Azul es el disco que más me gusta de Los Piojos y recomiendo escucharlo de punta a punta ya que en términos de box cortazariano: no gana por knockout como lo hacía Tercer Arco, lo hace por puntos.
En el libro de Sergio Marchi se nos cuenta que la banda por el año menemista de 1997 pareció querer sabotear el éxito conseguido en el tercer disco. Desearon no repetir la fórmula e intentaron un cuarto disco sin hits. ¿Los tuvo? no fueron buscados a priori, eso dicen.
Con un amplio arco estilístico, el disco sorprende desde la entrada con un vals. Hay también afrobeats, hay coros de pibitos, jazz, rhythm & blues, boleritos, pseudo funkys, tenemos un tema con vuvuzela canchera de plástico, baladas, nostálgicos aires tangueros, rocandombe... hay un surtido de enormes letras y mucho detalle para aquel que profundice en las canciones.
"Comienzo a pensar en el nombre del disco -dice Ciro- y me doy cuenta que el primero es negro, el segundo rojo y el tercero amarillo. Viene el diseñador Hernán Bermúdez a trabajar con nosotros la parte gráfica y yo le tiro que el tema del disco viene alrededor del agua y él comienza a trabajar esa serie de cartas marinas geniales. Entonces hicimos reuniones para acumular ideas que tuviera que ver con el color azul y el que propuso la frase más linda fue Tavo (el guitarrista líder): Si azul es el misterio más profundo, azules son las almas".
En Azul, el piojo aparece con el ojo cortado. La banda se llama así por un tema de Fabiana Cantilo -de quien los músicos Piti, Micky y Dani habían sido plomos-, pero a Ciro le gustaba decir que era por este verso del truco para cantar "flor":
"Por el Río Paraná venía navegando un piojo
con un hachazo en el ojo y una FLOR en su ojal"
La presentación del disco fue en dos fechas en 1998 en el microestadio del Parque Sarmiento de Buenos Aires, lo que sirvió para confirmar la enorme convocatoria que venían teniendo y lo que decantaría en su primer disco en vivo que grabarían en el Estadio Obras y en Gesell, pero eso es otra historia...
Basándonos en las páginas del libro de Sergio Marchi continuamos discografía de Los Piojos adelante.
Para 1996 si bien musicalmente no existía problema alguno llegó el momento de pensar en la tapa del tercer disco y el guitarrista Piti, que estaba en pareja con una pintora, recomendó al artista Diego Perrotta. Era un pintor que estaba en las primeras etapas de su carrera -luego ganaría muchos premios- y llegó con una propuesta que nunca terminó de cerrar. Era una especie de ser malévolo con una extraña corona cuyos brazos que parecían piernas simulaban un arco.
Dentro del arte del disco había un par de detalles simpáticos aprovechando la polisemia de significados para “arco”, como fotos de los integrantes haciendo de figuritas de fútbol -aprovechando el sentido del disco y que la banda es muy futbolera- o la foto del bajista Micky de niño duplicado y empuñando arco y flecha.
Pero el que se llevó todos los premios populares fue la modificación en el piojo. En este disco, por sugerencia del manager Pocho Rocca, el piojo abre la boca. El autor del diseño fue nuevamente Palomo Squillari y como diseño de logotipo es una versión mejorada del anterior. Acompañando al disco, pegó un salto de calidad.
El Piojo refleja así distintas etapas: en un principio estaba triste, luego decidió dar batalla con espada. El de Tercer Arco abre la boca porque comienza a vivir, a reír, a comer de la música. Este disco fue la explosión de Los Piojos. Era un piojo visionario, sin lugar a dudas.
El disco Ay ay ay se publicó en 1994 y fue a todas luces un gran progreso con respecto a Chac tu chac. Los Piojos pudieron trasladar el sonido del vivo y el in crescendo a la composición musical.
La banda tenía una gran convocatoria en el teatro Arpegios del barrio de San Telmo, ahí aparecieron las primeras banderas, entraban algunos mangos, y empezaba a escapárseles el piojo que creó Silvio Squillari (*). Entró de contrabando porque nuevamente Isol Misenta había realizado el dibujo para la portada: unos monstruos que parecen devorarse entre ellos sobre un fondo rojo pero cuyo personaje central era diferente.
"Para el segundo disco me preguntaron si quería hacer algo -cuenta Isol- y ahí yo hice el dibujo de los bichos comiéndose, a Andrés le había gustado uno que yo tenía así y me pidió que en el medio hubiera un hombre con una espadita. Y así lo dibujé. Después no supe más nada hasta que salió el disco, y en vez del hombre estaba el piojo ese, hecho con otra técnica, ni me habían preguntado. Eso fue malo para mí. No me dijeron que lo iban a cambiar: es como si vos me das una canción y yo le cambio el estribillo. Volví a trabajar de onda y esta vez ni el disco me mandaron".
Ese piojo de color verde con una espada simbolizaba de alguna manera cierto combate mudo que entablaba contra fuerzas mucho más poderosas que él, y era una metáfora sobre lo que pensaba la banda acerca de la Argentina: el menemismo con su economía de libre mercado, privatizaciones, apertura comercial, desocupación creciente y corrupción flagrante era toda una invitación a la pelea.
Aunque las fuerzas fueran completamente desiguales.
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Creo yo que la tipografía tiene su impacto y logra identidad pero apenas acompañará al logo que empezaba a cobrar mayor fuerza y se hacía distintivo. Como veremos, no será el isotipo definitivo sino el comienzo de una larga cadena de metamorfosis que... continuará...
*El diseñador gráfico Silvio Palomo Squillari cuenta mucho más explayado este nacimiento y muchos otros detalles en su libro "El piojo no se mancha", libro que todavía no leí y que usted puede conseguir en las mejores librerías y regalármelo para el próximo aniversario de este sitio.
Cuando fui por primera vez a un ritual de Los Piojos comprendí que estaban marcando con sus canciones a una generación, pero no sólo con la música y las letras, también con su imagen. Sentí que la banda construía su identidad visual apoyada en lo barrial, lo popular y lo colectivo y que, cargada de símbolos, colores y pertenencia, su estética iba a ser una de las más pregnantes del rock argentino.
Eso fue hace treinta años. Creo que no le pifié.
En retrospectiva empezaremos a recorrerer la gráfica y el camino que realizó el imagotipo de la banda, que disco a disco muta según el concepto y la ocasión. Y para eso seguiremos la marca que dejó Sergio Marchi en su libro Lo que dice el viento,retocándole apenas la huella.
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La tapa de Chac tu chac (de 1992) logró captar la esencia de lo que fue ese disco oscuro, un tanto agobiante, con personalidad suburbana alejada del estereotipo de "banda Stone". El mérito corre por cuenta de su autora, Isol Misenta, que en aquellos tiempos estaba exponiendo en Babilonia y había realizado una pintura sobre una madera con una manija. En ese momento utilizaba una técnica de estilo grabado, bien espesa, y dibujó algo parecido a lo que sería la tapa del disco.
Los Grossman, que eran los dueños del lugar, le contaron que había habido un show de Los Piojos y que Andrés (Ciro, líder de la banda que por entonces todavía era llamado Andrés) había agarrado el tablero por la manija y se lo había querido llevar por la puerta. Se ve que le había gustado. Después, Andrés la llamó para decirle que le había parecido muy bueno, que estaban haciendo el primer disco cuyas canciones tenían esa misma onda melancólica de barrio y que quería hacer algo así para la cubierta.
Isol escuchó el demo del disco. Imaginó el paisaje que Los Piojos veían cada vez que se acercaban a la estación para abordar una formación de tren en El Palomar, y en el dibujo se proyecta ese clima que vió Andrés. Luego la imaginación popular llevaría al personaje central del cuadro a convertirse en el primer logo de las tapas del grupo.
Jugando a ser sociólogo en camiseta, empiezo a sospechar que la súbita propagación de bandas que mezclaron rock y candombe en la década de los noventas de este lado del Río de la Plata (Piojos, Visitantes, Decadentes) tuvo que ver con un componente sociopolítico. La clase media había caído y fue a consultar en las orillas de la cultura, allí donde la Democracia parece tener mucho ritmo pero pocas respuestas.
El grupo que hoy nos reúne nació a mediados de los ochentas como una banda improvisada con el anhelo de querer morir tocando
ska, pero en el camino sucedieron otras cosas.
Con Vicentico en voz, Sr. Flavio en bajo, Sergio
Rotman en saxo y una banda formidable que los apuntala, a partir del tercer disco Los
Fabulosos Cadillacs comienzan un coqueteo con los ritmos mundiales centroamericanos que decantará en la amalgama que nos interesa analizar hoy, aquí, en el Río de La Plata.
Es a partir del sexto disco, El León de 1992, que consiguen el sonido
distintivo mezcla de lo que sucedía musicalmente en el Caribe con el rock de Londres. Además tendieron un puente con los ritmos del Brasil lo que produjo el superéxito "Matador", aunque hubo un reclamo judicial de parte del grupo Olodum.
Rey Azúcar de 1995 consolida el rock-candombe y a la vez los
lleva de gira por toda América Latina, EEUU y Europa a bordo de sonidos más
arriesgados, una estética rebelde y letras combativas:
El incomprendido Fabulosos Calavera de 1997 fue un viaje tanguero y jazzístico hacia el interior de la ciudad de Buenos Aires sin soltar del todo
los aires orilleros, cuna del candombe. Trampolín para saltar, ya cuando se terminaba el siglo, al
disco La Marcha del Golazo Solitario que tenía esta canción ultra rocandombera:
Hubo un parate con el cambio de siglo y en su vuelta al ruedo en conjunto (luego de sus experiencias
solistas y otros proyectos) continúan su andar por los ritmos rioplatenses. Así van hoy los Cadillacs editando nuevos discos con los hijos Florián y Astor formando parte estable
de la banda y reforzando el sonido fabuloso, en su segunda generación.
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*La idea de puentes entre el Río de La Plata y Río Grande do
Sul se la escuché al amigo Lampinho da Bahía que supo tener un blog y un programa de radio sobre estas cuestiones.
Pues resulta que salió el disco de Esquizoide. Se llama Crónicas, y han hecho una pequeña modificación final a la portada:
Pueden encontrar el álbum completo en spotify, también en youtube acompañado con imágenes y algunas animaciones de mi pintura, como esta:
Primos lejanos y culismundi de los King Crimson, de letras oscuras que remiten a los álbumes conceptuales de The Who; y a bordo del rock progresivo clásico algunos pequeños pasos de tango y milonga que cargan con el personaje del disco (diagnosticado con esquizofrenia) en un viaje a través de una distorsión alucinatoria.
Desde Morón, Provincia de Buenos Aires, para el resto del mundo. Salud.
Contrariamente a lo que pasó con Bob Marley & The Wailers, el segundo caso, el de hoy, es de dos inéditos unidos en un disco mucho más tarde. Son dos canciones
viejas (muy viejas) de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota; las tocaban en vivo hacia fines de los setentas en sus presentaciones en plan vaudeville o happenings en teatros y bares.
Lo curioso es que Los Redondos las editan recién en Luzbelito de 1996, las dos juntitas y con los teclados de Lito Vitale y los vientos de la Metaleira Mantequeira, así: “Mariposa Pontiac / Rock del
País”.
¿Dónde se da el corte entre una y otra? Yo creo que exactamente a los 3´01´´.
A partir de ahí queda soldada esa unión, o como veremos
sobre el final, tal vez no. Pero viajemos primero hacia atrás en el tiempo. En cuanto a “Rock
del País” hay una grabación de 1980 de La Banda Ricotera (sin el Indio Solari) donde se escuchan apenas las voces.
A partir de la segunda mitad de los ochentas fueron interpretando en vivo las dos juntas y por lo general seguida también de “El Gordo
Tramposo” y/o “Un tal Brigitte Bardot”, en lo que en los discos piratas se llamaba "Popurrí".
¿Por qué andan tan bien juntas estas canciones? Creo que más allá del ritmo similar porque ambas, a
su manera, nos hablan de las diferentes clases sociales de este país en el culo arrabal del mundo.
Cuando hablamos de los creadores del término Rocandombe, y sus mejores expositores, habíamos mencionado también a Los Visitantes como uno de los pilares donde se pudieron apoyar.
"¿Escuchaste alguna vez a Los Piojos? ¿Y a Los Visitantes?". Así, en la misma frase, un amigo me los recomendó a ambos por primera vez. Para mí es una inevitable correlatividad.
Hoy rescato los momentos más rioplatenses (no tangueros) de esta banda bien de los noventas.
Los Visitantes que convirtieron en carnaval los grotescos y oscuros caminos urbanos por los que anduvo Don Cornelio durante los ochentas.
También liderados por Palo Pandolfo en letra, voz, guitarra, yelmo y alabarda; y con Federico Ghazarossian como escudero en bajo, Los Visitantes hacen su aparición en 1992 en los reductos musicales de Buenos Aires. Su primer disco Salud Universal tiene varios éxitos de nuestras radios nacionales como "Tanta Trampa" o "Playas Oscuras" donde la herencia de Don Cornelio se hace patente. Pero es en otras canciones menos conocidas como "El clavel" donde hay un esbozo de rock-candombe.
Con el segundo disco Espiritango, arriesgan más. Es el disco del crecimiento de la banda, de afirmación, de multiplicidad de sonidos (folklore, cumbia, candombe, tango, ska, punk, rockabilly, pop, heavy, tecno, new wave), un disco que parece un caótico Frankenstein a medio realizar -lo anuncia el diseño de tapa-, con arreglos, ensayos y descartes. Disco con título bien de acá, híbrido, y con canciones como esta:
En el año 1996 con su gran disco Maderita nos dan una buena amalgama de candombe y rock and roll (entre otros cócteles) en varios de sus pasajes. Vamos: lo que vinimos a buscar.
Hoy recibo su sonido, a modo de eco tardío, en bandas uruguayas como No te va gustar, La Vela Puerca, Once Tiros, por nombrar algunas; pero también de otras tantas bandas de este lado.
Así como el Río de La Plata, las letras de Palo recogen diferentes corrientes que confluyen en este entramado delta. Clásico de la banda que no podemos dejar pasar, el bonito mezcladito:
Luego de un pequeño cimbronazo en la formación editan el disco llamado Desequilibrio, que tiene una canción donde se juega con la temática y sonidos de milongas y orilleros:
Se separaron mal, con un disco de rejuntes y un par de inéditos adheridos, y no llegaron como banda unida a sonar en este siglo.
Pero la metamorfosis continúa aún hoy y se puede encontrar retazos de ellos en Palo Pandolfo y La Hermandad (su último disco se llama "Transformación"), en Acorazado Potemkin, en Me darás mil Hijos, y en algunos otros proyectos menores.
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Quien tiene palabra autorizada entre los que visitan regularmente este sitio es el Tío Lampinho Osiris da Bahía... pero me informan a último momento que su barco encuentra a la deriva en algún sitio entre Punta del Este y la Bahía de Samborombón, al parecer con su capitán atado a la vela, suelto el timón. Su gran idea de los "puentes" de que tanto en este Virreinato como en Rio Grande Do Sul, existe un sonido particular y lazos que se pueden trazar, y que para descubrirlos hay que escarbar las capas epidérmicas.
Comparto esa cosmovisión.
Todo coincidió la última semana para que hiciera esta entrada y no otra.
Después de Legiao Urbana la inercia y gratitud me impulsa a una sobre Attaque 77, por haber sido éstos quienes me presentaron aquellos (Fábrica fue el primer tema de la banda brasilera, que escuché en español, por los argentinos).
Tal vez esto es el reciclaje de aquella entrada obsoleta (hoy que cayeron los links) que titulé Perros perros y rock y que tuvo como gran conclusión a) que nadie comentaba en ese entonces en mi blog -Si si ¡no te lo pierdas! ¡podés ser el primero en comentar esa entrada!- y b) que Attaque es la banda por excelencia con canciones dedicadas a perros.
Por otro lado, el amigo Holden, uno de los últimos en sumarse a estas páginas, me hizo notar que venía muy suave. No vendrá mal un poco de punk rock.
Si a todo esto le sumamos la llegada del agresivo y cruel Pepito a mi hogar, volver a escuchar estos temas me es inevitable.
Arrancamos simplemente por... El Perro
Una especie diferente a vos
Y las veces que hemos hablado de Attaque, nos referimos como la mejor banda argentina haciendo covers, su disco Otras Canciones, es una alabanza al cover bien realizado. De ese gran disco, el gran tema de Alberto Cortez.
Desde el bondi vi un grafitti que, basándose en el logo de Jauría, formaba un gato con las letras m-a-c-r-i . ¡Lástima que no me dio tiempo de apuntar con el celular! Como francotirador me cago muero de hambre.
Desde su rincón, el agresivo y cruel Pepito, los saluda.
El
líder de la banda se llama Roberto Musso y el último disco llamado Habla tu Espejo, trae esta canción:
El Cuarteto de Nos, banda uruguaya que nació en 1984,
pareciera querer evitar el nombre propio en su fundación, pero en forma tácita queda flotando en el
aire y hay una exageración del ego (recordemos la canción "Me amo" o "Breve descripción de mi persona"), también existe una introspección constante (el gran "Ya no se qué hacer conmigo", "Bipolar", "Así soy yo" o la misma "Habla tu espejo").
Los nombres propios atraviesan
la historia de la banda: el primer disco que sacan lo comparten cincuenta-cincuenta
con el artista "Mandrake" Wolf, época en que ni ellos ni él podían bancar el costo de un disco entero; y el tercer disco se titula simplemente Emilio García.
Hasta la mitad de los noventa las canciones fluctuaban entre
lo políticamente incorrecto y el humor ácido-lisérgico y tuvieron un éxito
inesperado puertas adentro, en Uruguay con el disco Otra Navidad en las Trincheras. Así
es como luego nacen temas como este:
Recién bien entrados en el Siglo XXI con la trilogía de discos Raro-Bipolar-Porfiado encontraron el estilo
que los destaca: la mezcla de música, humor, rimas de rap forzadas, elementos de la
cultura popular, elementos técnicos de diferentes disciplinas y mucha retórica en
donde se cruzan lo bizarro y el absurdo; le dieron un impulso nuevo que los
catapultó hacia otros países de Latinoamérica, más allá del Río de la Plata.
A partir de ahí las canciones que tienen con nombres propios, ya sea de pila o apellidos, son las que me encantan (y casi todas tienen video oficial). ¿El humor de esta nota? Lo ponen ellos en las letras...
De toda la época anterior a Raro pueden encontrar temas con nombres
propios como:
En Pescado lo que prevalece es esa ira, esa descarga de rabia
[...] era inminente un choque frontal. Uno tenía que atacar fulminantemente.
Luis Alberto Spinetta.
De todas las etapas del Flaco hay una que es la que más me llega. Si bien Almendra me gusta mucho y la etapa de Invisible me parece la más jugada y con más vuelo de todas, entre estas dos formó Pescado Rabioso, una gran banda de Rock and Blues tan a la altura de la vanguardia que sonaba en otras partes del planeta. Ni Spinetta Jade ni sus etapas solistas en diferentes épocas alcanzan para mi a superar el registro de este momento especial. Del 71 al 73, tan blusero y efímero como la vida, acá está mi selección de temas bien polenta de Pescado. Dedicado a JLO a quien se lo prometí hace mucho y creo que ya estaba perdiendo la fe en mí, en este Blog y si exageramos hasta en los semidioses google y youtube.
¡Qué difícil es hacer una selección de temas cuando casi todos te gustan! Ahora sí, acá va una cuenta regresiva de... lo más Rabioso de Pescado ¡Subí el volumen canejo!
Abrimos con uno bien clásico de la primer etapa (Spinetta, Black Amaya y Bocón Frascino), quizás el más cuadradito pero que no falla nunca. El Flaco dijo alguna vez que con los riff de Pescado intentó romper la ternura y el eje sensible de Almendra. Creo que con Me gusta ese tajo lo logró, directo como una piña al mentón y censurado por los uniformados por dirigirse "de manera soez" a las chicas.
Quizás el tema más inocente de Pescado es Nena Boba. Un rockito suave y que no queda afuera en ninguna selección de Pescado ¡excepto de esta!... Así que vamos conBlues de Cris que tiene detrás toda una historia que el Flaco tuvo con la chica del tema, su primer novia. Si lo que él quería con aquel primer disco de Pescado era dejar atrás lo inocente de la etapa Almendra, este blues de riff pesado es un buen ejemplo. Y al mismo tiempo, la muchacha que en Almendra tenía "ojos de papel" ahora comenzaba a cansarlo y entre lucha y pelea nos dirá "sus ojos al final olvidaré".
Post-crucificción mezcla la parte más violenta de Spinetta con una letra sensible. Se nota aquello que el Flaco decía en entrevistas de que a su vida "había llegado Hendrix y era como un volcán, ya no se podía mirar para atrás".
Como el viento voy a ver es de la segunda etapa de Pescado (Spinetta, Lebón, Cutaia y Black Amaya). El librito nos dice que "desde ya es un tema de amor" y que es "el único blues del disco", bien al estilo Led Zeppelin en donde el órgano va llevando el ritmo. El Flaco dijo alguna vez que en el segundo disco de Pescado trató de "almendrizar" el sonido. El librito dice también que "fue grabado una sola vez y así quedó", para mi: impecable.
El simple Despiértate Nena también de la primera etapa fue incluido luego en Desatormentándonos como bonus track (lo mismo que Me gusta ese tajo). De tintes sexuales, pide despertar y despertar.
Antes de hablar de Bajan tengo que hacer la típica salvedad acerca de Pescado. Este tema se encuentra en el mítico Artaud y para muchos ya no es un disco de Pescado sino uno solista del Flaco. ¿Cómo es la historia? Spinetta se separa de Lebón y el resto, y para demostrarles que él es Pescado Rabioso (o que Pescado Rabioso era él y sus caprichos) graba este disco bajo el nombre de la banda pero con Emilio del Guercio (ex compañero de Almendra) y su hermano Gustavo Spinetta.
El tema trata del paso del tiempo, la juventud, de un "loco", una "nena" y de soles y lunas...
Cementerio Club es otro blues lento al estilo Zeppelin, también de Artaud. Según Cerati el punteo del Flaco en este tema es el más genial que hizo, por eso lo habrá incluido en las interpretaciones en vivo pegado a "Té para tres".
Para mí el mejor tema de Pescado es Algo flota en la Laguna. Es un tema al estilo Sabbath que está lleno de riff y solos de guitarra y de bajo bastante pesados que por momentos se acompañan y por otros se van de paseo con la batería. La letra es completamente simbólica y tiene relación con el momento particular y violento que se vivía en Latinoamérica, y contiene frases como "se cogerá nidos" que ha dado mucha tela para cortar a los censores, periodistas y fanáticos. A mi entender, la mejor representación de lo que fue Pescado.
Así de espontáneo y blusero fue Pescado, así también esta entrada que se hizo esperar pero salió sin mucho ensayo. Fiel al estilo de la banda.
Es la banda que fui a ver más veces. Largas previas, noches calientes, frías y de lluvia, largas vueltas que hemos pasado junto al amigo Juan y su primo,
al Quemado, Marianito, y hasta nos encargábamos de llevar a Calabaza (¡diversión garantizada!), anécdotas y barro para tirar al techo. Así
conocimos casi todos los estadios de fútbol, de la A, de la B, de básquet, de Buenos Aires, La
Plata, Rosario, Mar del Plata…
No fueron los creadores de este subgénero, pero si los
responsables de llevarlos a su mejor expresión. Si bien otras bandas como Los
Visitantes, Los Auténticos Decadentes o los Fabulosos Cadillacs ya andaban con los pies
embarrados en esos caminos, las raíces las podemos
rastrear en grupos uruguayos como El Kinto (con Rubén Rada), y hasta algún
intento del doctor Alberto Castillo. Hay bandas brasileras que hacen un mestizaje similar, pero no es exactamente candombe si tenemos en cuenta que este concepto es rioplatense. Recordemos de paso la famosa “Candonga” de Les Luthiers, mezcla de candombe y milonga, por ahí también se puede rastrear raíces.
Creo que fueron Los Piojos quienes lograron en los noventa llevar a
cabo la mejor amalgama de estos dos géneros, rock and roll y candombe; incluso
se encargaron de bautizarlo ("un rocandombe tenés" decían en su tema Esquina Libertad). A fuerza de una discografía muy sólida y de meter un show tras otro sin defraudar jamás con sus casi tres horas de duración fueron conquistando almas.
No es casualidad que ellos lograran este mestizaje original y suburbano.
Oriundos de Ciudad Jardín del Palomar en 1991 fueron invitados (se dice que
ellos bancaron los gastos) a participar en un festival anti-racista en Francia
y allí se cruzaron con la mezcla de géneros que venía haciendo Mano Negra en
Europa y bandas de África, Asia y todo el mundo.
En esta mezcla de ritmos Daniel Buira sería el principal artista. Si
bien los otros músicos de la banda tenían la mente abierta a diferentes sonidos (el violero Tavo quizás es el mejor ejemplo, Ciro en armónica y voz, Micky en bajo o Pity en guitarra), a mediados de los noventa
Dani fundaría la escuela de percusión La Chilinga, que aún continúa creciendo y su vida (junto a Los Piojos) correría por ese camino.
En Chac Tu Chac, disco de 1992 todavía no se percibe una gran
variedad de sonidos (incluso la tapa oscura y gris lo delata...luego vendrían el rojo, el amarillo, el azul, el verde). Hay un tanguito y algunos temas medio bolerosos, pero abunda el Rock
and Roll y del bueno.
Dos años después vio la luz el gran disco Ay Ay Ay, que los tenía en
pleno crecimiento y con energía desbordante. El tema que le daba título al
disco tiene un ritmo bastante peculiar y acá arranca la historia del rocandombe.
En ese disco hay uno que es aún más rocandombero, y que reparte estribillo a mansalva. Dejo la versión del acústico Much Music de Manise donde se puede ver a la banda comandada por la batería.
En ese disco también venía Ando Ganas, mucho más tranqui y
con video original
Fumigator y Arco II son otros buenos ejemplos de rock-candombe
de Ay Ay Ay.
Ya en la etapa de Tercer Arco, disco del 96 que los consagró
y les dio el punto más alto de popularidad, traía entre sus filas este tema que
tiene un 70 Candombe y 30 Rock. El super popular Verano del 92 ni hace falta que lo
presente. Lo que es llamativo es que Los Piojos no lo querían grabar porque les
parecía un tanto simple, al final patearon el tablero y lo hicieron. El video vale porque muestra a La Chilinga en plena
acción. Con los candomberos minutos finales del disco.
En Muevelo la amalgama se da no solo en la música sino entre
el ritmo y la letra bien murguera y bailarina. Por eso va con letra: morena, tamborcito, sangre caliente en las
venas…
Intro Maradó, Qué Decís, Todo Pasa y Don´t say toomorrow tienen algo también.
En Azul, para mí el mejor de Los Piojos una verdadera obra de arte, del 98, tenemos
el ejemplo de amalgama fuerte que tratamos de mostrar, El Balneario de
los Doctores Crotos, basado en un cuento de Laiseca es un TE-MA-SO y garpa
mucho el video oficial. Me parece que este tema es el emblema de rocandombe piojoso.
Otros temas del disco tienen rocandombes, como Desde Lejos
no se Ve, Y Quemás, Agua, Finale o Go Negro Go. Pero vamos con uno que no es
muy popular y que representa el sentimiento piojoso: Murguita.
Después del disco en vivo Ritual se produce la salida de Dani Buira y con el remplazo de Roger Cardero la batería se
puso rockera y necesitada de un asistente de percusión (el Changuito Farías Gómez), también sumaron teclados ("Chucky) pero hay apenas asomos momentáneos de candombes y algún que
otro show con Rubén Rada o Mimí Maura donde se copaban con los tamboriles, pero nada más.
De Verde Paisaje del Infierno se puede rescatar San Jauretche, de Maquina de Sangre anotá aMotumbo, que había sido creado en la época de Buira y quizás las versiones con mucho tamboril de Como Alí en vivo. Ya para el último disco, Civilización, el candombe de Los
Piojos estaba en vías de extinción. El último show lo darían en 2009 en River
y, luego el lamentable accidente automovilístico de Tavo en 2011 sellaron el
final de Los Piojos -pero no para siempre-. Hoy se encuentran sus vestigios en las bandas a las que han influenciado (Pampa Yakuza, Cielo Razzo, El Bordo...), y claro está, en lo que
está haciendo Ciro y los Persas, La Franela y Dani Buira con
Vicentico y La Chilinga.
En plena segunda década del siglo XXI sigo escuchando sus discos.
Un pequeño engañapichanga para todos aquellos que llegaron
acá buscando colas Reef
¡Cayeron amigos!
Estos son los temas de Riff, aquella gran banda de rock and
roll pesado argentino que sentó las bases del hard rock y el heavy por estos
lares, en los que tenemos como protagonista principal alguna dama. El nombre de la banda es muy acertado conforme a lo que hacían Pappo y el joven
Boff con sus violas a lo que hacía el gran Vitico "eltipoquetocóconlosWho" en bajo y el batero Michel aquel que de francés solo tenía los perfumes. Los temas suelen tener la temática callejera y del mundo cotidiano pero cada tanto se dan un viaje y exploran nuevos mundos.
Como veremos las chicas Riff tienen siempre algo particular. Ya desde los afiches en los tempranos ochenta y los videos oficiales y tapas de discos se buscaba la Rebelión de la sociedad y el destape de las minitas.
Arrancamos con un personaje de carácter mágico, una especie de adaptación de
las hadas de la mitología Celta o de la leyenda del Rey Arturo. Pero claro, en
Riff puede tomar una nueva significación. La Dama del Lago. Y como suele acostumbrarnos Riff, los
estribillos simples y pegadizos marcan a fuego los temas “¡Y yo estoy demente!
¡Y se ríe la gente!”.
Con Susy Cadillac arranca un estilo de chica Riff que suele
hacer honores a su apellido sustantivo. En algún momento Pappo pasó por un
programa de TV y entre pitadas largas a su cigarro fue dejando algunas de sus
maldades marca registrada. En la cara le cantó “Tiene
mucho dinero y nada en qué gastar” a la conductora y la Susy lo más contenta.
Acá el original con esa gran tapa del disco Contenidos, un gran acierto artístico
Elena X es de la época en que JAF había entrado a la banda como segunda viola (y Moro en batería) modificando un poco el estilo clásico que traía Riff. Algunos empezaron a
decir que se habían “ablandado”, que ya no eran tan heavys. Lo cierto es que
los temas en que JAF prestaba su voz tienen algo que los hace sobresalir, les
daba un poco más de vuelo. Quizás por esto justamente Pappo lo hizo volar de la
banda. La Elena a la que le canta JAF es una mujer cualquiera a la que dicen “subí a matar, que no te importe cantar bien o mal”.
El porqué de Geisha lo dejó bien explicado (con un entrometido desliz) el propio Pappo
en aquel gran show en Obras en el 2001. Lo dejo a él con esa versión en vivo
que salió perfecta con ese solo heavy oriental de guitarra del Carpo.
Sube a mi Voiture fue uno de los temas más populares de Riff, tiene un video oficial en el que la mina
es la fotografiada en el típico almanaque de taller mecánico (acierto artístico dadas la característica de la banda). En el video Jenny cobra vida para jugar con el Mercedes Benz mientras Pappo arregla su Voiture.
Betty Silicona podría ser alguna de las minitas de la tapa del disco “Zona
de nadie” en el que venía ese tema. Su apellido sustantivo también nos habla
bastante de lo que ella tiene para dar. Una historia oscura de amor entre conspiraciones en el Roxi, la KGB, y un tipo llamado Boris. El estribillo "simple y pegadizo" nos devuelve la temática Riff.
Probablemente Lily Malone sea la mejor representación de una
chica Riff. No voy a agregar nada, ¡escuchen canejo!
La última minita Riff viene también de aquel gran último álbum que
sacaron en el 97. El tema se llama Sátiros sueltos y en realidad se le
estaría cantando a la madre de la quinceañera Riff de la que nunca sabremos el nombre, tal vez porque no era una sola. ¿Qué particularidad tiene esa
minita? La letra lo dirá todo...
La última frase del tema tiene el condimento humorístico
típico del Carpo y es solo para entendidos.
Sátiros sueltos
Animales sueltos
Peyroneles sueltos
A modo de bonus track y gracias a la atenta observación de El Demiurgo de Hurlingham, acá va El Forastero con aquella dueña de Bar que al igual que la de Sátiros Sueltos vendría siendo una actriz de reparto entre las minitas Riff y que mira perderse al forastero que jamás podrá olvidar.
Y con este nos vamos. Ahora si creo que no me olvidé a ninguna.
“Yo
hablaba de José León Suárez con conocimiento de causa. Andaba por ahí.
Iba mucho
porque vendía productos químicos,
con una
mano manejaba y con la otra escribía apuntes en un cuaderno”.
Moris
Sin querer Moris escribió el Himno al barrio de José León
Suárez.
Ciudad de Guitarras Callejeras editado en 1973 es un discaso que está
repleto de situaciones suburbanas, se habla de Campana, Luján, el Dock Sud, de
bares, trenes y mendigos. Entre todos los temas hay uno que llama la atención
por su larga duración y que describe a la perfección al barrio que me vio
nacer, crecer y patear botellas de plástico (durante varios años).
El tema se llama “Muchacho del Taller y la Oficina” y es una
especie de suite de casi nueve minutos que se puede dividir en tres partes.
Uno. Al principio Moris describe la vida en oscuros talleres y
oficinas de manera desordenada, y pareciera un tanto apurado casi como recitando
de improvisado. Por momentos le advierte al “muchacho” situaciones de hastío que
no tienen remedio y para relajar le dejará frases cargadas de sorna.
¡Eh! Muchacho del taller y la oficina, esta canción, esta canción es
para ti.
Está llegando ahora, en el éter de la radio, brilla afuera el sol de la
ciudad.
Aunque muchos te usan, muchos te escupen, muchos te usarán.
Encerrado entre máquinas de hierro, arrojado ahora en tu cárcel de hollín.
Y tu ídolo recostado en la pileta, te regala la alegría de vivir.
Aunque muchos te usan, muchos te escupen, muchos te usarán, uuaah
¡Eh! Muchacho del taller y la oficina, toma tu café y la obra social.
Escucha la canción de la libertad, ahora que tu jefe te está por llamar.
Ve a mirarte al espejo, ver tu cara de viejo tan orgullosa, asustada de nada
Estoy creando ahora la puerta de la fábrica. Estoy viviendo tu vida y la mía.
Donde está el albañil sonriente, donde está la mujer esperando
Dónde está el río podrido, el girasol solitario, dónde está la
brutalidad
Dos. Totalmente contestataria. Como si fuera
un Blas Parera (y su respectivo López y Planes) a ritmo de fanfarria pondrá de
manifiesto entre sátira y cruda realidad la situación que se vivía. Agrego entre paréntesis una frase que los milicos prohibieron en los
70 y que dicen que se recuperó en una de las últimas remasterizaciones que se
hizo. Yo no lo pude encontrar pero en vivo Moris suele cantar la frase.
En el asfalto de enero, comprando churros de acero,
estoy viendo como las luces se apagan y nos aplasta la guerra
(Estoy viendo campos de concentración forzada,
muchachos de veinte años sirviendo la casta armada).
Estoy pensando en salvarme para volver a enterrarme.
Pensando en salvarme para volver a enterrarme…
Tres. Sobre el final se va a ir poniendo cada vez más folk, ya
más relajado por haber cantado las verdades, pareciera que nuestro cronista se dedicara tan solo a andar. Andar por el arrabal, narrar lo
que pasa y zapar. Incluso cambia la entonación con la que se dirige al “muchacho”. Para sorpresa de uno de los amigos de esta casa
(supongo que será una sorpresa) primero se hará mención a su barrio para luego
llegar a JLS.
¡Eh! Muchacho, estoy en la calle cantando,
¿no me ves que estoy ahora cantando?
está como lloviznando en Hurlingham, oh, Hurlingham, oh.
Muchacho, ¿no me ves en la calle cantando?
ando parando y mirando,
ando subiendo a los trenes,
que tienen que llevarme muy pronto hasta Luján.
¡Eh! Muchacho, estoy en la calle cantando,
no me ves que estoy ahora cantando, ahora, ahora mismo cantando,
pateando botellas de plástico,
aspirando humo de camiones y chimeneas.
Estoy en José León Suárez, hay volcadores y camiones Petinari.
Mujeres rojas salen de los bares,
ferrocarriles transportando pueblos
con calor.
Estoy en José León Suárez, hay volcadores y camiones Petinari,
ferrocarriles transportando pueblos con calor…
Todo aquel que quiera revivir lo que vio Moris a principio
de los setenta que vaya hoy a Suárez (si, allá a donde termina uno de los ramales del Mitre) y se dará cuenta que
el tiempo pasa, las cosas cambian, pero otras esenciales
siguen tal cual las describía un muchacho cuarenta años atrás. Decime si al escuchar este tema no te imaginas a Moris parando y haciendo la fila en Pancho Susy.
Aprovechando que Los Auténticos Decadentes acaban de editar
un disco nuevo hablaremos un rato sobre sus canciones, pero en retrospectiva. Me llama la atención que
a pesar de que fueron mi ventana hacia la música, en este foro apenas los
mencioné, salvo aquellas acotaciones en que no me canso nunca de remarcar que
cuentan con el mejor nombre, muy de acuerdo a sus características.
Al momento de abrir un disco nuevo de los Decadentes uno
sabe de antemano algunas cosas. Que habrá al menos un par (o un par y medio,
quizás dos pares) de hits implacables, temas que sonarán en radios, casamientos, boliches o canchas todo el tiempo y quizás para siempre. También se sabe que tendrá los
famosos temas “barderos” donde puede pasar cualquier cosa, pero también (y a eso vinimos) que el maestro Jorge Serrano nos
va a dejar canciones que no llegarán a ser un éxito, a veces por falta de mérito propio
del tema, a veces por haber puesto la vara tan alto en otras composiciones o incluso
a veces por capricho de las discográficas o el destino; y sin embargo estos temas en otras
bandas no acostumbradas al éxito serían hits.
A través de estos temas que quedaron fuera del éxito
popular podemos describir también la historia de los Auténticos Decadentes y en
especial de su principal compositor al que considero un ejemplo de perfil bajo a
seguir. El tipo suele decir que se puede
ser poético y profundo usando palabras de todos los días. Dueño de un
cancionero popular, galán de barrio, ex electricista, ex Todos Tus Muertos (otro nombre genial), con ustedes: El Profesor
Melodía, El Perro Viejo, Jorge Serrano.
Año 1989. Editan El Milagro Argentino (escúchenlo y díganme
si no es un título perfecto) disco que contaba con el 90% de los temas
perteneciente a Serrano. Algunos barderos como “Vení Raquel”, “Entregá el
Marrón” y “Skabio”; pero también con dos grandes composiciones como “El
Jorobadito”, tema al que le iría mejor en manos de Attaque 77 y el gran primer
clásico de clásicos “Loco (Tu forma de ser)” que arrasó con todo y dejó a los
otros temas en los que él canta un tanto relegados. De estos elijo uno cualquiera.
En el 91 editan ¡Supersónico! (Vayan viendo lo que son las tapas, se van superando en lo que a decadente se refiere). Por entonces mientras el resto de
las bandas se esforzaban por ser cada vez más eléctricos y pesados, ellos se
declaran como una banda de rock pero que podía hacer cumbia, bolero, ska y candombe,
y volver a rockearla cuando se les cantaba. El Perro Viejo nos dejará varios
pseudo hits como “La Bebida, el juego y las mujeres”, “Qué vas a hacer conmigo”
(temaso también adoptado por Attaque 77), y “El Vino Triste”. Además integraban el disco “Ya me da igual”, “Paseando por Temperley” y “Se va como la
Vida”. Acá van dos temas románticos que quedaron perdidos en el fondo del álbum:
Un par de años más tarde sale Fiesta Monstruo donde la banda
se afianza en su sonido y cuenta con varios músicos invitados, lo que será una
fija de ahí en más. La versión de “Siga el Baile” con Alberto Castillo se
lleva todas las flores, pero también “La Marca de la Gorra”, “Pochi Peluca” y
unos años más tarde (al editarse en álbumes de recopilación) “Auténtica”. ¿Qué nos
queda de Serrano? Escuchate estos temitas…
Y así les llega el éxito masivo y copan todo Latinoamérica con
Mi vida Loca (seguían pegándola en los títulos y la tapa) en el 95. ¿Sabés qué temas de Serrano traía el disco? Apenas “Corazón”, “La guitarra”, “Diosa”, “el
Pájaro vio el cielo y se voló”. Sumale a todo esto “El Murguero”, compuesto entre varios. Y un tema que apenas sonó en las radios y luego
desapareció y que fue:
Con Cualquiera Puede Cantar (acertadísimo) sellaron el paradigma que regíría la banda. Todos sus integrantes compusieron o aportaron algo de ahí en más, los invitados a
sus shows podían ir desde Iorio hasta Antonio Ríos y podían sonar en un
casamiento de la Alta Sociedad o en la popular de Victoriano Arenas. “Como me
voy a olvidar” y “Luna Radiante” fueron los hits de Serrano. Sumale el himno
“Los Piratas”, también “Cyrano”, “El Gran señor”, “Lejos de Ti” y “Borracho y Solo”.
Pero atenti a este temaso, una letra que trata de metaforizar y por momentos se
le va de mambo, y una música que incorpora un sitar. "No te detengas".
En la entrada al nuevo siglo sacan Hoy trasnoche. Siguiendo
con el lema de su disco anterior los mayores éxitos comerciales se encargan de
componerlo sus compañeros (“El Dinero no es todo”, “Yo Puedo” y “Besándote”),
aunque Serrano se anota con “No Puedo”. Sobre el final del disco hay un tema
extraño que no sabría bien como definir, algo entre el existencialismo y el fatalismo con una música eléctrica y densa.
En 2003 editan Sigue tu Camino, en el que todas las
composiciones de Serrano serán exitosas entre las que se destaca “Un osito de
peluche de Taiwan”. El disco venía con “Sigue tu camino”, “Viviré por Siempre”, “Pendeviejo” y “La Prima
Lejana”. Y también una romántica melosa que no llegó: "Bichiluz".
En 2006 Club Atlético Decadente nos plantea el lema de ellos
como socios de la banda con intenciones de ponerse en forma. El mayor éxito de Serrano fue “Confundido”,
pero el disco también traía “Somos”, “Algo hay que comer”, “Me tiro a la
basura”, “Veo” y este tema con Adrián Dárgelos como
invitado llamado "Viaje Mental".
Cuando los Decadentes editaron Irrompibles en 2010, Jorge
Serrano estuvo laburando en su proyecto solista (al que hoy gambetearemos
olímpicamente). Por eso tuvo poca participación y los hits fueron “Distrito
Federal”, “Los Machos”, “La Fórmula” y “Tribus Urbanas”, ninguno de su autoría. Su mayor logro fue "la Ciudad de Infinitas Avenidas" que apenas alcanzó a sonar en las radios, así que considero
importante rescatarlo.
Bueno, el que quiera comprobarlo escuche el disco
recientemente editado por los Decadentes llamado Y la banda sigue y puede separar los porotos.
Estos tres van directo a hits, aquellos dos llegarán a las radios y éste tema de Serrano pocos
lo conocerán, pero será una joya en el barro de la mediocridad.
