hemos dicho en otras entradas, es un programa
atípico en AM (y de la radio en general) donde se mezcla la reflexión, el humor
y la música, con la particularidad de contar con público presente. En otras
épocas se realizaban pequeños ciclos de radio teatro, reemplazados hoy por
improvisaciones de los protagonistas dándole al programa apenas un carácter de
Teatro Radial. Como dicen por ahí más que un programa de radio convencional, es
una experiencia teatral cotidiana trasmitida por radio. Actualmente el programa
cuenta con la presencia de Alejandro Dolina (que lo conduce desde 1985),
Patricio Barton como escudero fiel, y el tándem Jorge Dorio- Guilespi que
alternan un día cada uno.
Dorio-Barton-Dolina-Guilespi
El programa se divide
en cuatro segmentos, uno de improvisación a modo de precalentamiento con
mensajes de los oyentes y espectadores; luego se pasa al segmento dispositivo o
de reflexión donde se habla sobre una monografía referida al arte, la historia,
filosofía o cualquier tema de interés o pensamiento; el tercero es humorístico
y el último es la interpretación musical de El Sordo Gancé (pseudónimo que adopta Dolina) y el Trío Sin Nombre (conformado por Manuel
Moreira, Ale Dolina hijo y Martín Dolina).
Las noches
en vísperas de feriado el Auditorio se llena debido la gente que normalmente no
puede ir a verlos por realizarse a la medianoche y a Dolina se lo nota muy
contento, lo que favorece al segmento de humor, aunque a veces suelen pedir
disculpas porque hay gente que queda fuera por tener capacidad limitada.
Una constante del segmento (y del programa) es cargar a Gabriel
Rolón, el gran ex integrante del programa y que en 2012 estuvo por última vez. En algún momento Dolina dijo que “el programa existe nada más que para
burlarse de Rolón”.
A lo largo del año pasado el programa se realizó en diferentes
foros y ciudades como el clásico Auditorio de Mar del Palta, la ex-Esma, La
Plata, Berazategui, Chivilcoy, Venado Tuerto, Lanús y San Justo, entre otros
que no quisiera dejar fuera, con una capacidad mucho mayor de espectadores y
que por lo general superó las expectativas (también debido a que se realizaba
en un horario apto para estudiantes, trabajadores, viejas y niños). Pero el
gran viaje del programa fue en septiembre donde se presentaron en la Sala
Galileo Galilei de Madrid y en la Casa argentina de la Ciudad Universitaria de
París.
Durante este año han ocurrido algunos extraños sucesos, como
aquel en que se cortó la luz y tuvieron que hacer el programa sin público presente, las veces que Dolina se quejó de goteras y de los agujeros del suelo que le trababan la silla o el corte de luz en La Plata con Guilespi que no se detuvo y siguió tocando la trompeta en la
oscuridad.
El programa trata de no generar polémicas mediáticas, pero a veces se hace imposible. Muchas veces al hablar de algún personaje de la historia argentina (como Sarmiento o Rosas) o a veces de la actualidad. El año pasado Dolina le hizo comentarios a JORGE Dorio sobre la conducción de su programa en la TV pública y cierta parte de la prensa lo tomó como una amenaza a JORGE Lanata. Dolina salió a dar explicaciones al respecto pero los medios ya se habían hecho cargo del suceso y tergiversaron la historia. Los que lo escuchamos todos los días sabemos de que estaba hablando.
Hoy hablaremos de lo mejor del tercer segmento a lo largo
del 2013. En este segmento (¿cuál? ¡ÉSTE!) se toma una monografía de alguna
revista al estilo Para Ti que servirá de guía para divagar e improvisar sobre
el tema en cuestión. Gracias a páginas como Venganzas del Pasado pude escuchar
todos los programas del año y hacer esta injusta y tajante selección.
Lo mejor que le pudo pasar a este segmento durante el año pasado
es la incorporación como miembro estable del programa de Guilespi. El llamado “temible
regreso” se produjo el 5 de marzo y se mantuvo hasta la actualidad. Con Jorge
Dorio funciona mucho mejor el segmento dispositivo, le da puntos de vista diferentes y realiza siempre una buena conclusión de la charla, sus aportes
enriquecen las refelxiones, pero notarán las diferencias entre uno y otro en
cuanto al humor. Dorio juega más con las palabras (al estilo Dolina) y Guilespi
improvisa más, hace participar a los demás de su juego teatral sumando algo
diferente. El 22 de julio se dio algo raro para el programa, donde por primera vez
estuvo el trío Dolina-Dorio-Guilespi, y desde mi punto de vista no funcionaron
nada mal.
En uno de los programas desde Europa la producción del programa se confundió y emitió dos días seguidos el mismo segmento de humor. El segmento que no dieron se pudo descargar de la web de Radio del Plata (creo que nunca salió al aire de la radio). De los programas de Madrid rescatamos uno de los segmentos
que realizaron junto al mago, conductor y genio de los monólogos, el español Luis Piedrahita.
Se tituló “Como comportarse en un naufragio”.
El 5 de noviembre el segmento fue casi un radiocine. Guilespi
sorprendió todo el tiempo a Dolina y a Barton con su alocado estilo de humor. Otro día del año hasta ha
querido hacer trucos de magia, que el público presente no puede resistir de lo
malo que era. Y cuando comienza a reírse llega a tentar a todo el mundo presente
incluso al público ausente (los que escuchan por radio). Este se llamó “Señora, recorra la Argentina en
moto” y fue una noche a pura improvisación.
Por lo general, el primer segmento es un
simple precalentamiento para realizar el programa, pero este fue la excepción y
el humor lo copó todo. Se dio el 11 de febrero y al estar Dorio el humor se
mezcló con muchos datos históricos y literarios. En medio de la improvisación
sonó el celular de Dolina, incluso él llegó a arrodillarse. Acá pasó el típico
caso en que alguien aplaude en forma desubicada y exagerada y los protagonistas le contestan “ya
va”. Incluso Barton hizo participar a la gente y preguntó algo y más de uno le jugó una broma. Cosas que tiene este programa. Acá va "Año nuevo chino"
El 26 de diciembre fue un día de larga improvisación y
desvaríos con mucha participación del teclado de Dolina para la banda de sonido
de "Cine en Radio del Plata, concurso de argumentos para potenciales películas". Una película que ningún director se anima a rodar.
El del 22 de octubre es el mejor ejemplo de cómo el segmento
inicial puede llegar a alimentar al tercer segmento. Ahí van separados en 2
partes. Primero hablarán del "Bingo y el entusiasmo de las viejas" y luego el segmento de humor llamado "Aprenda a pintarse toda". Se nota como Guilespi cambia de “bando” (el programa en su improvisación
suele ser un dos contra uno, como en los viejos
tiempos de Dolina y Stronati vs Rolón)
Y para despedirnos una última palabra: ¡Aguante la Venganza!
