lunes, 12 de noviembre de 2012

Clásicos Argentina-Brasil


Más allá del Maradona vs. Pelé, más allá de Bandeirantes vs Misioneros o del tango vs bossanova.
Estos son los Clásicos musicales del rock que se han creado e interpretado en Argentina y Brasil. Algunos pasaron casi desapercibidos y otros han sido completamente famosos del otro lado de la frontera sin saber su origen. Para aquellos que intentan borronear el límite que marca el idioma estos son los mejores Brasil-Argentina, Argentina-Brasil… ¡Caralho mierda! Acá nos hermanamos (por hoy prescindiremos de los numerosos proyectos e influencias charrúas que tanto han ayudado, sepan disculpar).

Si de hermanarnos se trata es obligatorio arrancar con Os Paralamas do Sucesso (Los guardabarros del éxito), la banda brasilera más aceptada en Argentina. Han interpretado gran cantidad de canciones provenientes de estas tierras.
El primer cover que conocemos es Trac-Trac originalmente editado en 1987 por Fito Páez. En 1991 Paralamas hizo su fiel versión aunque un poco menos oscura. Van en ese orden.


En 1988 el líder de la banda, Herbert Vianna, produce King Kong, el segundo disco de Los Pericos y en 1996 abren el disco 9 Luas con el tema Lourinha Bombril…si no te suena Parate y mira,¡Uojoi!. En vivo han tocado varias veces los temas mezclando las dos versiones.


El tercer tema destacable versionado por Paralamas es “De musica ligeira”. No creo que haga falta mucha presentación: Soda Stereo lo lanza en 1990 convirtiéndolo en clásico de toda América Latina. Lo que llama la atención es que en Brasil tuvo 2 versiones diferentes. El de Paralamas salió en 9 luas (1996), pero fue grabado además en 2002 por la banda Capital Inicial bajo el nombre de “A sua maneira (de música ligeira)”. Esta versión fue totalmente famosa en aquellas tierras, y al mismo tiempo casi desconocida (al igual que la banda) en tierras argentas. En realidad parece ser un “cover del cover” de Paralamas con la letra modificada. Van en orden de edición…


Uno de los que se convirtió en clásico de acá, y que apenas se sabía que proviene de tierras brazucas es la interpretación que hizo Bersuit Vergarabat en 1992 del tema “O tempo não pára” compuesto por Cazuza. La letra es un reflejo del Brasil de los 80 y la Argentina de los 90 (“…y así nos tornamos/hacemos.. ¡Brasileiros/Argentinos!…”). Bersuit la interpretó en portugués en su visita a Porto Alegre. Por ahí anda el video.


Escuchenló, escúchenlo, escuchenló…Tihuana es una banda de San Pablo formada en 1999, que cuenta con el bajista argentino Román. Y quizás fue quien influenció al resto de la banda para hacer en su disco debut esta versión del clásico ¿Qué ves? de Divididos (de 1993). Con la letra bastante modificada en portugués…olvidensé de la vía, la chapita, el porrón y El Palomar.


En 1995 Attaque 77 saca el disco Amén, con el track13 llamado Fábrica. Parecía un tema más de los compuestos por el cuarteto de punk argentino pero resulta que es una versión en castellano del tema original (en portugués) compuesto por Legiao Urbana en el disco Dois de 1986.



A partir de entonces Ciro Pertusi, líder de Attaque, se proclama fanático de Legiao y el disco Otras Canciones (1999) abrirá con Perfeiçao. 
Aunque el cover que hicieron de Roberto Carlos (Amigo) fue comercialmente más exitoso, esta versión punk-castellana es el mejor homenaje argentino al gran Renato Russo (cantante y compositor de Legiao fallecido en 1996) y un buen ejemplo de unión y de búsqueda más allá de las fronteras. Hay una curiosa versión interpretada en portuñol para el programa de tele Musikaos de Brasil en 2002.


Hay algunos otros temas que se han interpretado en ambos países, pero no han alcanzado la calidad de clásicos. Entre las Ñ y las Ç seguiremos investigando.  

sábado, 27 de octubre de 2012

De Condes, Abates y Castillos


Hacer una película basada en una novela tan exitosa y larga como “El Conde de Montecristo” de Alejandro Dumas (padre) no es tarea sencilla. Tampoco es sencillo un análisis de comparaciones entre el film y el libro debido a la gran cantidad de personajes y situaciones que se presentan. Por lo que tomaremos una resolución: analizar la escena de la prisión como parte para estudiar toda la historia. Motivado esto por ser el capítulo de la novela “más cinematográfico” y un punto de inflexión. Será allí donde el personaje principal, Edmundo Dantés, inicia su idea de venganza (paradigma de la historia), convirtiéndose en el Conde de Montecristo.

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Los actores de The Count of Monte Cristo, film del año 2002  dirigido por Kevin Reynolds, que protagonizan la escena de la prisión son: James Caviezel (Edmundo Dantés) y Richard Harris (Abate Faria), a los que habría que sumarle sólo por esta vez al personaje que interpreta Michael Wincott (Dorléac).
En la adaptación de Reynolds se tomaron demasiadas licencias en cuanto a los vínculos entre los personajes y además se buscó “modernizar” la trama para que pareciera lo más contemporánea posible -El libro fue publicado en 1845 -. Es una adaptación en donde se elimina la nube dramática que cubre a la novela para hacer la película lo más dinámica y pura de aventuras, sin buscar otra pretensión que entretenimiento y dejando a la historia huérfana de emoción, con una venganza precipitada y sin tensión. Se descuida la reflexión y el cambio existencial que opera en el personaje de la novela mientras está en prisión.

Lo más sobresaliente es que justo en esta escena encontramos a la mejor interpretación de la película: el veterano irlandés Richard Harris como el anciano Abate Faria, compañero de cautiverio de Edmundo. Si alguien trata de imaginar un actor perfecto para este personaje, helo aquí. Explotan al máximo su apariencia física y su pícara presencia. El aspecto técnico es lo segundo a destacar. Se han cuidado mucho la fotografía, las locaciones y los vestuarios. El Castillo de la isla de If es una cárcel para los inocentes que cuestionan al poder establecido. Los interiores se situaron en los estudios irlandeses y los exteriores de la prisión en la Isla de Comino, en Malta, allí también hay un  castillo al borde de unos acantilados.




Algunos de los aspectos que no se cuidaron son, por ejemplo, lo inverosímil del paso del tiempo de los actores, que no varía para nada tras 20 años…el imberbe Edmundo no es reconocido en la barba cuidada y refinada del Conde (algo así como sucede con las gafas y el jopo en Clark Kent y Superman).  
El otro gran desacierto es el embarullado final del film. Se producen encuentros y resoluciones al estilo de una novela televisiva mexicana. Pero creo que con un buen balde de pochoclos y una pizca de atención se deja llevar.

sábado, 6 de octubre de 2012

Las risas no grabadas en El Chavo

Se puede seguir la evolución de El Chavo a través de las risas no grabadas: las de los camarógrafos, utileros, productores, familiares y amigos de los actores. Aquellas otras risas pre-grabadas que muchas veces se encuentran descolocadas y otras veces se sienten algo forzado le quitan el toque de espontaneidad a la serie. Carlos Villagrán comentó alguna vez que como los gringos hicieron un estudio que demostraba que al escuchar risas grabadas se lograba risas en el televidente, ellos las usaron.
Para los que prefieren las carcajadas espontáneas y contagiosas de la gente que se reía estando realmente ahí porque no podía creer lo que estaba viendo, que la pasaban bien mientras grababan el programa. Para ellos van estos videos.

Los personajes que más hacían reír al personal tras las cámaras eran Don Ramón y Quico, destacándose cuando se juntaban e improvisaban y el primero tentaba al segundo.
Algunas veces, cuando no se encuentran en escena, podemos reconocer la risa de Edgar Vivar o de María Antonieta de las Nieves. Otras veces las risas de niños, entre los que se encontraba Sylvia Villagrán, la hija de Carlos. En una entrevista dijo que presenció las grabaciones de los programas y jugaba en la vecindad de niña (nació en 1968) y muchas veces son sus risas y gritos los que se oyen detrás de cámaras.

Haremos un recorrido cronológico del asunto…

En los capítulos de 1972 se destaca la improvisación y la sorpresa. Donde el staff se ríe sin filtro (tal vez Chespirito y Segoviano así lo deseaban), tentando a los actores, empujándolos a improvisar y llegando a cambiar muchas veces el curso del libreto original, como en los destacados capítulos de “La Cerbatana” y “Don Ramón Carpintero” (con la mítica remera blanca con el “chivo” del Chapulín).


En 1973 los personajes se van a ir encaminando a sus características definitivas pero todavía perduran las grandes improvisaciones.


En 1974 se destaca notablemente como Don Ramón era el motor para hacer reír al staff, son claros ejemplos cuando le dice a Quico “te pareces a flipper” o cuando improvisa y habla dormido. Hasta sin decir palabra mataba de risa a todos, como en “El Ratón de Quico”.


En 1975 el programa está totalmente afianzado y con un éxito mundial. Es el mejor año de El Chavo. El libreto es perfecto, los personajes ya tienen todas su personalidad y quedaba el espacio justo para la improvisación, por lo que se nota que la pasaban muy bien y la gente que estaba ahí se reía mucho. Este es el año donde destacan las payasadas de Quico haciendo reir a todos, tanto los de detrás de cámaras como los actores (“La casa de la bruja del 71”). Va en dos partes...


Para 1976 las risas empiezan a menguar, aunque todavía se rescatan grandes momentos: en “Don Ramón Pintor” (la segunda versión) donde claramente es Edgar Vivar el que se ríe a carcajadas detrás de cámara.


Llegando a 1977 las risas son inversamente proporcionales a los problemas entre los actores fuera del programa. Aparecen únicamente cuando la gracia sobrepasa los chistes repetidos y esperados.


Ya en 1978, cuando Villagrán deja el programa las risas casi desaparecieron, en parte debido a la gran repetición de los sketchs, salvo excepciones casuales.


En 1979 dejará el programa (hasta 1981) Don Ramón, por lo cual las risas de ahí en más serán sólo apariciones totalmente casuales. Dejo dos únicos momentos que valen la pena: “la indigestión del Chavo” y cuando entra toda la tierra en el ojo a Ñoño (ya en 1980).


A partir de 1982 aparece un anuncio antes de cada sketch que decía “Por una cuestión de respeto al público este programa no contiene risas grabadas”. Las mismas son reemplazadas con efectos de sonido. Para entonces el programa estaba muy sobreactuado, los chistes eran repetidos y los niños de la vecindad estaban llenos de arrugas.
Si alguien sabe dónde se encuentran los capítulos sin las risas pre-grabadas será bienvenido. Por lo que se dice, se grababa arriba de las cintas por lo que sería bastante difícil conseguirlos.

lunes, 24 de septiembre de 2012

Canciones de The Smiths con título lo suficientemente largo como para convertirse en tema de culto

La banda tiene el nombre propio más común y corriente; y sin embargo las letras contenían la influencia literaria de Oscar Wilde, Jack Kerouac o Goethe, mezclado con relatos periodísticos controvertidos sobre asesinatos, torturas y violaciones, y con una música alternativa para el rock británico de la época.

La banda tiene un nombre propio corto; y sin embargo a Morrissey (cantante y letrista) siempre le gustó ponerle títulos largos a sus canciones. Son títulos que se distinguen y que nos permiten asomarnos a lo que va a venir en la canción, al universo al cual va a pertenecer: amor, tristeza, odio. Aunque más bien son frases (como cualquier frase que utilizamos para recordar una canción a pesar de que el título sea bien diferente) que aparecerán en algún momento a lo largo del tema y que, pegadizas o no, formarán parte del estribillo o de “el momento” de la canción.




La música de The Smiths es como una inyección de melodía. 
Se formaron en Manchester en 1982 con Morrissey en voz inconfundible y Johnny Marr en guitarra armónica, a quienes se les unieron posteriormente Andy Rourke en bajo apenas rebelde y Mike Joyce en batería acompasada. Lanzaron tan solo 4 discos de estudio, pero varios de recopilaciones, lados B y sencillos, algunos se los suele considerar mejores versiones que los originales. Fueron ganando un éxito cada vez mayor hasta convertirse en una de las bandas más comerciales de la década, aunque sin llegar a ser tan famosos como otras bandas de esa misma época. Eso si, generaron un culto de seguidores extravagantes que se identificaban con lo que proponían y hoy en día se los sigue homenajeando en las posturas y ritmos en el ambiente indie.
La banda se separó en 1987 en medio de desacuerdos entre Morrissey y Marr y desde entonces han rechazado varias ofertas para reunirse.



LINK DE DESCARGA PARA AQUELLOS QUE QUIERAN ESCUCHAR EL DISCO DE PUNTA A PUNTA

Y para aquellos que sólo prefieran una muestra del asunto, acá va el video del tema con título más largo: Stop me if you think you´ve heard this one before... algo así como "Parame si creés que esto lo escuchaste antes". Se puede ver a Morrissey paseando en bicileta (representativa de la época) por las calles de Manchester y Saldford, acompañado por un grupo de seguidores con la misma onda.



domingo, 2 de septiembre de 2012

PLAGIO di PLAGIO (o Escalera al plagio)


El mundo de la música está repleto de plagios, algunos muy evidentes y fáciles de descubrir, otros un tanto más difícil. Saquen sus lupas y carguen la pipa, nos proponemos resolver una de las grandes controversias que ha dado el Rock: El comienzo de la emblemática canción de Zeppelin (para muchos la mejor canción de la historia), la comercialmente exitosa, a la vez de culto y con una duración de 8 minutos, Starway to Heaven, ¿es un plagio?

El tema directo con el que se lo relaciona es Taurus de Spirit. La intro de ambos temas son similares, pero el epicentro de la cuestión reside en que el tema instrumental de Spirit data de 1967 y el tema de Zeppelin se grabó en 1971, y que además éstos últimos alguna vez fueron teloneros de aquellos en las giras por EEUU habiendo escuchado Taurus en vivo e incluso haciendo un cover de los mismos... ¿ya empieza a sonar raro no? Escuchemos ambas intros y saquen sus propias conclusiones. (Tarea para el hogar: combinen ambos videos en el momento justo y ¡eureka!).



Randy California, el compositor de Taurus solía decir que esperaba la llamada telefónica de Page, creador de Stairway. Y que cuando alguien aludía a esta comparación le daba una especie de úlcera. Pero ajustando un poco la lupa descubrimos que Randy no sale del todo limpio.
Haciendo un retroceso en el tiempo en busca de esa melodía, lo más lejos que se puede llegar (al menos hasta ahora) es a descubrir que en 1963, Davey Graham registró Cry me a River de esta manera:



La intro de Stairway to Heaven es plagio de Taurus, que a la vez es plagio de Cry me a River que quizás es plagio de un tema que todavía no hemos descubierto...
Elemental mis queridos.

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Pero no hemos terminado aún. Aquí van unas cuestiones más, a modo de bises.
*Subiendo la escalera desde 1963 hasta Zeppelin también encontramos otras canciones que presentan cierta similitud con el ritmo de Stairway.

*El tema de la banda The Black Keys titulado Little Black Submarines es de 2011, casi como hacer un cover modificando la letra. La estructura del tema es similar: tiene un inicio acústico, una métrica parecida y hacia el final toma un poder eléctrico que la hace un indiscutible...plagio di plagio.
¿Tributo a Stairway por su aniversario número 40?




sábado, 4 de agosto de 2012

FANTASÍAS ANIMADAS DEL ROCK


Franz Ferdinand - Take me out

El video es un licuado de vanguardias artísticas de principios del siglo veinte: Constructivismo Ruso, Dadaísmo, Surrealismo, Bauhaus. Un fotomontaje de extravagantes figuras y maquinaria de época, superpuesta con la acción en vivo de la banda para generar a través del 2D una golpeadora sensación de falsa 3D. Una demostración de como todo vuelve, pero hay que saber que hacer con ello. Fue dirigido por Jonas Odell en 2004.





Redondos - Masacre en el Puticlub

Fue realizado entre 1987 y 1988 por el hermano de Skay (Guillermo Beilinson) y el fotógrafo Quique Peñas. Las imágenes de estilo rocambolescas mantienen dentro de lo posible fidelidad con la letra: una noche de joda y destrozos en un tugurio. La animación es algo básica, casi un cómic. Si bien no fue realizado con un fin comercial sino para “hacer una nueva experiencia”, se convirtió en un clásico que llegó a MTV y que consiguió ser el video representativo de Los Redondos. Por ahí andan animados los integrantes y allegados de la banda...





Peter Gabriel - Sledgehammer

La letra es un mosaico de insinuaciones sexuales a través de metáforas. Para realizar el video, Gabriel invitó a medio mundo. De ahí que se hayan usado variedad de técnicas: animación con plastilina, stop motion (Gabriel llegó a estar 16 horas filmándo cuadro a cuadro), diversos efectos y hasta pollos bailarines. Sobre el final sus familiares y amigos entran en escena. La dirección corrió a cargo de Stephen R. Johnson en 1986.




  
The White Stripes - Fell In Love With a Girl 
El video inicia con un niño jugando con bloques de Lego. Después, las piezas de Lego (o Rastris para los que tenían más ganas que guita) cobran vida y se convierten en animaciones de Jack y Meg White. Está casi enteramente realizado con piezas de Lego en continua animación y predominan los colores blanco, rojo y negro característicos de la banda. Fue realizado por Michel Gondry en 2002.



Cuarteto de Nos - Ya no se qué hacer conmigo
Un buen ejemplo de tipografía kinética, en donde se va a ir relatando de forma fiel la letra y ésta se irá mezclando con animaciones de la banda uruguaya. La buena utilización del color levanta las figuras simples, con un ritmo muy bien llevado que explota en el estribillo. Fue realizado por la productora yorugua Milagrito Films en 2007.



lunes, 23 de julio de 2012

LA CREENCIA EN EL RENACER DEL AGUA CRISTALINA


A través del agua, trataremos hoy de rescatar la esencia de Creedence. Esencia que se encuentra ya en el nombre completo de la banda (Creedence Clearwater Revival, que traducido significaría algo así como la “Creencia en el Renacer del Agua Cristalina”). Y no conforme con esto, el estilo de música creado por la banda encierra también algo acuoso: el comercial y difundido swamp rock o rock del pantano.


Su música y sus letras se ocupaban de las cuestiones del folclore del sur de los Estados Unidos y describen la vida de las poblaciones a lo largo del río Mississippi, Nueva Orleáns y de las zonas rurales como el bayou (arroyo de discurrir mucho más despacio que el agua del curso principal).
Justamente en sus lentas aguas nacerá este recorrido con “Born on the Bayou” para luego ir cambiando de color, ritmo y caudal hacia “Green River”. Río que rodaremos y rodaremos en el barco a vapor Proud Mary”, en el cual fue compuesta la mismísima canción.
Las aguas se dividen con la psico-bíblica “Walk on the Water” para luego evaporarse y convertirse en la calma que antecede a la tormenta con “Have You Ever Seen The Rain”, y que más tarde todavía preguntaremos ¿quién podrá detener? en “Who´ll Stop the Rain?”.
La esencia convertida en gotas regará la tierra de los campos de algodón (“Cotton Fields”) y esa esencia es la que la vid nos soplará al oído (“I Heard It Through the Grapevine”) , cerrando el ciclo y renaciendo en el mismísimo bayou.


La Esencia del cantante, guitarrista principal y compositor John Fogerty, el guitarrista rítmico Tom Fogerty, el bajista Stu Cook y el batería Doug Clifford... en una pequeña dosis:
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sábado, 7 de julio de 2012

VOLVER AL ROCK

La Gran Trilogía de Hollywood desborda de curiosidades, bloopers y anécdotas, en las que esa pequeña pasión que hemos llamado rock dice presente de esta manera:

Se escuchó  un millón de veces que el rock lo inventó el legendario Elvis, y otro millón de veces que fue Chuck Berry (pero que no se le atribuyó el mérito en su momento porque era negro y todos sabemos masomenos cómo estaba el tema del racismo en los 50). La discusión se acabó señores: quien inventó el Rock'N'Roll fue Marty McFly en 1955…y el primo de Chuck puede jurar que así fue.




¿Alguién recuerda como arranca la Trilogía? Marty con una guitarra y un pequeño amplificador en 1985. Pasión que no abandonará ni en 1955 a pesar de estar a punto de desaparecer, ni en 2015 con una mano rota.


Existen algunos detalles rockeros muy bien cuidados. Ese es el caso de los temas que suenan muy de fondo en radios o despertadores. Ahi van "Time bomb town" de Lindsey Buckingham, "Heaven is one step away" de Clapton y "Back in time" de Huey Lewis.


En el 1985 alternativo en que Biff es dueño del mundo suena tema de protesta hard-rockero contra el límite de velocidad "I can´t drive 55" de Sammy Hagar.


A lo largo de la Trilogía hay tres grandes cameos rockers. 1-Cuando Marty y los "Cabeza de Alfiler" hacen pruebas para sonar en una fiesta, el calificador de "The Power of Love" no es otro que el mismísimo autor del tema: Huey Lewis (el del megáfono). 2-El cameo que resulta más curioso es el de 1885. Si se necesita unos descuidados muchachos de barbas largas para hacerlos pasar por descuidados músicos de country, ¡a quién recurrir mejor que a los ZZ Top! que además aportaron a la banda de sonido su tema "Double Back". 3- Needles, el que desafía en una picada a Marty -y que lo había desafiado en 2015 arruinándole la vida-, es el bajista de los Red Hot Chili Peppers: Flea.



Casete, walkman, Van Halen: Tres íconos de los 80.
Tres elementos de ciencia ficción para alguien de los 50... (el tema es un inédito de Eddie V. H.).


La película está atravezada por Michael Jackson: en el café ochentoso del 2015 es quien toma los pedidos al ritmo de Beat It, y Marty lo llevará a 1885 con el moonwalk de sus nikes. Además dirá presente en detalles, como los posters del 1985 alternativo.



"The Power of love" de Huey Lewis fue todo un éxito comercial, llegando a ser nominada al Oscar e instalándose para siempre como "tema para andar en skate con walkman y colgado de los autos”.


*Como bis, un inolvidable detalle rocker del film es la aparición anacrónica de quien les habla, Frodito, en el café ochentoso de 2015 intentando jugar al Wild Gunman y gastando a McFly por tener que usar las manos.



domingo, 17 de junio de 2012

LOS SILBIDOS DEL ROCK


Silbido: sonido agudo, resultante de hacer pasar un soplido a través de los labios fruncidos (introduciendo, ayudándose, o no, con los dedos, los cuales pueden colocarse de cierta manera dentro de la boca o bien agarrar los labios) y que varía con la posición de los labios, la lengua o los dientes actuando la boca a modo de caja de resonancia.


A veces es la simple evocación del viento y otras, sentimiento triste y melancólico de soledad. Y como volar cual pájaro libre no se puede, parece ser que uno se conforma silbando.
En todos los géneros musicales existió, y se encuentra en las canciones populares y en el folklore de cada país. Se utilizó mayormente en la música para cine (como expresión del viento de los spaghetti western o como símbolo de rebelión en marchas militares), el jazz, el country, el reggae, el soul y hasta el techno de este siglo, tuvieron sus silbidos.

Desde Otis Redding hasta Axl Rose, y desde Lennon a McCartney, el rock tuvo sus propios exponentes.



01 - Guns n´ Roses - Patience
02 - Scorpions - Wind of change
03 - John Lennon - Jealous guy
04 - Otis Redding - Sitting on the dock of the bay
05 - Bobby Mc Ferrin - Don´t worry be happy
06 - GIT - Viento loco
07 - Billy Joel - The stranger
08 - Guns n´ Roses – Civil War
09 - Almendra - Verde Llano
10 - The Beatles - Two of us
11 - The Beach Boys - Whistle In
12 - The Bangles - Walk Like An Egyptian
13 - Paul Simon - Me and Julio down by the schoolyard
14 - Los Auténticos Decadentes – Silbando
15 - Supertramp - Goodbye stranger
16 - David Bowie - Golden years
17 - Rammstein – Engel
18 - Peter Gabriel - Games without frontiers
19 - Beck – Sissyneck
20 - Foster the people - Pumped up kicks
21 - Lovin' spoonful – Daydream
22 - Molotov – Yofo
23 – Simon and Garfunkel - Punkys dilemma
24 - Pixies - La La Love You
25 - The drums – Let´s go surfing
26 - J Geils band - Centerfold
27 - OneRepublic - Good Life
28 – The Smiths - Never had no one ever
29 – Paul McCartney – Ram on
30 - The maccabees - Toothpaste kisses


Algunos ritmos pegadizos se fijan en la memoria y podemos sorprendernos silbándolas al caminar , incluso sin saber siquiera el autor o el lugar donde la oímos.

Para aquellos que sean fanáticos de los silbidos, por ahí andan dando vuelta los especialistas en el tema: Kurt Savoy, Roger Whittaker, Andrew (¡Bird!)...


lunes, 21 de mayo de 2012

EL MEJOR REGGAE DE ACÁ


El mejor reggae de Argentina, fue el de Sumo-Hurlingham Reggae Band-Las Pelotas. Está clarísimo que ese reggae llegó en los bolsillos de Luca Prodan: aquel que nació en Roma, estudió en los mejores entidades de Escocia y vivió toda la década de los '70 en Londres. El que tocaba la guitarra en diferentes pubs e iba a ver a las mejores bandas. El que en 1981 aceptó la invitación de un amigo que vivía en un campo de Córdoba y se vino a las Sierras para zafar de su adicción a la heroína, y el que al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad y se mudó a Hurlingham. Aquel que a veces le salía Úrlingam, y otras Járlingam.

 
Con un grupo de amigos tomaron la iniciativa y gastaron toda la plata en equipos: Germán Daffunchio tocaría la guitarra; Alejandro Sokol el bajo y Stephanie Nuttal, una amiga inglesa, la batería. Y formó Sumo en 1981 haciendo debutar entre sus ritmos, el “reggae cordobés”. Cuando estalló la Guerra de Malvinas, Stephanie volvió a Gran Bretaña y Sokol pasó a tocar la batería. Diego Arnedo, un vecino, se incorporó en el bajo. Roberto Pettinato, director de la revista "El Expreso Imaginario" fue invitado también para algunos shows, y quedó en el saxo. El mismo Luca Prodan hizo un resumen de la carrera underground de la banda: «En un principio, eran casi todos temas míos, cuando yo tocaba la guitarra. Después la cosa fue cambiando, entró una onda mucho más reggae, nos desdoblamos en la Hurlingham Reggae Band (que era únicamente reggae) y Sumo, por su parte, se puso más pesado…”
La Hurlingham no grabó ningún disco oficial, sólo existen un par de ensayos y de shows en vivo de 1982-83, con un audio apenas aceptable, pero es lo que hay.
Luca regresó a Inglaterra, y muchos creyeron que ya no volvería. Sin embargo, en 1984 volvieron a tocar. La formación incluía a Luca, Arnedo y Petinatto con los nuevos Alberto "Superman" Troglio (batería) y Ricardo Mollo (guitarra). Por aquellos tiempos hacían varios covers de Marley, Harry Belafonte y hasta se llegó a interpretar una versión reggae de "Cambalache".
El 22 de diciembre de 1987 Luca Prodan fue encontrado muerto, víctima de un paro cardíaco y una cirrosis hepática. Se sabe que Sumo nació y murió con Luca. Pero no así su reggae: el resto de los integrantes se dividió por un lado en Divididos y por otro en Las Pelotas. Y, si bien Divididos demostró que los reggaes le salen diez puntos (para ejemplo tenés “Sisters”), es evidente que fueron Las Pelotas los herederos directos del mejor reggae de acá. En cada uno de sus discos sacaron uno o dos que rinde homenaje al estilo de Sumo y la Hurlingham. Y ni hablar de la cantidad de bandas rasta creadas gracias a la influencia de Sumo (Pericos, Zimbabwe, Todos Tus Muertos...).



Algún día recorreremos toda la historia del reggae en Argentina, desde Donald hasta las actuales bandas…pasando por la Hurlingham, momento crucial para el género.

sábado, 12 de mayo de 2012

AL INFINITO Y MÁS ACÁ


El artista holandés Maurits Cornelius Escher fue conocido por su obra que experimenta con diversos métodos de representar espacios paradójicos, fuera de los habituales, desafiando a la física y las matemáticas.
Las principales características de sus obras son la dualidad y la búsqueda del equilibrio, la simetría, y el enfrentamiento de lo infinito a lo limitado.



En un principio los espacios representados son la influencia de sus numerosos viajes por los países europeos, pero luego su propia mente y su imaginación van a ser la fuente de inspiración para modificar la realidad a través de sus obras.
Sus numerosísimos dibujos, borradores, litografías y grabados en madera han llegado a tener miles de reproducciones, y sobretodo sus figuras imposibles y sus espacios que rompen con la perspectiva tradicional han sido (y siguen siendo) estudiados por científicos.



Intentaremos clasificar la obra de Escher en sólo tres videos (asumiendo el riesgo de tener ideas disímiles dentro de la misma bolsa y dejando los "menos importantes" fuera). Por acá las simetrías, por allá las metamorfósis y por todos lados, sus trabajos más importantes: el rompimiento de perspectivas y las figuras imposibles. Musicaliza The Dave Brubeck Quartet...

 
 







domingo, 15 de abril de 2012

Rock & Simpsons (parte I)

Hoy, un top-ten de videos con canciones de rock que han aparecido en Los Simpsons de fondo o acompañando alguna escena y que en conjunto lograron ser épicas. Veremos que no fueron elegidas por casualidad sino que le agregan un contenido extra a las escenas o capítulos. Incluso algunas quedaron así instaladas en el colectivo de las nuevas generaciones (y las no tan nuevas), desplazando al olvido a sus video clips originales o a cualquier otro recuerdo rockero.

La sartén-radio que Bart le regala a Marge (y que imagino que también debe oler a salmón) le canta "Realmente me tienes, nena" de los Kinks...


Cuando Jessica Alegría invita a Bart a cenar, éste decide caminar...Si bien hace referencia directa al inicio de "Fiebre de Sábado..." y a Travolta, el video original de los Bee Gees tiene su propia caminata de sobrevivencia.


En el sueño de destrucción de la escuela de Bart suena el tema de Alice Cooper que en su estribillo reza: Fuera la escuela en verano, fuera la escuela para siempre. ¡Que vuele la escuela en pedazos!


En el capítulo que Marge pinta el cuadro de Burns, justo cuando está frustrada aparece la contestación de una carta que le había envíado a Ringo Starr en los sesentas. Esto le da la fuerza y la inspiración que necesita. La escena es ilustrada con el tema "Que no viene fácil" de Ringo, gran amigo de la casa.


No es casualidad que en el capítulo en que Bart alquila el auto suene "Radar Love" de la banda holandesa Golden Earring, ya que es una de las típicas canciones para conducir. Ritmo acelerado, riff pegadizo y la letra dice algo así como "conduje toda la noche [...] la ruta me tiene hipnotizado". A los 3´55´´ Milhouse le da el "toque" inolvidable.


Luego de una noche de ballet (sin el oso del autito), Ruth pasa a buscar a Marge para una segunda gira por la "jungla". El otro lado del casete contiene el inocente tema "Sol, piruetas y arco iris" de Lesley Gore, que Homero y el jefe Górgory cantarán a dúo en la persecución final.


Louie Louie es un clásico del rock, numerosas bandas han hecho este cover. Pero desde que Homero fue a la Universidad se impuso como un clásico para ¿qué les enseñé muchachos?..."hacer bullicio".


No hay mucho que agregar a lo que se hizo en el final del capítulo "Motín canino", en el que Bart se compraba a Prócer y regalaba a Huesos. Se lo considera uno de los mejores finales de la serie: Los policías se quedan "arreglando" las cosas...


La abuela Mona Simpson, gran personaje rockero, después de hacer dormir a Homerito y de ver con Abraham (en su onda plástico-burguesa) las patillas al viento de Joe Namath, decide cambiar de vida uniéndose en la clandestinidad a un grupo de hippies. ¿Qué riff suena cuando se le abre el portal hacia el otro mundo?...


El mejor momento rockero lo protagonizó Bart, cambiando los cancioneros en la iglesia. Todo el mundo coreará "En el Jardín del Edén" de Iron Butterfly y la anciana tocará los 17 minutos que dura el tema real. Momento histórico del rock (la música piscodélica empieza a hacer temas pesados, esquizofrénicos rok and rolls). Momento histórico de la serie.


ESTA HISTORIA CONTINUARÁ...varias veces

viernes, 30 de marzo de 2012

DOS GUITARRAS DOS

Difícil es rastrear las influencias directas de Television, banda de rock neoyorquina. Han sido llamados los sucesores de The Velvet Underground, pero nunca se reconocieron en ella. Han sido encasillados dentro del movimiento punk por haber sido los primeros en tocar en el mítico club CBGB, pero tenían demasiada habilidad para el género. Han sido comparados con bandas de rock psicodélico (como los Grateful Dead) pero sin hacer psicodelia.
Sin embargo fue una banda muy influyente en el underground de los setenta y fue muy respetada por la crítica, sin lograr jamás éxito comercial. Lo que en el barrio se llama: una BANDA DE CULTO.


El estilo distintivo y centro de atención fueron las guitarras entrelazadas de Tom Verlaine (T.V.) y Richard Lloyd, una conversación de cuerdas, que sobre todo en los vivos recuerda a los largos jams de jazz. Sumale las letras poéticas y la voz de pollo estrangulado de T.V., un batero que parece tocar jazz y un bajo que calza justo.
Y así como por momentos las violas se cruzaban y en otros se separaban, sus integrantes tenían su correlato en sus relaciones personales. Se han unido y separado (por largos años) varias veces, dejando grabados sólo tres discos en estudio. Marquee Moon (1977), Adventure (1978) y Television (1992).
Aquí, una selección de los temas en donde se evidencia el cruce de guitarras a modo de grandes éxitos:

http://www.mediafire.com/?626b9ztxk9xin1g


Y si no te podés bajar el disco o andás a mil y no tenés ganas. Te dejo un video bien under para ilustrar mejor el concepto de guitarras entrelazadas en vivo. Si te mueve un poco, arriba está el link hacia los 14 temas.

domingo, 18 de marzo de 2012

27 escenas de Kubrick

Obsesión, simbolismo, soledad, perfeccionismo, precisión, excentricidad, genio. Palabras que se suelen utilizar para describir a Stanley Kubrick, uno de los mejores directores de cine (para muchos el mejor). Acá vamos a tratar de abarcarlo a través de sus escenas. Veintisiete, porque nos encantan los números redondos.




Sus primeros trabajos son de bajo presupuesto, montaje amateur y desarrollo atropellado, él mismo renegaría de ellos retirando de algunas las copias existentes, que aparecieron muchos años después vaya uno a saber cómo. De los tres cortometrajes que realiza para costearse sus primeros largos, The Day of the fight (su primer obra) es la que merece más atención ya que sirvió como borrador argumental de su segundo largo.
Veremos de sus cortos Flying Padre y The Seafarers dos escenas que han sido copiadas cientos de veces en otros filmes. Seguido por lo mejor de su primer largo Fear and Desire, que representa el potencial del futuro Kubrick.
   

Como dijimos, Kubrick vuelve sobre el guión de su primer corto, y filma alrededor del mundo del boxeo y los ambientes nocturnos de Nueva York. Killer´s Kiss tiene numerosas escenas de improvisación (cámara en mano) y de excelente fotografía e iluminación. Las elegidas son...
 

The Killing es verdaderamente una película de culto. Lo más admirable es su esquema narrativo no lineal y la perfecta utilización de tiempo y espacio, gran adelanto teniendo en cuenta que estamos en 1956. La película cuenta el rol de cada uno de los personajes participantes del robo a un hipódromo y su aporte al plan, desde varias tomas, tiempos y perspectivas. Aquí la escena fundamental.

Con Paths of Glory cosechó su primer éxito (empujado, no literalmente creo, por el actor Kirk Douglas tanto por su actuación como por su influencia para que se rodase). También cosechó su primer gran controversia, ya que es un film bélico y aún no estaban totalmente cicatrizadas las heridas de la Segunda Guerra como para mostrar sentimientos patrióticos risibles, soldados-peones, ejecuciones al azar. Dejamos afuera el final (se dice que el guión original contenía otro, para que fuera aprobado por los productores), también dejamos grandes encuadres como los del juicio y escojemos dos escenas de trincheras.
  

A pesar de que Espartaco fue un éxito descomunal, que supuso la consolidación definitiva de Kubrick como director, éste nunca se mostró satisfecho con el film (incluso lo quería en blanco y negro). En una ocasión llegó a afirmar que lo consideraba más bien un fracaso personal ya que las presiones a las que se vio sometido, propias de cualquier superproducción, le impidieron hacer una obra más personal y lo considera un film de los productores. Las peleas no sólo se dieron dentro de la película sino fuera, entre productores, actores, guionistas, ex director y director, sumado a esto los problemas por escenas censuradas. ¿Querés saber por qué ganó tantos Oscars?...
  

Con Lolita, Kubrick se siente al fin libre y pretende controlar todos los aspectos del film. Se destaca el monumental guión (coescrito con Vladimir Nabokov) que coloca esta película entre las polémicas de todos los tiempos. Es una tragedia en torno a un hombre maduro peligrosamente obsesionado con una niña sexualmente precoz, maleducada, vulgar. Los diálogos improvisados del camaleónico y siempre genial Peter Sellers (he aquí sus comienzos con Kubrick)  hacen de las suyas en todo el film. Ahí va una escena clásica, “el factor decisivo”.
 
Su siguiente film es una satírica comedia negra sobre la Guerra Fría, en plena Guerra Fría. Si había un tema del que nadie quería filmar a mediados del siglo pasado era este. La angustia de una inminente guerra mundial, la situación con los misiles en Cuba y Estados Unidos en Vietnam, no era algo que causara mucha tranquilidad. En realidad al escribir el guion Kubrick quería una historia dramática pero se dio cuenta que iba funcionar mejor como una comedia negra. Lo más destacable es el increíble montaje tecnológico realizado y las actuaciones de Peter Sellers (cargó con tres personajes principales). Seleccionamos una escena en que desarrolla todo su esplendor, con improvisaciones incluidas. La otra, es una escena clásica del cine: la caída de la bomba cabalgándola como si fuera un rodeo (una muestra en burla de lo estúpida que puede resultar la valentía norteamericana). Ah, la peli se llama sencillamente Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb...¿traducimos?: Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba.

 
2001: Odisea en el Espacio es una de las películas más completas y vanguardistas de la historia del Cine. Es “la película de ciencia ficción de Kubrick”. Efectos especiales sin precedentes, música perfectamente escogida, un guión arriesgado. La primer parte es la llamada El amanecer del hombre, y de ahí la escena clásica: la elipse de tan sólo ¡4 millones de años! Luego, la secuencia del viaje alucinógeno, gran efecto para la década.

La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange) no creo que necesite mucha presentación. Fiel al estilo Kubrick la temática despertó grandes controversias: ultraviolencia, violaciones, delitos y Beethoven para todos. Es una película llena de anécdotas, improvisaciones, incluso detalles para comparar con la novela original de Anthony Burgess. Como clásico de clásicos es muy difícil elegir sólo algunas escenas. 
 
Barry Lyndon es tal vez la película más incomprendida del director. Entra en un ritmo lento que casi se mantiene uniforme, pero que guarda relación con la historia, acerca de la ascensión y caída de un muchacho en el siglo XVII. La fotografía del film es excepcional, mediante el tratamiento especial del negativo logra una auténtica proeza técnica que le confiere una estética más bien sombría y muy particular. Escenarios que sólo fueron iluminados por velas o la luz solar. Como bien se puede observar en las dos secuencias seleccionadas…

El Resplandor (The Shining) es otra de las que es muy difícil seleccionar algunas escenas, teniendo tantas que han quedado para la historia, y con sus numerosas curiosidades. Está basada en la novela de Stephen King y es la única con tintes de terror de Stanley (ya es como un amigo). Veremos tres escenas clásicas, con efectos especiales, el uso del steadicam y un gran uso de Jack Nicholson.


Full Metal Jacket está dividida claramente en dos partes. La antesala de la destrucción (preparación de los soldados) y la guerra. Veremos una escena de la primer parte y dos de la segunda. Si si, nueva controversia: la película fue condenada por misógina porque la mayoría de las alusiones a la feminidad son obscenas. Los escenarios no son de Vietnam sino de estudios y de un parque industrial abandonado en Londres.

Eyes Wide Shut fue su última película, así como su obra póstuma, ya que el director murió pocos días antes de poder acabar el montaje definitivo. Es enigmática ya que los hechos narrados desdibujan la línea que separa la realidad de los sueños, resultando misteriosa y poco concluyente y dejando la puerta abierta a una multitud de lectura donde asoman la psicología, la sociología y Tom Cruise (junto a Nicole Kidman). La polémica esta vez llegó debido a escenas de elevado contenido erótico relacionadas con la alta sociedad.

 



Queda mucho como para abordar a Kubrick. Sus tres aficiones fueron la fotografía, la música y el ajedrez; aficiones que se ven reflejadas en sus películas y que aquí apenas tuvieron el espacio merecido. ¿Continuará?

miércoles, 22 de febrero de 2012

LA NOSTALGIA NO ES SÓLO ARGENTINA

Legião Urbana (para el subtitulado Legión Urbana) fue y es la mejor banda de rock brasilero. Llegué a ellos de casualidad, y ahora puedo decir que el rock es un mismo idioma que no sabe de fronteras.
Legião (a secas para los amigos) nació en los ´80 en Brasilia, bien lejos de la playa, conformada por el poeta y trovador Renato Russo -para quien estas líneas van a quedar cortas-, el guitarrista Dado Villa-Lobos, Marcelo Bonfá en batería y Renato Rocha en bajo (que luego del tercer disco dejaría la banda). Influenciados por el rock inglés clásico, y el folk yanqui, tienen la peculiaridad de que su sonido no tiene nada de lo típico de Brasil pero presentan un fenómeno con una Poesía especial, con la mística de lo que es único e irrepetible.



Qué nos vienen con batidas de coco o sambas de Janeiro...Legião es una verdadera banda de culto. Me voló la cabeza navegar más allá de las suaves melodías, en lo profundo de las letras y descubrir no sólo la riqueza de las paradojas y metáforas sino también la sonoridad musical del portugés y mis luchas para comprenderlo. Es un ejercicio que vale la pena practicar y que día a día se enriquece. Son temas y ritmos urbanos, confesiones de amor, odio, encuentros, tristeza, fábricas, Coca-Colas, narcos, edificios, favelas...todo eso que también es Brasil, que es cualquier metrópoli del tercer mundo.

Legião dió su mejor era durante los primeros 4 discos, de los cuales Dois (de 1986) lo considero su obra maestra. En la época de As quatro estações (de 1989) la banda se encontraba en su mejor momento en cuanto a popularidad y presentaciones en vivo. De esos años resultan sus mejores shows, aunque fueron editados mucho más tarde. A partir de V (de 1991) la banda va a fluctuar entre picos altos y depresiones, conforme al estado de salud de Russo que murió en 1996.

Infaltables en cualquier repisa o Disco Duro

Algunos pocos locos trazan paralelismos con Sumo -tocaron una misma noche en Uruguay- o con la actitud y popularidad de los Redondos. Lo cierto es que en Argentina tienen como primer embajador a Ciro Pertusi, quien no deja oportunidad sin demostrar su admiración por ellos, y que con Attaque 77 grabó en español Fábrica y Perfección (Perfeição).
Gracias a esto, y sin saber que Fábrica era de Russo, escuchando por primera vez la versión original, me descubrí cantándola en castellano casi de punta a punta. Todavía hoy me resulta extraño que por estos lares se conozca tan poco de ellos. Incluso el tema Que País É Este, acá es reconocido por la interpretación de Paralamas, quienes sí tuvieron el "sucesso" de la exportación.

Desde aquí este humildísimo homenaje a una de las mejores bandas de la historia.
Por un lado, sus canciones más rockeras, más urbanas. Por otro, esas canciones de estilo folk, que ellos llamaron "para Acampamentos".
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