Así como el velocista aguarda expectante el disparo de largada o como en aquella película de Hitchcock en la que el cimbalero es protagonista casual en la trama y la tensión y el suspenso giran sobre su accionar; así también ocurre con los primeros acordes de Hard Luck Woman. Si es una interpretación en vivo la vista busca al baterista, si es la versión en estudio (Peter Criss, baterista y cantante en la original), el oído atenti espera el silencio de las corcheras.
Los más perspicaces me dirán: qué suspenso puede haber si el platillazo sucede al principio de la canción. Les contestaré: suelo escuchar los discos completos, y esta canción es la penúltima en la original y la última en el unplugged versión ponja.
La serie va de cómo la tecnología afecta la vida de los seres humanos, llevando sus conductas hacia una distopía. Coincido con el creador Charlie Brooker, que cada episodio tiene su propio tono, y que se los puede agrupar según sus características. Sin embargo, es "San Junípero" un caso extraño, sin desperdicio pero de difícil clasificación. A los que les gusta la música que estaba de moda en los ochentas, tienen un plus para disfrutarlo. Y como no les quiero arruinar las sorpresas que pueda causar... ¡Cuasi spoiler buche! si lo desea raje de acá ¡ahora! En los comentarios allá debajo, vale todo (el que avisa no traiciona).
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La elección de The Smiths no es casual, empatiza con el estilo británico de la serie y la canción es un guiño al giro argumental del episodio.
Como postre y antes que se retiren, en la cuarta temporada un episodio muy bueno se tituló "Hang the DJ", así suenan los créditos finales¿te suena?
Empirismo exclusivo para seguidores del blog: ¿por qué "Espejo Negro"? Suspendé la máquina o apagá el celular y mirate un rato...
Beatlemanía, 1964. Es el atardecer de un día agitado y tú eres un adolescente fervoroso. Tu misión: cazar al Beatle que más te gusta en medio de sus giras.
Sabes que usan señuelos (falsos Beatles) para poder moverse de un sitio a otro. Pero estás seguro que esos que cruzan la calle corriendo son John, Ringo y George, que deben ir del hotel hacia la estación de trenes donde los espera Paul. Te pones al frente de una horda de fanáticos desaforados.
George se hace el canchero y corre con una mano en el bolsillo de su chaqueta, tropieza y cae a los pies de Ringo que también cae. John se aleja muerto de risa, con una risa que suena a presagio...
*Si te avalanzas sobre George y lo sujetas de los fondillos de su pantalón antes que se reincorpore dirígete a este enlace (GEORGE)
*Si en cambio tacleas a Ringo ya levantado, mientras se acomoda su gran peinado y sonríe antes de volver a correr, redirígete a este otro enlace (RINGO)
Una de cal.
Hace un mes y algo cumplí un sueño, taché un deseo. ¡Los Who tocaron en Argentina!
Tan poco populares por acá que si no venían junto con los Guns ´N Roses (que cerraban la noche) creo que nunca llegaban. En el viaje aventuré un 70/30 porcentaje de público a favor de los Guns. Cuando arrancaron los Who percibí que se desdibujaban hacia un 80 % / 20 %, y al sonar el primer acordé de los Guns no me cabe duda de que éramos un 90/10.
La cosa es que esto va de algo filosófico ¿para qué va a servir ahoraeste viejo post olvidado y obsoleto de hace 7 años?
Antes al menos uno escribía "The Who en Argentina" en el buscador y entre todas las notas acerca de aquella cancelación de 2007 (no me chamuyen con que no había estadios en Brasil, no se había vendido más entradas que la de Aldo, la mía y la de algún que otro loco como mi amigo Carlitos). Decía que entre todas esas notas del 2007 aparecía ese desapercibido post.
Bueno, como fuere, de esa lista ficticia que yo aventuraba (con un inicio poco usual en estos últimos años, aunque sigo pensando que funcionaría mejor) me faltaron pocas.
Veamos. Esta fue la lista que sonó el pasado domingo 01 de octubre de 2017 en el Estadio Único de La Plata bajo una lluvia intensa y sin pausa, voy tachando las que se encontraban en mi vieja entrada:
¿Cómo cierra este post que, pasado un tiempo supongo también se convertirá en obsoleto? Momento, ¿Un post no es ya de por sí algo obsoleto?
Vamos con algunas de las pocas canciones que me dejaron con las ganas ¡todo no se puede, mi viejo!:
Los Guns me sorprendieron para bien, pero bajarlos del escenario precisaba de francotiradores... no debe ser muy difícil atinarle a la actual metamorfosis de Axl. Luego de sus más de tres horas de show, lluvia, frío, muerto a laburar y a acostarse luego de 40 hs recién el lunes a la tarde.. Al despertar aquel martes, querido, me entero que palmó Tom Petty.
Temas que fueron grabados o interpretados en
un principio por separado, y hoy en día conforman (o deberían conformar) una sola canción pegada. Una
atrás de la otra, como trompada de loco. Una pincelada.
Cuando Bob Marley y los Wailers editan eldisco Catch a Fire en 1973 ya eran estrellas en Jamaica y estaban anunciando apenas su enorme poderío internacional que se vería catapultado en los siguientes discos. Una de sus canciones, la dramática y perturbadora No more trouble, tenía los nutrientes suficientes para la conquista global. Pero le faltaba algo...
Años más tarde, la letra de War (del disco Rastaman Vibration de 1976) que deriva de un discurso que dio en la ONU el emperador etíope Haile
Selassie I -el Ras Tafari Makonen-, se convirtió en una declaración de principios del reggae; a los que este sitio adhiere sin la cantidad de pelo suficiente como para lograr una sola
rasta. Pero adherimos.
¡Oh, diosa Ironía! con la muerte repentina de Bob hubo una
“guerra” por los derechos de esta canción.
¿Como debe ser interpretada por siempre: War / No More
Trouble en todas partes del mundo, en las más oprimidas y en las afortunadas? La resignación combativa de la primera parte levanta al
final con el optimismo de la segunda y la música y coros presenta una amalgama perfecta.
A partir de los 4 minutos empieza la transición de una a otra:
En el proyecto Playing for Change también así lo
entendieron, y le pusieron muchos coros al traspaso, soldadura que debería ser eterna.
Los hijos de Bob Marley, que se calcula conforman casi la mitad del planeta, y muchas bandas que hacen el cover, así lo interpretan hoy en día.
Tengo muy en claro cuál es el siguiente caso Dosenuno... volveremos volveremos
Amigo: Tomá, llevate este. No es original, no tiene tapa ni
nada pero ahí atrás anoté los temas. Si te gusta después te presto
otros.
Frodo: Dale.
Una semana después.
Frodo: Te lo devuelvo. ¡Me voló la cabeza mal!
Amigo: Viste, sabía que te podía enganchar.
Frodo: ¿Cómo se llama? ¿The best of? ¿Greatest Hits?
Amigo: ¡No! Es el primero, jaja. Tienen cinco más, algunos dobles,
otro triple, en vivo y varios inéditos… Llevalos nomás.
Utilizaban sus instrumentos como armas. ¿Cómo definirlos
entonces con tan sólo seis de sus tiros?
Si bien arrancó como una banda punk típica de la primera ola,
de las de actitud anarquista pura; también desde un comienzo exhibió una intencionalidad política y
combativa en sus letras y decisiones que, junto con la incorporación de nuevos sonidos y estilos, la convirtieron en una
banda única.
Escuchar London Calling de punta a punta fue una bomba a mi cabeza.
Mantuvieron la actitud punk pero la búsqueda musical disparó para muchos lados
¿Qué banda inglesa le pone Sandinista! a un disco triple repleto de temas, de aventura musical y de antiimperialismo?
Desde Combat Rock, uno de los disparos a las radios y discotecas:
Es una banda a la que volveré. Fue prolífica y ha dejado una herencia gigantesca y tan variopinta que a pesar de los buitres, todavía anda a los tiros.
Estaba buscando una buena excusa para chamuyar sobre la
mítica banda de Zaragoza. Durante mucho tiempo le di vueltas al asunto, escuché
un disco tras otro hasta cansarme, vi los shows en vivo que no había visto y hablé
con mis amigos fanáticos para saber los pormenores de los Héroes.
El nombre siempre me llamó la atención, me parece acertado (aunque
no mejor que Todos Tus Muertos o Los Auténticos Decadentes). Encaré por ese
lado, analicé por qué pudieron elegir ese título, qué sentidos desprende esa denominación
y… ¡decidí invertir la ecuación!. Así es como me puse a analizar cuáles son los
mejores silencios o pausas en sus canciones. Como decían Simon y el otro, The Sounds of Silence.
“El silencio lo es todo” dice el tema que dio origen al nombre
de la banda antes de salir al ruedo y que luego trocó el título de la canción por el de “Héroe de Leyenda”. De esa primera época son más interesantes las pequeñas
pausas de Mar Adentro, que permiten estructurar los versos y la música. Anuncian
el comienzo del teclado o los punteos de guitarra y claro, por la mitad (exactamente
a los 2´05´´) la gran pausa donde el tema pareciera, como Lerner, volver a empezar.
El clásico Maldito Duende como fue editado en estudio
arranca con un acople, pero siempre me gustó más la introducción que le daban
en vivo con arpegios y armónica. Me resulta muy lograda la versión concebida en
el MTV unplugged, mucho más tranquila, que le permite a Bunbury revolear la
armónica antes de arrancar con la canción y al guitarrista Juan Valdivia
rascarse a gusto y piacere antes del solo final.
Flor de Loto se
encuentra cruzado por pausas y arranques alternados, utilizando el silencio
como pausa reflexiva, dramática.
Y si hablamos de intención dramática cabe destacar la
cuenta regresiva del final de Hechizo, y el silencio que la sucede, que le da
mayor sentido a aquello a lo que invita el estribillo.
La frase “Silencio, he oído una voz” abre el tema No más
Lágrimas, frase que recuerda aquella vieja paradoja de “si un árbol cae en el
bosque ¿hace ruido?”. Bueno, la ausencia
total de sonido no significa que no haya comunicación, en eso estamos de
acuerdo ¿no?...
También en el Unplugged de MTV, inician los primeros acordes
de La Chispa Adecuada y después por consecuencia de un error técnico hacen
una pausa. Se soluciona el error y se da comienzo al tema. Ese dramático
silencio involuntario también es parte de la etapa más profesional de los
Héroes.
El tema Opio tiene un cambio de ritmo en el 3´50´´.
Pareciera que la banda baraja y da de nuevo, otra baraja grosa.
Deshacer el Mundo no es un tema con mucho cambio de ritmo
ni muchas pausas, tan sólo en el 2´40´´tiene un arreglo que desencadena en el
punteo y que a su vez luego desencadenará en el estribillo final de este tema
tremendo, la verdadera razón por la cual no podía quedar afuera. ¡Eso es!
El Live in Germany, video pirata (finalmente editado) de culto para los
fanáticos, está repleto de silencios, zapadas y pausas que sirven para que cada
músico se destaque con sus solos o aprovechen para entrarle a un trago, abrigarse
o secarse la cara (“Olvidado”, “Decadencia” o “Los Placeres de la Pobreza”).
Pero entre todos esos videos de pausas en shows prefiero, a modo de muestra, el
del disco “El ruido y la Furia” en Madrid 1995, tema Nuestros Nombres.
Y ahora sí, llegamos al Silencio Héroe. Si tengo que elegir
con qué tema quiero que abran un show, que sea con estos acordes. Los que arrancan Entre Dos Tierras, tema que te deja "la boca abierta como Bunbury al cantar". Va primero en
estudio y después en vivo.
A veces el silencio o el no decir algo es señal de un fuerte
significado, así que (una frase más y me callo): la pausa o el saber callar debe ser una premisa de los Héroes.
Neon Park (nacido como Martin
Muller) fue el ilustrador de casi todas las tapas de Little Feat, gran banda de
los setenta que aún hoy sigue girando. Neon creó una gráfica personal y
distintiva con la que la banda es reconocida y de la cual, hoy (a 20 años de su
fallecimiento) el artista gráfico y la banda tampoco pueden separarse. Recorreremos
cronológicamente esta relación de culto.
Para iniciar, hay que aclarar que
como bien dijo Alfredo Rosso, Little Feat es
un juego de palabras que intenta decir “piecitos”, pero que literalmente
significa “pequeñas hazañas”. Gracias a su ilustrador se manifiesta un triple
juego de palabras (sólo en español) ya que a Neon le encantaba dibujar
“patitas” (chicas-pato).
De pie por favor, que están por ver y escuchar a una gran banda.
Lowell George (cantante, compositor y virtuoso en la guitarra slide) y el bajista Roy Estrada, eran dos
ex Mothers of Invention a los que se les unieron el baterista Richard Hayward y
el tecladista Bill Payne (como segundo compositor). En sus inicios eran una
excelente banda de folk y Rock & Blues del sur de EE.UU, y así es como
editan en 1971 su disco homónimo en cuya tapa presentaba la fotografía de un
mural de California “Venice in the Snow”, que nada tiene que ver con Neon. Este
disco pasa inadvertido para la crítica y las ventas, no obstante lo cual, George
comienza a mostrar el surrealismo y el humor distintivo en algunas de sus
letras.
Con el segundo disco, Sailin´
Shoes (1972), su sonido y su gráfica fueron avanzando hacia nuevos horizontes. Un
poco más rock and rollero, más boogie y no tan crudo que su antecesor, este
disco tuvo mejores críticas pero no así las ventas, uno de los motivos por los
cuales Roy Estrada dejaría el grupo.
Pero este es el debut de Neon Park con
Little Feat. Neon era el artista gráfico conocido principalmente por la tapa
del disco Weasels Ripped My Flesh de Frank Zappa -interesante historia con la que
quizás nos metamos algún día-. Para su primer trabajo con Little -también es interesante la historia de cómo conoce a George- realiza la
ilustración de una tortita en una hamaca a la que se le está volando un zapato, observada por un caracol y atrás vaya uno a saber quién. Es todo un
homenaje surrealista al pintor Jean-Honoré Fragonard. He aquí la empatía entre las letras, la música y la
gráfica: cuotas de humor, fantasía y gran colorido. Así fueron los setentas.
Dixie Chicken (1973) es su disco más famoso. Pasa de ser un
cuarteto (con la salida de Estrada) a ser un sexteto con la incorporación del
bajista Kenny Gradney, el guitarrista Paul Barrère (tercer compositor) y el
percusionista Sam Clayton. Así incorporaron otros ritmos: mucho funky, más
soul, sonidos bien de Nueva Orleans mezclado con las cuotas de humor y los
acercamientos mexicanos en las letras; que van a ser la característica
definitiva de Little Feat.
La portada de este disco nos muestra a una mujer (basada en la
modelo Carmen Dell'Orefice) con su acordeón-fálico sobre un frío fondo de
colchón. Al parecer la falta de relación directa se debe a que el disco en un
principio iba a llevar el nombre “Esposas y acordeones” y fue modificado a
último momento por el nombre de la primera canción para ver si mejoraban las
ventas -otra de las historias interesantes a las hoy que le tiramos la gambeta-. Así para Dixie Chicken hubiera convenido alguna de las amigas plumíferas
que Neon Park utilizara en otras tapas y no tener que explicar en cada entrevista esta situación.
El nombre que eligen para el siguiente disco, Feats Don´t Fail Me
Now (1974) no es casual. Debido a las inesperadas ventas bajas de Dixie y al extraño comportamiento de George ese "no me fallen ahora" resuena más bien como un pedido de la banda y sus seguidores. Es su disco más consistente, con poderosos contrastes
y encuentra a la banda en el mejor momento individual de sus integrantes, tanto es así que todos
aportan en las composiciones y en vivo se destacan por sus largas
improvisaciones donde se reparten equitativamente el tiempo y espacio. Para muestra: el medley de dos canciones de
Sailin´Shoes, convertidos en un funky de diez minutos de duración.
La tapa del disco representa un paisaje montañoso en donde un
relámpago persigue el auto en que viajan juntos George Washington y Marilyn
Monroe. Así también fueron los setentas.
A partir del siguiente disco The Last Record Album (1975), las
composiciones empiezan a recaer cada vez más en Payne y Barrère. Aunque George
continuaba como líder se encontraba sumido en otros proyectos y con serias
adicciones; por lo que la banda tiene un vuelco hacia un estilo más suave, con algunos
acercamientos al jazz. Desde el título ya se comienza a palpitar un final, era
quizás el final de la mejor etapa.
En esta portada Neon nos regala un pueblo fantasma con un fondo donde
la montaña de Hollywood es un postre de gelatina y al frente una liebre con cuernos nos da la bienvenida.
Para Times Loves a Hero (1977) George se encontraba sumergido en
un mundo de adicciones y además no estaba muy conforme con el nuevo rumbo de la
banda, lo que generó nuevas tensiones en el grupo. Así y todo Barrère y Payne
se hacen cargo de casi todo el disco y consiguen un sonido sofisticado y
elegante, un buen resumen de los diferentes estilos en que incursionó la banda.
Lo extraño de la tapa de este disco es que Neon diseñó el fondo y
la estatua del frente de la ciudad donde solía residir con su mujer en México:
San Miguel de Allende. Pero lo que hay entre la estatua y el fondo es la
Cattolica di Stilo, una iglesia bizantina italiana. No se si hay que darle muchas vueltas al asunto, porque como ya dije antes, así
fueron los setentas.
A pesar de ser una legendaria banda que se destacó por sus
actuaciones en el escenario, recién en 1978 editan su primer álbum en vivo
llamado Waiting for Columbus (Esperando a Colón). Las presentaciones de Little
Feat eran mucho más inspiradas que sus grabaciones, y además realmente se
destacó en este discaso Neon Park: ilustró una atractiva y
sonriente chica-tomate en una hamaca “paraguaya”, uniendo cosas desconocidas para
los colonizadores europeos.
Para 1979 George se separa de la banda y edita su álbum solista. Luego
del lanzamiento sale de gira para su presentación pero muere al parecer de un
ataque cardíaco. La banda se une y a los últimos registros de George le agregan
temas, editando ese mismo año el póstumo disco, llamado Down on the Farm y cerrando la etapa clásica de Little Feat.
La tapa esta vez es un homenaje a Gil Elvgren pero a través de una
de las chicas-pato de Neon Park.
La banda editará gran cantidad de discos, incluso hasta hoy, que continúan de
gira. Muy interesantes son los discos de rarezas, como Hoy-Hoy (1982) y
Hotcakes & Outcakes (2000) que es una exhaustiva demostración de las
diferentes etapas de la banda.
Neon Park realizó sus tapas durante los ochenta hasta su fallecimiento a principios de los noventa. En el mismísimo Hoy-Hoy le pone los cuernos y le saca un hueso a un perro; en Let it Roll (1988) su zapato se acerca al logo de los Rolling Stones, pero no tanto como para dejar de ser su marca registrada y en Representing the Mambo (1990) se nos viene la noche.
El que hay que destacar en esta relación es el disco doble en
vivo, homenaje póstumo de la banda a su ilustrador: Live from Neon Park (1996).
Es una de esas bandas que sacó tantos discos y dió tantos shows en vivo que parece renovarse continuamente y en la que uno siempre va a encontrar algo nuevo. Son esas pequeñas hazañas, esos piecitos, esas sensuales “patitas”,
las que llevaron a la banda y a su ilustrador a perdurar en el tiempo. Hay mucho material para ver y escuchar dando vueltas por ahí...de pie por favor.
La banda tiene el nombre propio más común y corriente; y sin embargo las letras contenían la influencia literaria de Oscar Wilde, Jack Kerouac o Goethe, mezclado con relatos periodísticos controvertidos sobre asesinatos, torturas y violaciones, y con una música alternativa para el rock británico de la época. La banda tiene un nombre
propio corto; y sin embargo a Morrissey (cantante y letrista) siempre le gustó
ponerle títulos largos a sus canciones. Son títulos que se distinguen y que nos permiten asomarnos a lo que va a venir en la canción, al universo al cual va a pertenecer: amor, tristeza, odio. Aunque más bien son frases (como cualquier frase que utilizamos para recordar una canción a pesar de que el título sea bien diferente) que aparecerán en algún momento a lo largo del tema y que, pegadizas o no, formarán parte del estribillo o de “el momento” de la canción.
La música de The Smiths es como una inyección de melodía. Se formaron en
Manchester en 1982 con Morrissey en voz inconfundible y Johnny Marr en guitarra armónica, a quienes se
les unieron posteriormente Andy Rourke en bajo apenas rebelde y Mike Joyce en batería acompasada.
Lanzaron tan solo 4 discos de estudio, pero varios de
recopilaciones, lados B y sencillos, algunos se los suele considerar mejores versiones que los originales. Fueron ganando un éxito cada vez mayor
hasta convertirse en una de las bandas más comerciales de la década, aunque sin llegar a ser tan famosos como otras bandas de esa misma época. Eso si, generaron un culto de seguidores extravagantes que se identificaban con lo que proponían y hoy en día se los sigue homenajeando en las posturas y ritmos en el ambiente indie.
La banda se separó en
1987 en medio de desacuerdos entre Morrissey y Marr y desde entonces han
rechazado varias ofertas para reunirse.
Y para aquellos que sólo prefieran una muestra del asunto, acá va el video del tema con título más largo: Stop me if you think you´ve heard this one before... algo así como "Parame si creés que esto lo escuchaste antes". Se puede ver a Morrissey paseando en bicileta (representativa de la época) por las calles de Manchester y Saldford, acompañado por un grupo de seguidores con la misma onda.
