Tuvimos que combatir días con temperaturas rayanas en los 35 grados, otros con poderosas tormentas eléctricas y fuertes vientos que levantaban polvareda y vaciaban la Plaza Arenales en unos pocos minutos. Así y todo la muestra fue positiva, pasó gente muy interesante, la misma cantidad de público que el año pasado e incluso se pudo vender algún que otro cuadro.
Antes que nada debo agradecer al Demiurgo de Hurlingham, uno de los seguidores más fieles, que publicó una entrevista en su blog. ¡Muchas gracias por la difusión y la buena onda Demiurgo!
Acá van los cinco que colgué este año.
El que dudaba si llevarlo o no y que me sorprendió cuánto gustó: El Yeite
El único pintado por encargo: Amalgamao
Brote Pilpintu, formó parte de la invitación, primer "corte" de esta expo
Arrancó de una idea que tuvo un amigo en un baño, pero consiguió vida propia y terminó siendo el Pequeño Tsunami
El caballito de batalla de este año: Poemas de Natura
El amigo Federico el Cuervo anduvo sacando fotos muy buenas, tan buenas que incluso levantan los cuadros. Dejo algunas:
El tercer disco de Legião Urbana, la mejor banda de rock de
Brasil, se tituló “¿Que país é esse?”. Es el álbum más eléctrico y poderoso de la banda, que todavía en el año 1987 como bien muestra la foto de tapa al estilo instantánea de Beatles For Sale, era un cuarteto. Mantenía aún a Renato Rocha en
bajo.
Dado Villa-Lobos, Marcelo Bonfá, Renato Russo (fondo) y Renato Rocha
El disco abre justamente con el tema que le da nombre y creo que el
video oficial habla por sí mismo, no hace falta mucha traducción para
comprender de qué se está hablando. Una banda que en los ochenta, luego de una durísima dictadura, se preguntaba “¿Qué país es este?” ¿Favelas? ¿Senado? ¿Amazonas? ¿Nordeste? ¿Tercer Mundo? ¿Ricos? Esta canción cuenta también con una versión en vivo de otra banda brasilera que tuvo mejor salida al exterior y que han sido más conocidos por estos lares y por todo Latinoamérica por haber cantado en español, ellos fueron los “padrinos” de Legião: os Paralamas do Sucesso. El video oficial trata de definir a Brasil en tres minutos al mismo tiempo que muestra a la banda en acción.
Conexão Amazônica es un tema que habla de transas en el que
Renato Russo (compositor y líder) dirá sin tapujos entre yeahs-yeahs que los
tambores de la selva comenzaron a sonar y que la cocaína no se conseguirá
porque se interrumpió la conexión amazónica. Arranca diciendo “Estoy cansado de
oír hablar/ de Freud, Jung, Engels, Marx /intriga Intelectual /Un lugar en la
mesa de bar “ y ya entrado en tema, la controversial frase "el alimento para la cabeza / no va a matar el hambre de nadie".
Tédio es uno de los temas más poderosos y uno de los más
antiguos (viene de Aborto Elétrico, aquella banda antecesora que al disolverse, algunos músicos que la conformaban pasaron a formar
Capital Inicial y otros nuestra querida Legião Urbana). Hasta entonces se mantenía inédito, pero sus seguidores lo
conocían porque lo tocaban en sus shows. El título completo es Tédio (com um T bem grande pra você) y la
frase “No tengo gasolina, tampoco tengo coche/ Tampoco tengo nada interesante
que hacer” parece ser un resumen de lo que este tema cuasi punk te escupe a la
cara. En cuanto a letra es una especie de versión brasilera de “I can´t get no
(satisfaction)” y tranquilamente pudo formar parte de aquel primer álbum homónimo de la banda.
El cuarto tema del disco es Depois do começo y tiene el ritmo típico que uno presupone de una
banda brasilera después de conocer la influencia que The Police tuvo en Paralamas
o Titâs. Es un reggae acelerado a punto de alcanzar el ska, ritmo que no frecuentaba
Legião, pero que no les salía para nada mal. Incluso estoy pensando que agregándole vientos podría haber sido una excelente banda de reggae-ska. La magia de este tema como no
podía ser de otra manera la encontramos en la combinación de ese ritmo con la letra
rebuscada y un tanto surrealista de Renato que en perfecto portugués poniendo una pausa al tema dice “Deus
Deus, somos todos ateus”
Química es uno de los temas que venían sobrando del disco anterior (Dois), recordemos que en un principio iba a ser un disco doble y al resumirlo
en 12 temas algunos quedaron afuera, aquí uno importante. Pero como bien me aclaró el amigo Lampinho, es un tema compuesto por Renato a principio de los ochenta y que incluso formó parte del primer disco de Paralamas. La letra es simple y el estribillo fácil, pero el ritmo cuasi punk dan ganas de cantarlo "No saco nada de Física / Literatura y Gramática / Al igual que la Educación Sexual / Y odio Química".
Hay un video pirata, o como lo llaman en Brasil, una raridade de este tema que muestra a la banda en estudio.
El tema que saltó por encima de este disco como el tema mais bonito es Eu Sei. La traducción es fácil y se consigue. Dejo el video en vivo. Incluso la banda tributo a Legião conformada por artistas
uruguayos y brasileros se llama así. Para definirlo en tres palabras: Te-ma-so.
Sexo verbal
No es mi estilo
Las palabras son errores
Y los errores son tuyos
No quiero recordar
que yo me equivoco también
Un día pretendo
Intentar descubrir
Por qué es más fuerte
Quien sabe mentir
No quiero recordar que yo miento también
Yo sé, Yo sé….
Cerrá la puerta
de tu cuarto
porque si suena el teléfono
puede ser alguien
con quien vos quieras hablar
por horas y horas y horas
La noche terminó
Tal vez tengamos que huir
Sin vos
Pero no, no te vayas ahora
Quiero honras y promesas
Recuerdos e historias
Somos pájaros jóvenes
Lejos del nido
Yo sé, yo sé….
De la pista 7, Faroeste Caboclo, ya hemos hecho una reseña aparte. Es un tema
venido de otro mundo que, como saben, no podía ser presentado en pocas líneas.
Pasemos al 8 Angra dos reis que cuenta con un clip oficial.
Es un tema muy tranquilo que aplica un freno al disco, un poco de paz. Aunque sobre el final se
pone un tanto apocalíptico, el estribillo dice algo así como “Sentí tu corazón
perfecto/ latiendo sin esfuerzo / y eso duele”. Las primeras veces que lo escuché me recordaba "Hombre al Agua" de Soda Stereo, pero después de tanto escuchar ambas pude separarlas. Tiene un video oficial:
Y así llegamos al final del disco con Mais do mesmo. Que
luego conformaría también el título de un disco de grandes éxitos. El tema cierra con
la temática con que se abrió el disco. Preguntándose “¿Cómo puedo crecer si no
crece nada por aquí?” o afirmando simplemente “siempre más de lo mismo”. Cierre poderoso para un disco poderoso... y eterno.
Y nos vamos pero volveremos con el cuarto disco. Recuerden que URBANA LEGIO OMNIA VINCIT
Por acá, por el fondo de Sudamérica, el nombre de Alvar Núñez Cabeza de
Vaca es célebre por ser el primer europeo que dejó registro de su encuentro con
las Cataratas del Iguazú (situación tragicómica de la que nos encargaremos en otro momento). Pero hoy no hablaremos de ese (su segundo viaje
a América) sino del primero, aquel que dejó registrado en sus notas de viajes editadas bajo el nombre de “Naufragios”.
Lo interesante al leer esta historia es el impacto que causa
ver a un hidalgo con armadura y deseos de riquezas que de un día para otro se
encuentra desnudo frente a las amenazas del Nuevo Mundo. Como se verá no fue el
típico colonizador, pero aquí queremos resaltar que tampoco fue (como algunos
tratan de hacernos notar) un salvador para los indígenas, ni que
tampoco fue un abogado de la paz. Fue el artífice de una conquista diferente en la cual tan
solo el instinto de supervivencia y las diferentes casualidades lo llevaron a
tener una relación distinta con las tribus de Norteamérica, aunque hay que
aclarar que en sus escritos hay un sentimiento subrepticio que no lo abandona, nunca dejó de ser del todo el tesorero de una Expedición de Conquista para la Corona Española.
También es célebre por ser uno de los grandes caminantes de la historia, en esta
expedición tuvo que recorrer a gamba desde el este hasta el oeste del territorio (actual) de
frontera entre EEUU y México, de Florida a California, durante 7 años.
En 1527 partió desde Sanlúcar de Barrameda en la expedición fallida de Pánfilo de Narváez (aquel "enemigo" de Cortés), con el objetivo de conquistar Florida y buscar la Fuente
de la Eterna Juventud, la leyenda hacía creer que podía estar allí. De los 600
hombres, 140 abandonaron en Santo Domingo y se calcula que en Cuba, luego de
una tormenta murieron otros 70. En la Bahía de Tampa se encontraron con los
primeros indígenas, hicieron un par de expediciones por los pantanos de Florida
(donde fueron recibidos con flechas y otras situaciones no muy amistosas) y luego por la desembocadura del Mississippi,
hasta que perdieron sus barcos. Tuvieron que comerse los pocos caballos que
tenían e improvisar herramientas con espuelas y partes de ballestas para
construir precarias canoas. Entre los
huracanes, tempestades, pestes y falta de comida (como se ve, la venían pasando de diez) fueron perdiendo varios
hombres hasta que las barcas de Cabeza de Vaca y Pánfilo (¡tenía que ser Pánfilo!) se separaron, por lo
que Cabeza de Vaca y 14 hombres fueron abandonados a su suerte y llegaron a la
actual Galveston, donde una tribu los capturó y repartió como sirvientes entre
sus familias.
A partir de ahí comienza la verdadera aventura de Cabeza de
Vaca, y por lo cual vale contar su historia. En un principio en su relato se
habla de metales, de riqueza, de seres inferiores a quienes hay que conquistar
y de a poco comienza a hablarse de maíz, mantas y hermanos indígenas. Se empapó con la cultura de diferentes tribus, mezcló sus conocimientos en medicina con el
chamanismo, lo que le permitió convertirse en curandero y así ser respetado por
los indios. Luego ofició de mercader entre las diferentes tribus lo que lo
llevó a recorrer grandes territorios hacia el oeste (por las cercanías del Río
Bravo) y aprehender sus idiomas e idiosincrasia.
Hasta que después de una expedición fallida y de pasar
numerosos días (y hasta meses) de hambre por los desiertos para conseguir el regreso a Europa,
se encuentra por casualidad con un grupo de antiguos compañeros y consigue
organizar el regreso. Aunque para ello tuvieron todavía que caminar y caminar, ahora hacia
el sur, el territorio actual de México (Culiacán, Compostela, ciudad de México).
Lo más interesante de su relato se da sobre el final, y deja en
evidencia la ambivalencia constante de Cabeza de Vaca al escribir. Al Conquistador en busca del “Paraíso” que representa América, se le
empieza a caer el disfraz y ya no ve la hora de rajar de ese “Infierno” en el que se encuentra Conquistado. También hay una parábola (una curva) que describe los sentimientos de Cabeza de Vaca acerca de lo que le ocurría. Durante su estadía en América todo era chamanismo, hechos
mágicos de la Naturaleza y espiritualidad. Pero tanto antes de poner un pie en esta tierra como cuando está por irse,
las situaciones son física, materialess: se hablará de metales, medicina europea, dinero
y el uso del evangelio para dominar a los indios.
Es así como a partir de este relato nació la “Leyenda de Las Siete
Ciudades”, un mito parecido al de “El Dorado” en donde se aseguraba que las
ciudades del oeste de Norteamérica estaban llenas de oro.
Recomiendo leer el libro, aunque para los que se sienten más
cómodos con lo audiovisual, pueden ver la película "Cabeza de Vaca", una producción mexicana de
1991 y fue dirigida por Nicolás Echevarría con guión de Guillermo Sheridan.
El film arranca
justamente con el naufragio, condensando todo el principio de la historia en
frases que dirá Pánfilo de Narváez (¡tenía que ser Pánfilo!). Así, el guión nos vuelve a mostrar la visión del Cabeza de Vaca mítico, aquel
que para los indígenas tenía poderes sobrenaturales intercalándolo con el
hidalgo desnudo y hambriento perdido en el desierto.
La ambientación es excelente, los escenarios donde se dan
las secuencias están muy bien logrados y creíbles con bastante rigor histórico,
pero Juan Diego, el actor principal por momentos sobreactúa y teatraliza lo que debieran decir las imágenes y su silencio.
Aparecen personajes a los que Cabeza de Vaca jamás describió en su relato (y algunos como el enano ni siquiera nombró), pero como dijimos es una libre
interpretación del texto y vale. Por momentos la metáfora de las secuencias es muy
directa (rozando lo burdo), como por ejemplo cuando Cabeza de Vaca observa a una iguana atada a un
palo que al intentar escaparse se enreda cada vez más, como una descripción de
lo que le sucede a él mismo, incluso se muestran secuencias de el tropezando, dando vueltas en círculos y zambulléndose en un río de acuerdo con la escupida que sufre la iguana. Algunas secuencias como la del ritual chamánico están mejor
logradas y nos demuestran ese choque entre la medicina europea que conocía
Cabeza de Vaca y la curación mágica de las tribus, a la que la sugestión
colectiva ayuda a sanar; y al mismo tiempo esa parábola espiritual que sufrió Cabeza de Vaca.
El film es algo espectacular e hipnotizador y se centra más
en la aventura, aunque basa su estructura en una filmación del tipo documental (de
estilo antropológico), con ambientaciones y situaciones muy verosímiles.
El encuentro con el Viejo mundo es descrito en “Naufragios”
a través de un objeto (no diré cual) y en la película a través de otro (incrustado
en el cuerpo de un indígena), otra de las libres interpretaciones para darle
mayor impacto al film, y que también vale.
El final del film es una interpretación libre del director, pero
tiene una gran simbología de lo que fueron todas las Conquistas en América.
Si leen el libro o ven la película avísenme y debatimos ciertos detalles que todavía están frescos.
A la memoria de Alvar Nuñez Cabeza de Vaca.
Frodowhisky.
Estuve ausente por aquí debido a que me encontré muy ocupado terminando las pinturas que presentaré y que me miraban desde los rincones esperando los toques finales.
Este año la cita no fue, como acostumbrábamos, en octubre. La cita será este próximo diciembre en el mismo lugar de los últimos años: Mercedes 4146 en Villa Devoto (frente a la Plaza Arenales).
La inauguración oficial es el 05 de diciembre a las 20 hs (si caen antes no hay drama, estaré ahi desde las 18), igualmente los cuadros estarán expuestos desde el 02 hasta el 14.
Quedan oficialmente invitados ¡ENTRADA LIBRE Y GRATUITA!
Pueden ir en moto (JLO), en el San Martín (Demiurgo), la Gral Paz no queda tan lejos (Aldo) y para los que están en otra ciudad, provincia o país (Luciano, Hugo, Sergio, Sara, etc) estamos planeando poner unos vuelos chárter, pero me parece que los números no nos dan.
Este año voy con 5 obras y a modo de adelanto exclusivo les dejo la pintura que conformó la tarjeta de este año.
Brote Pilpintu
Avísenme y nos encontramos o pueden ir de incógnito, pero ojo que cada tanto me daré una vuelta por allí y no podrán escapar.
El show de los Redondos en
el pub Gracias Nena (Dorrego al 1128 en el barrio de Chacarita) el 12-07-86 da para hablar largo y tendido. Fue posterior al Stud y anterior a Paladium. No es ni por asomo de los shows más prolijos, está plagado de
inconvenientes técnicos y controversias por los dichos del Indio acerca de las
condiciones del lugar pero por suerte también lleno de inéditos y otras
versiones de los temas clásicos.
Entre gritos de aliento
para el Piojo Ábalos (por entonces baterista de la banda) el show arranca con el Indio hablando y reclamándole al
dueño por las condiciones del recinto: "A ver si te queda un pesito para
arreglar el escenario hoy, eh"... "Acá es una guerra". Y salen a
la cancha con Ya nadie va a escuchar tu remera.
Primer inconveniente
técnico de la noche, Tito (Fargo) D´Aviero segunda guitarra oficial de esa
época, rompe una cuerda y mientras soluciona el inconveniente se escucha a la
gente agitarle cosas como “mostrá los músculos Piojo”. Detalle: cuando presenta a los músicos el Indio dice "Va a amenizar la
función.." , y esa frase conformaría unos 14 años más tarde
parte clave del tema "Sheriff" editado en Momo Sampler. Y se viene
Fuegos de Octubre casi a modo de prueba de sonido ya que lo hacen instrumental
con el saxo de Willy Crook que se engancha mientras "se soluciona el
inconveniente" (de Tito).
El Regreso de Mao es un
clásico inédito aunque esta no es la mejor versión. La batería se escucha muy a
lata (segundo inconveniente técnico) Skay lo dirá al finalizar el tema
"aparece una repetición de la batería tum tum tum" y el Indio
aprovecha para volver a quejarse "El teatro es lindo pero no nos sirve.
Solo, queda muy bueno".
Canción para naufragios.
Por momentos se escuchan voces y se corta la grabación, pero así y todo puede sentirse
lo "redondo" que salía el tema por esa época (el disco Oktubre se
grabaría un par de meses más tarde). Preso en mi Ciudad sufre también un par de
cortes en la grabación, pero también se hacen sentir los gritos de todos los esclavos
sensibles y chillones. Luego vendrán frases muy
graciosas del público presente "¡Pioojo no te mueras nunca!" y el Indio aprovecha
nuevamente para reclamarle al dueño "Costanzo, una plaquita de Harbor"…"es
un bolonqui esto"…"Se corre peligro acá, hay que darse la antitetánica"
Divina TV Fuhrer siempre suma
en vivo con los coros despreocupados. El "un doos treees" que
anticipa Motorpsico y que le permite a las guitarras entrar a la vez y hacerse notar a la guitarra rítmica de Tito Fargo. En Algunos Pocos Peligros Sensatos
se escucha un "Buena idea eh" cerca de la grabación y también un
"Bieen chee" al final, lo que demuestra lo precaria que es esta
grabación, que es más bien un documento desprolijo pero que no demuestra el
potencial de la banda. Otros shows de la época están mucho mejor grabados.
Semen up sonó siempre mejor
en vivo que como se grabó en Oktubre. Esta versión cuenta con unas variaciones en
las guitarras con un toque reggaero seguramente gracias a la mano de Tito Fargo
y cuando se suma Semilla con todo (sobre el final) hacen de esta una de las
mejores versiones, a pesar de la ausencia de la percusión de Claudio Fernandez (Don
Cornelio y la Zona).
Ahora si, a lo que vinimos.
Una seguidilla de inéditos para el recuerdo por cuatro.
Crazy Jazz es un bonito jam
de un minuto y medio, que parece un antecesor lejano de Ella debe estar tan
linda (al que le faltaban 2 años para ver la luz).
Sigue una de las mejores
versiones que escuché del gran inédito llamado Rodando, un temaso que le vuela
la peluca a más de uno, lástima que por momentos está cortado. Skay en coros le
pone mucha onda.
Cualquier cosa lo que
gritan los Redonditos de abajo:
"Rocaaanrooool
indioo" "Se me fruncen los huesos"
"Hacé la tuya"
"Intercambio gaseoso
Indio"
Y sigue otro inédito groso,
uno de esos que de haber sido grabado en algún disco oficial, hoy sonaría en
cualquier radio rockera, ladren lo que ladren los demás. Con ustedes: De aquellos polvos futuros lodos.
Alguien se acuerda de Willy
y en un momento de silencio, y el Indio aprovecha para decir “está medio manso esto”… “está para
chapar este show”. Patricio Super Show
Musica para Pastillas con
una frase que aún no se definía (atenti al muchachitas "salvajes" en
lugar de "fatales").
"No te pongas la
campera"… "Tiene frío el piojo”…"Músculo piojo".
El Jijiji diferente, con el comienzo de
guitarra a pleno que hacían por entonces y con el final de "Olga Sudorova, Vodka de
Chernobyl". Alguno pide Superlógico, pero nunca vendría. Si El Infierno esta encantador esta noche con el bajo bien al frente.
El Indio dirá "dice Omar Costanzo que hagamos el último tema que se tiene que ir". Y como no podía ser
de otra forma y a modo de cierre en Gracias Nena, el inédito Nene Nena.
Por algun motivo y por esas
cosas raras que tienen estas grabaciones piratas termina en fade out sin que
sepamos el final del tema o si hubo algunas palabras de despedida. Será hasta la próxima.
Esta
sección también podría llamarse "Cuando dos trenes chocan". Estaba muy tranquilo mirando Breaking Bad, tranquilo
es solo una forma de decir ya que vi los 62 capítulos en 25 días y los últimos
nueve de corrido (en fin, todo lo que habría que decir sobre esta gran serie creada
por Vince Gilligan ya lo dijo el amigo Luciano Sívori acá), hasta que algo muy groso
se cruzó en el camino.
En el
capítulo 10 de la temporada 5 (cuando la serie estaba barranca abajo y entre
emociones se me escurría de las manos) empezó a sonar un ritmo conocido pero que en un principio no lograba reconocer, no me dio mucho tiempo a pensar porque de repente empezó
a cantar… ¡El Pampa Larralde! Y los acordes de Quimey Neuquen, ese
loncomeo mapuche, pero esta vez completamente remixado.
La escena
es importante dentro de la serie aunque no revela nada trascendental de
la historia, así que el que se puede ver el video sin preocupación.
Ahora,
veamos cuán largo es el viaje de una canción proveniente de las tribus pehuenches
y araucanas hasta ser tomada por los yanquis para una serie situada en
Albuquerque. Si bien yo estuve en uno solo, los paisajes de Neuquén y
Nuevo México por momentos -solo por momentos- parecen similares, pero el tema es un himno al Sur (al sur
de la Argentina, a la Patagonia), en el estribillo reside la clave haciendo referencia al agua de la región. Es un loncomeo mapuche, ese grito de nuestra
tierra que se baila moviendo la cabeza y que los cantantes de folklore fueron rescatando del olvido. Quimey significa hermosa, bella.
¿Cómo es que llegó a reflejar las
sensaciones de un tipo loco enterrando algo en el desierto de EE.UU.?
La canción
original es de fines de la década del sesenta, y no es de Larralde sino de Marcelo
Berbel con letra del poeta Milton Aguilar. Ambos fueron decendientes de mapuches y se dedicaron a escribir sobre sus tierras y sus raíces. Acá la versión grabada por los hermanos
Berbel (los hijos de Marcelo).
La canción
se hizo famosa por ser el tema que abre el primer disco de Larralde, Canta José
Larralde de 1968.
De ese
disco la tomó Pedro Canale (el creador de Chancha Vía Circuito), un DJ argentino
que reside en México y en diferentes notas cuenta la casualidad que lo llevó a remixarel tema del Pampa para su disco “Rí o Arriba” de 2010 y explica también que
tiene un productor amigo en Los Angeles y que ése fue el contacto que transó con
los creadores de B.B.
Los leguleyos quizás puedan desasnarme. El capítulo en el que aparece este tema fue visto por millones de personas, generó millones de tuits y miles (no se si millones) corrieron a escucharlo y a ver de dónde había salido. ¿Los Berbel o Larralde reciben algo por todo esto?
En fin, vamos a lo importante, la música. El Pampa vive, aunque algunos lo dieron por muerto en las redes sociales alarmando a todos sus familiares, conocidos y seguidores. Hace poco con dos amigos fuimos a verlo a San Justo. Tocó en un pequeño teatro
para unas 300 personas, y este muchacho de Huanguelén nacido hace 76 años se
mandó un show espectacular. Guitarreada, mate, charlas sobre la actualidad,
filosofía, etimología, historias de orilleros y el campo, chistes (muchos
chistes y muy buenos) y también mucha cabroneada contra todo lo que no le
gusta.
Parece que ahora anda de gira por el conurbano bonaerense y ciudades aledañas, recomiendo
aprovecharlo antes de que pase de ser mito viviente a tan solo Mito.
“Creo que es una marioneta dictador” Willie Tanner.
Filosofando con un amigo sobre temas fundamentales
para la vida del ser humano topamos con la idea de que existe un capítulo de Alf
que define a la perfección la esencia de la serie, las ideas de
su creador, el por qué de la relación conflictiva entre los actores y la extraña recepción
del público.
¡Advertencia! Hay que aclarar cómo manejaban a Alf (así que el
que desee quedarse con la magia de que es un simpático ser proveniente de
Melmac que raje de acá ahora mismo, lo que se viene destroza ilusiones). Lamentablemente hoy haremos el
laburo de un psicólogo-forense.
Alf era una marioneta. Sí, todos sabemos que para los planos
abiertos se usaba al húngaro Mihaly Meszaros de 83 centímetros, pero los
productores detectaron que no funcionaba. Alf perdía gracia, los movimientos
eran tan toscos que asustaba a los niños y por suerte fueron abandonando esas tomas.
Para que la marioneta cobrara vida se necesitaban tres
personas, el principal titiritero era su creador Paul Fusco que usaba una mano
para controlar la boca de Alf, la otra era el antebrazo derecho y usaba una vincha con micrófono para hacer la voz en vivo. Lisa Buckley manejaba el otro brazo y Bob
Farppiano mediante un control remoto las expresiones faciales y las orejas. Así, los movimientos del alienígena se veían fluídos y naturales, y se
explica por qué siempre aparecía solo la mitad superior de su cuerpo (y no
se veía la conexión entre el brazo y el antebrazo).
Parece ser que en los sets de grabación coexistían varios problemas.
Para filmar un capítulo de 20 minutos se requerían unas 20 horas aproximadamente, ya
que había que coordinar los movimientos de la marioneta, evitar que se vean los
titiriteros, que todo esto parezca real y que los actores (muchas veces
fastidiados) logren conectar con la situación. Estas grabaciones se manejaban
de manera hermética para evitar que se divulgue cómo se realizaba el programa,
ya que ese misterio era el que provocaba mayor intriga en el público. En los
videos que se filtraron y se publicaron en la web se puede ver la cantidad de
veces que tenían que repetir una escena, ya sea por equivocación de los
titiriteros o porque se arrugaba la remera de Alf o porque el que manejaba el
control remoto olvidaba hacerlo pestañear o, como en este video. porque se
ponían a hacer chistes con la falta de oxígeno debido al vapor que simulaba las
nubes. En este otro video se puede ver la frustración de Max Wright.
Estos problemas y la tensión comenzaron a erosionar la serie,
los actores y el staff se fastidiaban al filmar (se dice que Andrea Elson sufría de
bulimia y ya sabemos cómo le fue a Max con todo eso del crack y los
vagabundos), el elenco principal se quejaba de que el alienígena recibía las
mejores partes del guión y dejaba mal parado a los demás, y encima nunca se pudieron
distanciar de los personajes que representaban y fracasaron en futuras
actuaciones quedando en la memoria colectiva con el apellido Tanner. Algún día
hablaremos del final de la serie y sus pesadillas.
El capítulo fue estrenado en 1988 y escrito nada más y nada menos que por Al Jean y Mike Reiss (luego guionistas de Los Simpson y creadores de El Crítico) quienes dieron en el clavo al poder analizar y describir a la perfección el carácter de la serie. Arranca con un típico destrozo hogareño de Alf y
luego con una de sus también típicas compras inútiles, en este caso, la
marioneta. Una vez que comprende cómo funciona la ventriloquía se inicia el
verdadero drama.Alf llama a su
marioneta Paul, no por simple casualidad. Ahora Alf (la marioneta) tenía su propia marioneta a quien
controlar y podía expresar a través de éste lo peor de su personalidad (así
como Paul Fusco lo hacía con Alf). Algún parecido disimulado tiene la marioneta
con el creador de la serie y yo personalmente he conocido uno al que podría tranquilamente apodar Paul (así como tengo un amigo apodado "Willie Tanner", su parecido es increíble).
“No pueden quitarme a Paul, se moriría” dice Alf en un
momento (y bien podría ser una referencia de lo que Fusco podría decir de
su marioneta al ver que el programa iba perdiendo éxito).
Alf ya afianzado como ventrílocuo empieza a realizar chistes
de mal gusto y echa la culpa de todo lo que hace mal a Paul, así las cosas
empiezan a ponerse un tanto oscuras. “Paul hacía
trampa y Alf parecía no notarlo” dirá Kate, como indicio de que algo anda mal. Asusta
muchísimo la secuencia en que Alf está dormido y Paul le habla a Willie (de
chico verlo así me dió un cagaso tremendo).
El gran momento se da cuando la familia decide obtener ayuda
psicológica y llaman a Larry, quien ya había ayudado a Alf en su relación doméstica con
los Tanner. Larry utiliza la frase “comerse al gato” como alegoría de “romper
las reglas”. Alf entonces lucha con su ego interior (representado en Paul). No revelaré el final pero tengo la teoría de que toda vez que Alf agita su jopo es
síntoma de gran momento en la serie. He visto volar ese jopo cuando lo ataca la
cucaracha, cuando se agita con el viento al manejar el Ferrari o cuando pasa
corriendo en el hotel de vacaciones con un extintor o también gritando “taxi taxi” en el
living de su hogar. En este caso se agita al querer derribar el retrato de la
madre de Kate revoleando un plato para “romper las reglas”.
Parece que sobre los créditos finales se escucha a Alf
riendo como loco (solo en inglés). En fin, es un capítulo para ser analizado por psicólogos, ya
que es una alegoría total de las alteraciones que sufrían los que hacían el programa: todos
se sentían marionetas controlados por el dictador Alf-Fusco, y a éste le costó
caro liberarse de su ego interior.
Intenté ver si se vendía algún Paul en internet y encontré esta imagen donde un yanqui le preguntaba a otro de dónde lo había sacado y la contestación era "se los compré a unos argentinos". Si alguien sabe dónde se puede conseguir que chifle.
Se anda diciendo por ahí que Alf va a volver y no
en fichas, sino con algún tipo de película animada. Fusco debería revisar
de una vez por todas este capítulo y hacer lo que Alf hizo
con Paul, para que no suceda lo que ya pasó con Proyecto Alf, la película
bastante mala (en donde los Tanner no aparecen por ser parte de un programa
de protección a testigos y están refugiados en Islandia, pero todos sabemos el
verdadero motivo por el cual no actuaron) y que se filmó en los noventa para darle un verdadero final a la serie pero que, para todos los que nos gusta la serie, casi que la matan.
Estaba buscando una buena excusa para chamuyar sobre la
mítica banda de Zaragoza. Durante mucho tiempo le di vueltas al asunto, escuché
un disco tras otro hasta cansarme, vi los shows en vivo que no había visto y hablé
con mis amigos fanáticos para saber los pormenores de los Héroes.
El nombre siempre me llamó la atención, me parece acertado (aunque
no mejor que Todos Tus Muertos o Los Auténticos Decadentes). Encaré por ese
lado, analicé por qué pudieron elegir ese título, qué sentidos desprende esa denominación
y… ¡decidí invertir la ecuación!. Así es como me puse a analizar cuáles son los
mejores silencios o pausas en sus canciones. Como decían Simon y el otro, The Sounds of Silence.
“El silencio lo es todo” dice el tema que dio origen al nombre
de la banda antes de salir al ruedo y que luego trocó el título de la canción por el de “Héroe de Leyenda”. De esa primera época son más interesantes las pequeñas
pausas de Mar Adentro, que permiten estructurar los versos y la música. Anuncian
el comienzo del teclado o los punteos de guitarra y claro, por la mitad (exactamente
a los 2´05´´) la gran pausa donde el tema pareciera, como Lerner, volver a empezar.
El clásico Maldito Duende como fue editado en estudio
arranca con un acople, pero siempre me gustó más la introducción que le daban
en vivo con arpegios y armónica. Me resulta muy lograda la versión concebida en
el MTV unplugged, mucho más tranquila, que le permite a Bunbury revolear la
armónica antes de arrancar con la canción y al guitarrista Juan Valdivia
rascarse a gusto y piacere antes del solo final.
Flor de Loto se
encuentra cruzado por pausas y arranques alternados, utilizando el silencio
como pausa reflexiva, dramática.
Y si hablamos de intención dramática cabe destacar la
cuenta regresiva del final de Hechizo, y el silencio que la sucede, que le da
mayor sentido a aquello a lo que invita el estribillo.
La frase “Silencio, he oído una voz” abre el tema No más
Lágrimas, frase que recuerda aquella vieja paradoja de “si un árbol cae en el
bosque ¿hace ruido?”. Bueno, la ausencia
total de sonido no significa que no haya comunicación, en eso estamos de
acuerdo ¿no?...
También en el Unplugged de MTV, inician los primeros acordes
de La Chispa Adecuada y después por consecuencia de un error técnico hacen
una pausa. Se soluciona el error y se da comienzo al tema. Ese dramático
silencio involuntario también es parte de la etapa más profesional de los
Héroes.
El tema Opio tiene un cambio de ritmo en el 3´50´´.
Pareciera que la banda baraja y da de nuevo, otra baraja grosa.
Deshacer el Mundo no es un tema con mucho cambio de ritmo
ni muchas pausas, tan sólo en el 2´40´´tiene un arreglo que desencadena en el
punteo y que a su vez luego desencadenará en el estribillo final de este tema
tremendo, la verdadera razón por la cual no podía quedar afuera. ¡Eso es!
El Live in Germany, video pirata (finalmente editado) de culto para los
fanáticos, está repleto de silencios, zapadas y pausas que sirven para que cada
músico se destaque con sus solos o aprovechen para entrarle a un trago, abrigarse
o secarse la cara (“Olvidado”, “Decadencia” o “Los Placeres de la Pobreza”).
Pero entre todos esos videos de pausas en shows prefiero, a modo de muestra, el
del disco “El ruido y la Furia” en Madrid 1995, tema Nuestros Nombres.
Y ahora sí, llegamos al Silencio Héroe. Si tengo que elegir
con qué tema quiero que abran un show, que sea con estos acordes. Los que arrancan Entre Dos Tierras, tema que te deja "la boca abierta como Bunbury al cantar". Va primero en
estudio y después en vivo.
A veces el silencio o el no decir algo es señal de un fuerte
significado, así que (una frase más y me callo): la pausa o el saber callar debe ser una premisa de los Héroes.
La historieta que engendraron Juan Sasturain en guión y el Viejo Breccia en ilustración es una obra de culto acerca de la dictadura militar argentina y su posterior conversión en la temprana democracia que fueron desarrollando durante una década. La saga está conformada por 4 tomos bien
divididos y con características y climas bien marcados, ya que los dos primeros
fueron concebidos bajo el régimen militar y de la temprana recuperación de la Democracia,
y el último fue una revisión de la Dictadura casi pisando la década de los noventa.
En lugar de laburar con hechos concretos de la Dictadura, la
aventura gira en las sensaciones y pesadillas que ésta engendró y bajo el
precepto de que “destino” y “sentido” son anagramas. Una historia llena de
homenajes históricos y artísticos, con citas que pueden ir desde Frank Sinatra hasta
Juan Manuel de Rosas y desde Palito Ortega hasta Joyce. Habrá jugadas de truco
que decidirán destinos y momentos de competencia porno en cualquier lugar de Buenos Aires.
Un tratamiento gráfico en torno a los grises, a las texturas,
a las caricaturas expresionistas y al collage que se irán adaptando al guión de
acuerdo a las sensaciones y matices. No todas son imágenes cómodas para el
lector, tragedia, indiferencia, muerte y miseria van rodeando las páginas.
El primer tomo (“El Piloto del Olvido”) es una presentación
del personaje principal, que no es un personaje que se deja definir
fácilmente. Aquel que abandona la lucha política y a sus compañeros y que prefiere
el Olvido –aquí en forma de prostituta- y con él una nueva identidad que obtendrá
de la marca de su gabardina. Los
personajes secundarios no son menores: Canelones, un rústico obrero uruguayo.
Enemigo, un solitario y taciturno aviador. Y, la frutilla del postre, un Borges
ficticio-real que, todavía vidente, elige la Revolución y que irá creciendo
como personaje de Resistencia dentro de esta historia. También este primer tomo
es la presentación de la pesadilla y el horror de la Dictadura, bajo la forma
de esos milicos y ayudantes del régimen, todos cadavéricos (el Viejo solía
llamarle “cara de lata” a los héroes, decía que la cara propia de un héroe
debía tener rasgos simples, no tan cargados como los secundarios; y que los
malos debían tener “cara de hueso” y “ojos de plomo”).
El segundo tomo es el que más me gustó la primera vez que
leí esta obra, quizás por su referencia directa al Adán Buenosayres de Marechal. Los personajes ya afianzados van en busca de “El Alma de la Ciudad”
(llamada Santa María) que está desapareciendo, para eso Borges traza una
estrella de seis puntas sobre el mapa e irán a cada uno de esos puntos.
Historia fantástica pero bien porteña. Esa búsqueda de la esencia argentina que
tanto interesaba a Borges, esa búsqueda entre el héroe y el traidor de la Historia.
El tercer tomo “La Isla de Guano” es el más denso, oscuro y
polisémico. Arranca con una clara reivindicación de Borges y de su arte
(deberían leerla para saber por qué, no lo voy a revelar aquí), demostrando que
hay que aceptar a Borges como fue, pero por lo que escribió y no por otra cosa.
En este punto los gráficos llegan a su mayor oscuridad y las figuras se ponen
más sombrías. Reúne a traidores, payasos caídos en desgracia, lluvias de mierda
y muchas muchas contradicciones borgianas entre el real y el ficticio.
Y en el cuarto (“Diente por Diente”) ya se empieza a
vislumbrar los blancos tanto en el guión más relajado y en tono de comedia, al
estilo literario de Osvaldo Soriano o Fontanarrosa, como en la ilustración, en
donde el Viejo suelta mucho más el trazo.
En esta parte se busca reconstruir la perdida sonrisa de
Gardel, obteniendo uno por uno sus dientes que se encuentran dispersos en
distintos puntos del globo (desde Cuba hasta París o Japón). Así la frase
bíblica del título se convierte en una frase literal y porteña. Una sonrisa que iluminará la historia, o mejor dicho, La
Historia.
El guión de Sasturain y los dibujos del Viejo Breccia en el proyecto "Perramus” funcionan en forma cohesionada y a cada relectura abren múltiples y
nuevas ideas. Así que después de esta reseña es hora de que le pegue una buena
releída. Vuelvo enseguida.
