Mi amigo JW tuvo por costumbre no siempre sana, festejar fuerte sus cumpleaños. Como a uno de ellos llegó sin un cobre, en lugar de contratar profesionales en Eventos, dejó el laburo (de manera irresponsable) en manos de aficionados. A Un Sordo Servidor le tocó armar un compilado de Rock, para pasar el rato hacelo así nomás.
El CD para JW tuvo 200 canciones (en mp3).
El CD para JW sonó todo lo que duró la fiesta compitiendo con la moda del momento: la cumbia y la tecno. Los pesados y veteranos amigos rockeros bancaron la parada ayudados por ser la democrática mayoría, pero también por el coraje que garantiza el buen vino.
El CD para JW estaba separado en "climas" de rock, aunque sus fronteras se amalgamaban. Luego de una buena tanda de temas para bailar, coqueteaba con otros estilos, tenía clásicos de allá, y también de acá; intervalos que permitían conversar tranquilos, y momentos en que se arrojaba la casa por la ventana.
El CD para JW cerraba con unos cuantas canciones de la mejor melodía de rock, hasta despedirse con "Because" de los Beatles.
Pero el primer paso fue el dilema.
Uds, ¿cuál de las dos canciones que siguen creen sería mejor abrir la pista de baile? ¿O hubiese sido otra?
El CD para JW fue un éxito que hoy se publicita en las mejores playlist de la red, y creo que aún se comercializa en los puestos de la calle (si es que todavía existen esos honorables vendedores ilegales).
El CD para JW fuetal vez el último bastión de rock en aquel barrio donde hoy mandan la cumbia, el trap y el reggaetón.
D.J. Fro, su creador, no vió una moneda por todo ello. Pero cada tanto alguien le manda saludos.
El registro de una comunión, tal como viene a ser un disco en vivo, debe contar con un momento de sutil imperfección. Un evento esperado, distinguido, recortado del resto.
Al vivir rodeado por detractores de la distorsión, amantes de lo impoluto, torquemadas de ingenieros de sonido; creí que era el único al que le fascinaba el acople de micrófono que Bob Marley & the Wailers materializan en "No Woman, No Cry" en el Lyseum londinense en 1975, esa versión que quedó inmortalizada en el disco Live! y luego en el recopilatorio Legend.
El quid de la cuestión, la marca que viene a confirmar que eso que sucedió fue algo único e irrepetible, en el 1´47´´
Con el permiso del Tribunal Colegiado aquí presente, quiero invitar a algunos testigos sorpresa que apoyan mi moción...
Si no escuchás el acople del micrófono en tu versión de No Woman, No Cry. No es la correcta.
Chabón, por favor, dejalo.
Cuando escucho la versión de estudio de "No Woman, No Cry",
me estremezco porque NO escucho el acople antes de "Along tha wayyy"
Incluso el acople del micrófono es brillante
El acople es parte de la canción para mí. Siempre lo espero, no lo separo.
¡No me di cuenta que era en vivo hasta que escuché el acople! ¡Es una locura! Marley es un regalo de Dios.
Los amigos del otro lado del charco me estuvieron recomendando bandas de rock.
Juan de Cinefilia me sugirió a los gallegos (de Galicia) Golpes Bajos de quienes me ha gustado mucho la canción "Malos Tiempos para la Lírica". Buscador de Pasos Encontrados, recién llegado a esta playa, me indicó escuchar a Ilegales. También me gustaron, pero... estas dos no son las bandas de rock gallegas (traduzco: de España) que más me gustan.
! Este sitio contrató leguleyos y notariados que consultaron documentos y sobres lacrados y han decidido no considerar ni a Los Rodríguez ni a Mano Negra, dos bandas que gustan mucho al Dueño (Mr. Frodito), ya que no son exclusivamente españolas. Caprichos que establecen las fronteras y arbitrariedades de las partidas de nacimiento, que debemos respetar -
Acá va un listado subjetivo, personal (y algo caprichoso), de las bandas que más me gustan de España según cómo se siente el rock español desde el culo rincón del mundo:
(de menor a mayor)
10. Baron Rojo
09. Los Planetas
08. Rosendo / Leño
07. Fito y Fitipaldis / Platero y Tu
06. Radio Futura
05 Al grupo navarroMarea lo conocí cuando fueron teloneros de La Renga (no recuerdo el año) en Buenos Aires. Fue salir de ahí, y correr a conseguir sus discos y a corroborar que la fuerza de su sonido en vivo se traduce en sus grabaciones. Y fue también sorprenderme con el vuelo que las letras de Kutxi Romero tienen, con términos del folclore español y algo de poesía y literatura clásica, señalando nuevos horizontes donde continuar el viaje.
04El último de la Fila. Formados en Barcelona, Manolo y Quimi suenan a buen gusto cosmopolita, a lo que le agregan aires llegados desde el sur de la Península. Tienen un sonido de base que recuerda a los grupos londinenses clásicos, pero con su distinción especial, algo que los mantiene en las sombras, un velo que no permite ver y oír todo. Cosa que agradezco, porque me hace volver a esta banda cada tanto. Algunas de sus letras parecen salidas del manifiesto surrealista. Toda una buena combinación.
03 Si bien es utópica la postura de los vallecanos Ska-P, me cae muy bien su estilo musical y coincido con muchas de sus letras de protesta ¡Alguien tiene que cantar estas cosas en este mundo tan injusto! Las críticas a la banda de su líder, Pulpul, llegan por esa aparente contradicción entre cómo van llevando su gestionar por un lado, y su cantar por otro. No sé a ciencia cierta si es por esto que son menospreciados por aquella orilla. Tal vez la política. Tal vez los poderes mediáticos. Tal vez sea que el punk vasco no tiene tanta contradicción y pega más fuerte.
Los he visto en un par de ocasiones en shows en Buenos Aires. Me cuesta elegir una (sólo una) canción... vamos con una que se adapte a las noticias.
02Extremoduro. Rock sin muchas vueltas. Canciones callejeras, marginales, cuyo lenguaje por momentos soez puede causar horror a las buenas costumbres. Letras directas aunque no por ello faltas de picardía o sarcasmo. Sin mucha promoción o apoyo mediático, la banda de Robe ha sabido abrirse paso a puro sonido de Plasencia, tanto que me han llegado vaya uno a saber surcando qué sargazos. Por acá pasaron en 2012 pero no fui... tendría que haber ido.
01Héroes del Silencio. Si Bunbury no tuviera ese acento aragonés, de Zaragoza, parecieran salidos de acá. Se los siente cercanos, de culto, mágicos, inoxidables, místicos... y puedo seguir llenando esta página con adjetivos. Mejor sus canciones: Letras ambiguas, que hacen base en los poetas malditos. Un sonido particular que los separa del resto y los deposita en el Panteón.
Seguro me estoy perdiendo alguna. Me gustaría escuchar sugerencias de buenas bandas que no haya mencionado y que tal vez me esté perdiendo. Y, por supuesto, también advertencias de dónde mejor no pisar.
Vaya mi saludo transatlántico, y de hemisferio a hemisferio.
Desde aquel Big-Bang casual algunos amigos se ahogaron en las turbulentas aguas, otros se han aferrado a su propia tabla a la deriva, y ustedes siguen pilotando el viaje.
A despertarse. Son tiempos difíciles y viene un viejo conservador a gritarnos que ¡esto ya no es un Hotel!
Seis años y, como las seis caras de un dado, nos echamos a la suerte.
Nos jugamos la constancia, no la permanencia. Así que el seis luces déjelo en la mesa, por favor.
Como es mi cumpleaños: respiro hondo, pido un deseo... tomo un trago ¡y elijo la música!
Un track nº 6 que bien puede ilustrar esta entrada:
Mi Dios no juega dados quizás...
Otras pistas número seis que cambiaron (para siempre) la cosmovisión de quien esto escribe:
Por todos los que se sumaron este último año ¡A su salud!
Mi cassette de los doce sobrevivió a una frenética mudanza.
Mi cassette de los doce apareció arrumbado en el fondo del último cajón de la habitación más obsoleta.
Mi cassette de los doce abre así:
Mi cassette de los doce está gastado de tanto haber sonado.
Mi cassette de los doce es símbolo de una época en que había que rebelarse pero aún sin saber contra qué ni quién.
Mi cassette de los doce tiene himnos que hoy escucho en la cancha y en los momentos de "viejitos" en casamientos.
Mi cassette de los doce tiene tachaduras como esta: La Pachanga o como esta Mariposa Tecknicolor , de las que tiempo después me arrepentí.
Mi cassette de los doce tiene canciones que aún suenan en las radios.
Mi cassette de los doce tiene ocho segundos de silencio entre "Qué ves?" y "Ya no sos igual".
Mi cassette de los doce cerraba en forma abrupta sin terminar esta canción:
Mi cassette de los doce fue la antesala de todo lo que escucho y soy.
¿Para qué carajo uno tiene un blog si no piensa hablar de su cassette de los doce?
Había una vez un pibe al que en una salida con amigos más allá de los límites del barrio, una noche de verano se le presentó un portal hacia una nueva dimensión. Igual que en el tango, con la ñata contra el vidrio ese pibe se quedó mirando un bar. Sonaba una música tremenda que lo atrajo con fuerza y a la que uno de sus amigos unos años mayor señaló como "Los Redondos". Había gente interesante (el pibe ahora recuerda muy claro una minita que estaba en una de las mesas de afuera) que compartía la misma inclinación hacia la banda. No los amigos de este pibe, claro, que habían querido entrar en un boliche donde la cumbia hacía estragos y que por no tener la vestimenta requerida ahora volvían pateando el largo camino de regreso a casa.
Al día siguiente a esa visión el pibe pidió a otro amigo más acertado toda la discografía. Recibió un par de cds originales rayados, casetes en vías de extinción con tapas dibujadas seguramente con la misma birome que se habían rebobinado y algunas revistas amarillentas que el amigo en cuestión heredó de su hermano mayor.
Ese año la salida del disco Luzbelito de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota abrió
la cabeza de ese pibe, se la detonó. El disco era el más oscuro de la banda (hasta ese momento) y el de sonido más sólido antes de la experimentación a la que se sometería a
los dos siguientes… los últimos de su historia. La oscuridad no se correspondía sólo
en el sonido sino también venía impregnada en las letras, que versaban sobre demonios,
ángeles caídos en desgracia y referencias bíblicas (como nos anuncia el título) mezcladas con situaciones
callejeras.
Entre todos los temas del disco había uno que a ese pibe le llamó
muchísimo la atención, musicalmente lo ganó desde la primera escucha pero la
letra era muy extraña, al leer el librito se le aparecían en una misma frase varias palabras que no llegaba a comprender porqué estaban ahí, todas juntas:
¡Me Matan Limón!
¡Hijueputas, Limón!
Por los techos viene
el Bloque
¡Otra vez!
La rara puteada, el uso de las mayúsculas (significaba algo
seguro, el Indio Solari no dejaba cabos sueltos) y el mayor misterio ¿¿quién o qué era ese
“Limón”??
Habrán pasado un par de años (quizá
exactamente un par) cuando en plena escuela secundaria un compañero le dijo cuatro palabras:“habla de Escobar Gaviria”, “¿De quién?” le dijo el pibe, y no entendió mucho la explicación o este sólo se dedicaba a repetir lo que algún otro le había
dicho, como suele pasar en ese boca a boca acerca de la mística ricotera donde el Indio conquista más que Alejandro Magno sin salir de la casa.
Así fue que el pibe preguntó, investigó como pudo (internet aún no era popular) sobre ese tal Escobar Gaviria. Estaba todo atado con alambres, con grumos, hasta que haciendo zapping unos meses más tarde sin querer se topó con una película -tal vez un documental- que asoció a la historia que le contaba el Indio en "¡Me Matan Limón!": los
últimos momentos de Pablo Escobar Gaviria. Y pudo completarlo todo.
****************
Skay y el Indio, los artífices del tema, planeando la transa internacional
Hoy en día la historia de Pablo Escobar es conocida por
cualquiera, nos damos cuenta que la puteada de la canción hacía referencia a un modismo colombiano (ahora cuando el Indio en su etapa solista canta el tema grita "la madre chingada" o alguna otra mexicaneada, actualizando un poco el foco del asunto). La serie colombiana El Patrón del Malde 2012 nos cuenta la historia de Pablo Escobar (protagonizado por Andrés Parra) aunque muy amenizada. Entre su defectos hay que tener en cuenta que
los apodos no eran los reales, por eso Limón es El Cítrico. Y además de pecar
de inocente por momentos, nos cuenta la historia “oficial”, no se la juegan demasiado. Lo mejor: cuando mezclan la ficción con las imágenes documentadas de los hechos.
Y ahora a lo que vinimos, dejo un video donde mezclé el tema de los Redondos con la escena final de la serie un tanto editada. Hago coincidir a Escobar escapando al momento del solo de saxo (¡grande Dawi!), ya que como dijo un famoso periodista por ahí, suena pesado y tambaleante como un gordo corriendo en un tejado.
"En general tratamos de no explicar los temas pero hay un comentarista de una revista que sigue insistiendo con que son crípticas.No recuerdan al ser periódicos,no recuerdan,tienen una memoria periódica en realidad sino reconocerían que es la última escapada por las tejas de Pablo Escobar Gaviria con su lugarteniente Limón perseguido por el Bloque de Búsqueda"
Marche un saludo para el Lampinho que gracias a su Episodio 1089 incentivó la idea de hablar de aquel pibe que escuchaba entusiasmado uno tras otro los discos de los Redondos.
Después de un viaje por el NorOeste Argentino uno vuelve con los puños llenos de verdades. Se sabe que la música que mejor describe las sensaciones de la región son las canciones populares; los carnavalitos ancestrales
de los diaguitas, y las chacareras criollas también. No creo tener hoy en día la
competencia suficiente para analizar o seleccionar entre esta gran variedad de
temas y estilos, de los que no estoy empapado. Así que hago a un lado la bendita Serenata de Cafayate que deja a la ciudad sin habitación disponible, también hago a un lado la tupida barba de Cafrune, el charango de Jaime Torres y a los Ricardo Vilca o los Cuchi Leguizamón.
Tilcara, Carnaval 2014.
Como uno es un simple bicho de ciudad lo que puede hacer es exponer
y analizar la cosmovisión de los rockeros que han visitado al NOA provenientes
de las grandes metrópolis (hagamos a un lado el antropológico “De Ushuaia a la
Quiaca” de León Gieco y Santaolalla, pero también el experimento a la inversa
que hicieron los Tekis -Rock & Tekis-). Aquellos temas que han dejado plasmado en sus
letras o en sus ritmos las sensaciones que contagia esta región, con todos sus
colores, sonidos, sus ritos, silencios, quebradas, peñas, valles, chichas,
sus vientos y, algo más.
Así que acá
van (de peor a mejor a mi gusto) las canciones significativas que acertaron a
describir las sensaciones que deja visitar la tierra de la Pachamama pero
también saber que hay que volver con la frente marchita, bronceada y llena de tierra, a la Ciudad.
Arranquemos
por Hermética, no porque sea el peor de esta selección sino porque es apenas una
aproximación a la temática que tratará el mejor tema dedicado al Norte. “¿Ahí
que pasa? ¿Qué es lo que pasa?” pregunta el personaje del tema en la siempre
falseteada voz de O´Connor.
El de La
Mocosa, no dice mucho. Nombra el Tren de las nubes y el cambio de una realidad
pero se queda en el molde al igual que tantos otras canciones (“Amar y
envejecer” de Las Pastillas del Abuelo, “Tilcara” de Los Cafres o “Ni tan tarde” de La
Perra que los Parió, “Norte Argentino” de Mareadores nombra al menos algunos
lugares). Tibios.
Con el tema
“Niña de Tilcara” de Intoxicados en plan reggae, empezamos a acercarnos al
objetivo. El tema parece una simple improvisación lisérgica de Pity Alvarez,
pero contiene algunas confesiones interesantes. Describe muy bien la sensación de
pasar un par de días en ese lugar mágico llamado Tilcara. El video suma con las
imágenes del Pucará, el tendido eléctrico, la gente, la flora y esa especie de animal llamada Pity.
“Cuando pase
el temblor” de Soda, también filmado en el Pucará de Tilcara, tiene un
ingrediente extra (y no son los FX “cumpleaños de quince”).
Es el inicio de una fusión entre el rock y la música popular del norte, la que
unos años después, o unas décadas después, se llamara Rock Andino. Y es muy raro ver el
look dark de Cerati con esas tierras coloridas de fondo. Parece la filmación de
una de esas película de ciencia ficción clase B, que termina cuando el niño
“terrícola” se lleva de la mano a los recién llegados del Otro Mundo.
Y si hablamos
de la fusión entre el rock y la música andina, tenemos que mencionar el disco
que grabaron juntos Iorio y Cianciarullo. De la fusión entre metal y NOA
rescatamos el significativo tema que abre el disco: “Allá en Tilcara”.
El de Jauría
nos transporta a suelo tucumano: las Ruinas de los Quilmes y la cruel historia del Valle Calchaquí. El tema trata la matanza y la resistencia de los
indios ante los colonizadores. Siglos y siglos de lucha. El video es muy bueno,
lástima la sobreactuación de la banda. Unos Perros.
La relación
Divididos-Folklore argentino es siempre una constante. Su último disco “Amapola
del 66” es un homenaje completo al NOA ancestral. Han tocado en Tilcara un par
de veces, incluso Mollo adoptó el lugar como refugio espiritual. Acá dejo un
video titulado “Operación Tilcara” de la preparación del último show por esas
tierras, cuando presentaron Amapola en 2010. Un día muy particular donde la Natura
demostró su protagonismo. Sobre el final las mejores frases del tema.
Pero sin duda
el mejor de todos lo escribió Chizzo. Uno sale de la Gran Ciudad con una idea y
la realidad te abofetea la cara. El paisaje impacta, la Pacha te enseña, pero
al encontrarte con un ser humano que te cuente un poco de sus raíces y de sus
ancestros, un hermano que te reeduque, te modifica el paradigma. En esta letra
queda todo plasmado, sin más palabras… un clásico de ¡La Renga!
Si saben de algún otro tema significativo péguenme un chiflido. Uno de esos buenos chiflidos que el viento lleva por las quebradas y cuyo eco queda rebotando entre las sierras para llegar como suave brisa a los verdores de algún valle.
Generadores
de leyendas, portadores de augurios, fenómeno sobrecogedor. La mezcla de rayos
de luz con la propagación de ondas de sonido en un momento
determinado no nos puede fallar.
Que
mejor banda para arrancar esta selección de temas sobre arcoíris que la
mismísima Rainbow. Se forma a partir del alejamiento de Ritchie Blackmore de
Deep Purple por discrepancias sobre la orientación musical que se había tomado.
Su primer disco (una joya de punta a punta) se llamó Ritchie Blackmore´s
Rainbow y ya desde la tapa nos introduce en el nuevo rumbo elegido: un oscuro
castillo medieval en la cima de una colina que sobrepasa las nubes hasta
alcanzar un arcoíris. Así es como en esta balada, el cuarto tema del disco, nos
invitan a “agarrar el arcoíris” para realizar un maravilloso viaje donde se van
a lucir Blackmore pero también la cálida voz de Ronnie James Dio.
Como dice un viejo amigo ¡Long Live Rock And Roll! \m/
Ya con
el arcoíris en nuestro poder nos ponemos un poco psicodélicos con “She is like
a Rainbow” del disco Their Satanic Majesties Request de Rolling Stones. Recordemos que este disco conceptual fue la respuesta de los
Stones al duro momento que estaban pasando en cuanto a ventas y críticas, y
decidieron probar con la psicodelia (los Beatles ya habían revolucionado el
mundo con su Sgt. Pepper´s). Lamentablemente el resultado de sus Majestades
Satánicas no le llega ni a los talones al de los Fab-Four, pero dejó un puñado
de canciones memorables entre las que se encuentra esta balada que incluye un mellotrón
y un muy joven John Paul Jones (futuro bajista de una bandita llamada... Led Zeppelin).
Para
seguir con las chicas y los arcoíris tenemos “She talks to Rainbows” de los
Ramones del disco ¡Adiós Amigos!, que deja en claro cuál sería el ritmo
(mucho más relajado) que seguiría Joey Ramone como solista y que en el final de
la banda llegaba con la voz un tanto vencida.
Y en
esta tricota de temas sobre muchachas llega Swlabr. ¿Qué demonios significa eso? Pues como cualquier hijo de vecino sabe, las siglas de “She Was Like
a Bearded Rainbow” algo así como “ella era como un arcoíris barbudo”. Tema interpretado
por Cream donde Clapton mantiene un riff de guitarra corrosivo y tajante tan
sesentoso y psicodélico como la letra: una mujer que constantemente va y viene
de una relación y que, a pesar de que parece perfecta es tan defectuosa como un
arcoíris con barba. Psicodelia más una pizca de humor sano es igual a Cream.
Cambiamos
un poco el ritmo y nos disponemos a montar el arcoíris que nace en Jamaica y describe una
parábola de colores acerca de dónde queda nuestro hogar y dónde la Tierra Prometida. Bob Marley llega con esta grabación (cuya base fue luego “Roots,
Rock, Reggae”) y que se encontró en la oscuridad durante una década. Si bien no
es muy sofisticada, es un fiel registro de la atmósfera que era capaz
de crear este muchachito con una caja de ritmos. Un cover del tema nos permite
transportar la primera frase a cualquier situación… Aquí y ahora “¡Hey Mr. Newton!” creo que podría funcionar.
Y
venimos para estos lares con la banda de El Palomar, nada más y nada menos que
Arco Iris (con Santaolalla a la cabeza). Grupo fundacional del rock argento que
se destacó por la fusión de ritmos y sus aires folklóricos. El tema elegido es
“Quiero llegar”… y la letra bien podría adaptarse a un viaje en arcoíris.
Rainbow
es un tema de los Ratones Paranoicos que se encuentra en el disco de inéditos Raros Ratones. Grabaciones de temas viejos que según su productor “sonaban
demasiado frescos como para quedar en un oscuro archivo de cintas”. Fantasma o no, va de Rainbow a Juanse...
Nos
ponemos un tanto heavy con el clásico de Rata Blanca “Guerrero del Arcoiris”. Un
tema de tono ecologista dedicado a los luchadores de Greenpeace, aquellos que (como dice una profecía indígena) cuando el mundo esté agonizando llegarán
para salvarlo. El video original lo explica bien...Corre cinta.
Como si
fuera un espectro de luz volvemos a encontrarnos con Ronnie James Dio y su
“Rainbow in the Dark”, canción que quizás remite a su etapa en la banda de
Blackmore. El cantante no estaba muy conforme luego de la
grabación porque consideraba que sonaba a “música pop” pero que por suerte ha
sobrevivido (la leyenda cuenta que tomó un cuchillo e intentó destruir la cinta
y los otros miembros de la banda lo convencieron de que no lo hiciera).
Y como
un arcoíris doble (aquel que es como la figurita difícil de los arcoíris)
volvemos a encontrar ya en el fin de este viaje a los eternos Rolling Stones.
En su “Blinded by Rainbows” de Voodoo Lounge, Jagger nos hace mil preguntas
acerca de nuestra conciencia y nos da tan sólo una respuesta: estamos cegados
por arcoíris, arcoíris que sin lugar a dudas se hace vivible en el estribillo.
A modo de bonus track y como cofre de oro al final del recorrido va un
instrumental. De la
infinidad de versiones del famoso tema del film El Mago de Oz (de 1939) y que
inmortalizó a la pequeña Judy Garland, la versión que prefiero es la de Chris
Impellitieri, sin letra y con todo el espíritu rockero nos invita a estar sobre
el arco de colores.
Dicen que cuando alguien
mira un arcoiris, lo que está viendo en realidad es SU propio arcoíris. Ya que
ve la luz dispersada por ciertas gotas de lluvia. Otra persona que se encuentre
a su lado verá luz dispersada por OTRAS gotas. Además de las sensaciones que percibe cada uno.
Creo que con la música sucede lo mismo. Siempre dependerá del momento, el lugar y de la historia de
quien la escucha. Este fue UNO de los espectros de música, este fue UN arcoíris.
La música y las ideas no saben de fronteras. Hubo dos bandas punk que a mediados de los ochenta y a once mil kilómetros y medio de distancia se encontraban conectadas por un mismo propósito: describir el rechazo que les causaba vivir en una sociedad opresiva homenajeando a La Naranja Mecánica. Así es como la banda argentina Los Violadores y los alemanes Die Toten Hosen, con sus respectivos "Uno Dos Ultraviolento" y "Hier Kommt Alex" -aquí viene Alex- se encontraban hermanados todavía sin saberlo.
La novela distópica La Naranja Mecánica
de Anthony Burgess y la adaptación cinematográfica de Stanley Kubrick, fueron una
influencia enorme para las bandas punk rock. Las actitudes abúlicas y violentas
de Alexander de Large, el personaje principal; la temática sobre un mundo sin
sentido y con un sistema basado en el control y la represión de los individuos,
convertía a la historia en algo perfecto para canalizar los problemas y los
intereses de los adolescentes punk. De ahí la estética de The Adicts, la tapa de
Too Tough to Die de los Ramones (y su Durango 95) y la gran cantidad de temas dedicados en todo el mundo. Y esto va para los que sin saber del film, veían a Piltrafa (cantante de Violadores) disfrazado sobre el escenario y les causaba la sensación de estar viendo a un triste personaje de Disney de esos que se sabe que en cualquier momento le va a pasar algo malo pero que al final va a safar.
En estas canciones lo primero que hay que notar
es que en las letras algunas palabras no se comprenden, ni
siquiera leyéndolas. Esto se debe a que pertenece a la jerga juvenil ficcional
creada por Burgess llamada “Nadsat”. Esta jerga toma palabras
principalmente del ruso y su diccionario viene en un apéndice del libro y también (por supuesto) anda dando vueltas por la web.
Cuántas veces hemos escuchado
el tema de los Violadores y algún amigo o hermano menor reinventan estas
palabras tratándolas de acomodarlas a lo que suena más cercano en español dando como resultado que sólo habla de drogas y marcas de bebidas inventadas. Como
muestra, tan solo en el primer verso del tema tenemos:
Débochcas = chicas
Scharros = nalgas
Málchicos = muchachos
Drugos = colegas
Incluso los alemanes utilizan una en nadsat en su estribillo: Horrorshow.
En la historia, Alex consume
leche adulterada para ejercer junto con sus colegas la Ultraviolencia
(violencia sin sentido) y dedicarse a robar y violar sin límites. Hasta que en
uno de sus atracos se les va la mano y Alex termina en prisión. Allí experimentarán
con el “Tratamiento Ludovico” consistente en un tratamiento psicológico
ficticio para intentar corregirlo (de ahí el “nos quieren transformar…”).
Un detalle no casual es que en los
dos temas se oyen fragmentos de Beethoven. Pues Alex era un fanático adicto a
su música, y la Novena Sinfonía tiene un papel fundamental en el tratamiento
de recuperación realizado. El film continuamente remarca el contraste
entre los actos vandálicos y la serena música de Ludwing van. El tema de los Hosen
se abre justamente con la Novena mientras que el de los
Violadores abrirá y cerrará con la “Oda a la Alegría”.
Acá va el de Violadores con todas las escenas Ultraviolentas de la película...
El de los Hosen más bien se centra en Alex...
Ambos temas fueron el
principal éxito de estas bandas. Les abrió las fronteras y los convirtió en
clásicos del género. Los Die Toten incluyeron su canción en un disco conceptual
basado completamente en La Naranja Mecánica y Los Violadores titularon a su disco “¿Y
ahora qué pasa, eh?” frase con la que se inicia la novela.
A principios de los 90 se
cruzan las paralelas y Los Violadores y los Hosen se conocen. Primero hubo un
intercambio de discos a través de un amigo en común, luego hubo participaciones
de integrantes en shows, hasta que en octubre de 2003 las dos bandas
compartieron escenario, y de las versiones a las reversiones había sólo un
paso. Así es como "Uno dos..." pasa a formar parte de la lista de temas titulares de los Hosen. En un principio Campino (cantante) leía en alemán el tema en castellano dando como resultado algo así como la voz de un agente de Caos del Superagente 86: "¿y ahorra que pasarrá?"
Los Violadores por su parte graban en "Vivo y ruidoso II" el tema alemán "Viva la revolución". Donde revoluyion pasa a ser revoluuución.
Por mi parte creo que desde los bellos nombres que escogieron ya se encontraban hermanados, es que tanto Violadores (que durante la Dictadura Militar fueron Los Voladores) como Los Pantalones Muertos -pues eso significa Die Toten Hosen- han de espantar a cualquier tía abuela puritana sea en Bs. As. City o en Düsseldorf. A modo de bis acá va la letra traducida de "Hier Kommt Alex" Aquí viene Alex En un mundo en donde uno solo vive para trabajar diariamente como un robot, la gran sensación que da esto es que todo termina en una imagen de televisión.
Cada persona vive como un reloj, como un programa de computadora. No hay nada contra qué luchar.
Solo hay unos pocos jóvenes frustrados. Cuando el sol asoma por el cielo, comienzan el día para drogarse. Se congregan en pequeñas pandillas y tienen en común que se lanzan a la cacería.
Hey aquí viene Alex. Abran el telón para su show del horror. Hey aquí viene Alex. Abran el telón para su show del horror.
En la cruzada contra el orden y el mundo aparentemente estable, ellos celebran la destrucción, violencia y
brutalidad. Cuando ven sufrir a su primera víctima sienten
satisfacción, y nada más hay que detenerlos ahora, en su floja
misericordia.
Hey aquí viene Alex. Abran el telón para su show del horror. Hey aquí viene Alex. Abran el telón para su show del horror.
Veinte contra uno hasta que corra sangre, con palos o con piedras. Algún día estallará tu cabeza, la próxima víctima está allí y ahora. Cuando su dios pregunte dulcemente: ¿Por qué nada has hecho? Nada has hecho.
Hey aquí viene Alex. Abran el telón para su show del horror. Hey aquí viene Alex. Abran el telón para su show del horror.
Se, se... Edgar Allan Pop hubiera quedado bastante mejor. Pero no por hoy.
Vamos a calmar un poco las agitadas aguas en que navega hoy la Ciber-Balsa discográfica. Seleccionamos, dentro del rock, los temas que mejor reflejan ese mundo oscuro de las obras de Poe, esas escenas sombrías de enterrados vivos, cuervos que llaman a las puertas o corazones delatores.
Maestro universal del relato corto (especialmente de los
cuentos de terror), renovador de la novela gótica y hasta considerado el
inventor del relato detectivesco y de la ciencia-ficción. Su vida fue oscura y
su muerte nunca fue totalmente aclarada. Su influencia literaria va desde
Baudelaire a Borges, de Dostoyevski a Lovecraft y de Faulkner a Cortázar. Sus
relatos influyeron notablemente a la pintura, el cine, el cómic, y como no
podía ser menos a la música.
Numerosas son las óperas dedicadas a sus relatos: Ravel, Rachmáninov,
Debussy, Holbrooke... Incluso el mundo del rock tiene sus propias mini óperas o
discos conceptuales sobre Edgar Allan Poe: Alan Parsons Project, Peter Hammil y Lou Reed a
la vanguardia.
Cabe destacar el gran número de bandas de metal español que le han dedicado temas o discos enteros, quizás
identificados con la parte más gótica y tenebrosa del autor. De las cuales
sobresale la banda Ópera Magna y su disco “Poe”, con 10 temas sobre sus relatos y
un tema sobre su vida personal. Incluso en España se editó una obra de metal
sinfónico llamada “Legado de una Tragedia” sobre él, a modo de ópera
biográfica, en la cual colaboraron integrantes de varios grupos.
Y hay que resaltar también a la banda italiana llamada nada más y nada menos que Edgar Allan Poe,
que editó un solo disco, completamente de culto.
¿Noche tormentosa? Bajá las luces, servite una copita de whisky y subí el volumen para no escuchar nunca más, los golpes en la puerta.
